Bandas de ficción que triunfaron en el mundo real

¿Crees que necesitas existir realmente para triunfar en la música? ¿Sí? ¿Estás seguro?

Hacía mucho tiempo que no escribía un artículo-lista, es decir, uno de esos post que enumeran, por orden cronológico o de presunta importancia a juicio del autor, una serie de obras o autores fundamentales de cualquier ámbito de la cultura popular. Primero que nada, porque son largos, farragosos, es bastante difícil de conseguir una cierta homogeneidad a lo largo de ellos, y bastante fácil de hacerlos aburridos para el lector. Y segundo, porque ya los hay a miles en la Red. Es cierto que tengo varios en este blog, pero siempre que puedo prefiero mejor comentar alguna obra en concreto. Pero bueno, recientemente ha ocurrido un acontecimiento (al que ya me referiré en el artículo aunque, viendo cual es el tema, si están al punto de la actualidad musical imagino que ya adivinan de que se trata) que me ha hecho reflexionar sobre el tema de las bandas virtuales y de ficción. Es decir, de esos grupos musicales que, en un principio, aunque hay excepciones, nacieron en el contexto narrativo de una serie o película, pero que acabaron sobrepasando a su contenedor original y se constituyeron en productos culturales por derecho propio. Bandas que tocaron temas que aún hoy día a veces escuchamos en programas radiofónicos dedicados a los clásicos, o como música de fondo en comerciales o películas, y que quizá estamos lejos de sospechar que nacieron en el contexto de un programa de televisión. Así que ahora propongo que se relajen, tomen sus auriculares si lo creen necesario, y hagamos un viaje en el tiempo a través de varias décadas para conocer algunas notables bandas que iniciaron su andadura como simples personajes de ficción.
 
Todo comienza la primavera de 1958...

Tempus Fugit.

A veces por pura casualidad te topas con pequeñas joyas que te alegran la tarde. Como el caso de la película que hoy traigo aquí, una producción de la televisión pública catalana para la pequeña pantalla del año 2003, dirigida por Enric Folch, e interpretada por actores habituales de las teleseries de dicho canal, que juega con ingenio con las paradojas temporales para componer una comedia romántica con toques de humor absurdo, y que plantea la idea de que nada ni nadie es insignificante, y que cualquiera puede convertirse en un héroe, aunque sea a su pesar, y de la forma más absurda posible: Tempus Fugit.

Nadie está a salvo del efecto mariposa. Nadie. 

El blues de la reserva. Magia y rock'n'roll

Probablemente uno de los términos más prostituidos de la historia de la literatura sea el de realismo mágico. Estrictamente hablando, se trataría de aquel subgénero de la literatura fantástica en el que los elementos mágicos o sobrenaturales se integran en la historia sin acaparar el protagonismo, sino manteniéndose en un segundo plano. Como resultado, la trama acostumbra a ser bastante mundana, pero aún así, la magia forma parte fundamental de ella, aunque los personajes normalmente no le dan importancia. Es algo que forma parte de su mundo, y es el lector/espectador el que debe apreciar lo extraordinario del hecho de que, por ejemplo, el protagonista converse habitualmente con el fantasma de algún antepasado y le pida consejo sobre asuntos cotidianos.

A este subgénero fantástico pertenecen grandes clásicos de la literatura universal. Pero son precisamente esos clásicos lo que le dan al término ese aire de comodín ligeramente mercenario. Terry Pratchett decía que realismo mágico solo es una forma elegante de decir literatura fantástica. Es cierto que, mientras que el término literatura fantástica nos hace pensar de inmediato en un género juvenil y ligado al pulp, realismo mágico nos hace pensar en grandes nombres de la literatura, gente como Garcia Marquez o Borges, a los que jamás osaríamos asociar con algo tan comercial e inmaduro como el género fantástico. Una simple cuestión de prejuicios, a fin de cuentas, que no  hace que el realismo mágico deje de ser tan fantasioso como cualquier novela de la saga de Harry Potter.

Pero el realismo mágico también es objeto de prejuicios propios. El más común de ellos queda ejemplarizado en otra frase, esta vez del autor Gene Wolf: el realismo mágico es fantasía escrita en español. Básicamente se da por sentado que, con alguna honrosa excepción, se trata de un género casi exclusivamente latinoamericano. Es por ello que hoy quiero traer un ejemplo de realismo mágico escrito al norte del Río Grande. Aunque algunos me dirán, no sin algo de razón, que hago trampa. Y es que Sherman Alexie, efectivamente, es ciudadano estadounidense, pero no es un gringo, sino un indígena norteamericano. Y quizá por ello, en nuestro imaginario lo percibimos más cerca de la cultura mestiza de Latinoamérica que de la de la Norteamérica anglosajona. Esto, obviamente, no deja de ser otro prejuicio. La obra que traigo aquí, Blues de la Reserva, publicada en 1995, y ganadora en 1996 de uno de los American Book Award, narra las aventuras de un grupo de indígenas norteamericanos que deciden formar su propia banda de rock y lanzarse a la carretera en busca de la fama.

Shaolin Soccer, el fútbol hecho arte... marcial

En este blog he tratado un par de veces el tema de la comedia deportiva, pero ninguna de las películas que he reseñado tenía como inspiración el deporte seguramente más popular del planeta, el fútbol. Para llenar ese vacio traigo hoy una película francamente divertida, hecha en Hong Kong. En 2001, en vísperas de la llegada al Asia oriental de la máxima celebración futbolística mundial (la Copa del Mundo a celebrarse en Corea del Sur y Japón en 2002) Stephen Chow perpetró esta monumental ida de pinza,  un extraño híbrido entre una película de kung fu volador de las de toda la vida y la clásica comedia deportiva, protagonizada por el tópico equipo de desarrapados que acaba ganando el campeonato a base de creer es si mismos, todo ello unido por humor descerebrado del bueno, a medio camino entre National Lampoon y las fantasías animadas de la Warner: Shaolin Soccer (título original en cantonés Siu lam juk kau, 少林足球 ) .

En busca del fuego, una odisea neanderthal.

Hace ya algún tiempo hable aquí del clásico de la Hammer de aventuras cavérnicolas de 1966 Hace un millon de años. Una película icónica, ciertamente, pero muy poco creíble. Por muy potentes que sean, en su faceta de mito erótico, esas imágenes de una Raquel Welch impecablemente peinada y depilada a la cera, en una imposible Edad de Piedra con dinosaurios incorporados, reconozcamos que son bastante risibles. Y sin embargo, la historia de un cavernícola expulsado de su propia tribu y obligado a vagar viviendo aventuras por el duro mundo prehistórico, que encuentra el amor en una tribu ajena más avanzada que la suya, y regresa a su antiguo hogar, trayendo bajo el brazo el progreso, para convertirse en un líder, es muy potente narrativamente. ¿No habría alguna forma de contar esta misma historia, pero de una forma mucho más realista, retratando la prehistoria con toda su épica brutalidad y sordidez, con toda la mugre y la miseria que asociamos al hecho de ser un cavernícola? En 1981, de la mano del director Jean-Jacques Annaud, por fin podemos ver la respuesta a esta pregunta en el clásico franco-canadiense En busca del fuego.

Basada en una novela homonima publicada en 1911, obra de J.H. Rosny, en realidad un pseudónimo conjunto usado por los hermanos Joseph y Séraphin  Boex, escritores belgas también conocidos como Rosny el mayor y Rosny el joven, En busca del fuego (también conocida en Latinoamérica como La Guerra del fuego, una traducción más exacta del título original La Guerre du feu) nos narra de forma espectacular la épica odisea de tres cavernícolas en busca del bien más preciado de la pehistoria: el secreto del fuego.

Pesadillas, de Katsuhiro Otomo

Hará cosa de una semana, gracias a algunos comentarios de amigos en Facebook, descubrí en esa red social la comunidad Satán Es Mi Señor. No se asusten por el nombre, no tiene nada que ver con death metal, velas negras y sacrificios de cabras. Es un grupo que se dedica a criticar la arquitectura pretenciosa o alienante (ellos la califican de satánica, de ahí el nombre). Con gran sentido del humor, además. Les recomiendo que lo visiten, si son habituales del caralibro. Se reirán, y además aprenderán cuatro cosillas de historia de la arquitectura moderna. El caso es que leyendo algunos comentarios, y viendo algunas fotos allí publicadas, recordé una miniserie de cómic de terror en la que esa misma arquitectura mastodóntica que ahí era objeto de fiera critica juega un papel fundamental. Se trata de la espectacular Pesadillas (童夢 Dōmu), del autor de manga japonés Katsuhiro Otomo. Así que la rescate de la estantería donde juntaba polvo, convencido de que, con las imágenes y las historias de algunos sonados fracasos urbanísticos que acababa de conocer frescas en la memoria, me seria mucho mas placentero adentrarme en las opresivas imagenes de inmensos edificios de apartamentos que enmarcan este sangriento drama de horror paranormal. No me equivocaba.

Pesadillas fue publicada en su idioma original entre 1980 y 1982 en formato de serie, y posteriormente como novela gráfica en 1983, pero no apareció en español hasta la gran explosión de la moda del manga y el anime japonés de los años 90, de la que Otomo fue uno de los grandes protagonistas gracias a su serie (y posterior adaptación al anime) más recordada: Akira. La buena aceptación que tuvo entre los lectores esta historia apocalíptica llevo al editor de la misma en español (la editorial Norma) a sacar al mercado la versión española de esta miniserie de terror urbano ganadora en 1983 del Nihon SF Taishō Award (Gran Premio de Ciencia Ficción del Japón), en la que, al igual que en Akira, los personajes con poderes psíquicos y la violencia extrema son el sello distintivo.

La Fuga de Logan

Hoy traigo aquí otra de esas películas de culto, uno de los clásicos del género de la ciencia-ficción, representante de un grupo de películas que quizá podríamos llamar de serie B+, que vendrían a ser películas con mayores medios que una película serie B típica, pero sin por ello llegar a los presupuestos de una gran superproducción. Un fenómeno que podríamos situar en el espacio de tiempo comprendido entre los estrenos de 2001, Odisea del Espacio (1968) y La Guerra de las Galaxias (1977), periodo en que los grandes presupuestos rehuyeron el genero fantástico, pero aun así se hicieron algunas películas que no terminaban de encajar del todo en los parámetros de la serie B. La Fuga de Logan, adaptación de la novela homónima de William F. Nolan y George Clayton Johnson publicada en 1967, dirigida por Michael Anderson en 1976, fue una de ellas, probablemente la última.

El destino en la palma de tu mano. Literalmente.

Six String Samurai (alias Holocausto Samurai)

Mi buen amigo Dani, cuyo blog recomiendo encarecidamente (aunque se prodiga menos que yo, que ya es decir) ideó hace tiempo un "héroe" de ficción para hablar de según que títulos en español que se parecen al original lo que un huevo a una castaña: El imbécil que traduce los títulos de las películas. Este personaje bien podría ser el autor del título en español de la película que nos ocupa. Porque mira que traducir Six String Samurai como Holocausto Samurai, manda huevos. Imagino que "el guitarrista samurai", que sería lo mas parecido al título original, no daba bastante miedo, asi que le metemos la palabra holocausto, aunque sea con calzador, que mola mas. Total, ¿quién se va a dar cuenta? Si es una película de serie B...

Te corto la cabeza a ritmo de rock'n'roll. Oh yeah!

Six String Samurai es una película de 1998, dirigida por Lance Mungia. La clásica película de serie B, rodada con pocos medios y mucho sentido del humor. Una caricatura del género apocalíptico que tuvo una muy buena recepción en los circuitos alternativos, ganando los premios de mejor dirección y mejor película en el festival de Slamdance de 1998, la cual cosa no hizo que tuviese una gran acogida en las salas comerciales, como por otra parte suele ser habitual con este tipo de producciones. Estuvo poco tiempo en cartel en los Estados Unidos, y en la mayoría de paises se estrenó directamente en el mercado del vídeo doméstico.

La chica que saltaba en el tiempo

Para este nuevo artículo regresare al mundo del dibujo animado japonés, y hablare de una película que, para poder verla en su día, no tuve mas remedio que recurrir a una "copia de seguridad" de esas que corren por Internet, que una persona amable se había tomado la molestia de subtitular en castellano.  La chica que saltaba a través del tiempo, (時をかける少女, Toki o Kakeru Shōjo) de Mamoru Hosoda. Comedia romántica en clave de ciencia ficción. Una película que, a pesar de ganar el premio de la categoría de animación en el prestigioso Festival de Cine Fantástico de Sitges en el 2006, no fue estrenada en la gran pantalla en nuestro país, y hubo que esperar hasta 2010 para poder conseguirla de forma "legal", cuando se estreno directamente en DVD. Luego andarán quejandose de que la gente se baje las cosas de Internet... si es que lo van pidiendo a gritos.

So Yesterday: tendencias urbanas y conspiración.

Ya hablé hace tiempo aquí de Scott Westerfeld, figura emergente de la ficción juvenil. Hoy quisiera hablar de una de sus obras que aun no ha sido traducida al español, So Yesterday (2004). Una pena en mi opinión, puesto que el argumento de la misma trata de un tema interesante, la intencionada volatilidad de las modas, y también porque seguramente es la única obra de dicho autor que no transcurre en un escenario fantasioso, sino que en esta ocasión tenemos un thriller urbano, en el que las cosas extrañas acontecen en oscuros almacenes industriales, o entre las luces y el glamour de fiestas de la alta sociedad de una Nueva York que nos demuestra que la gran ciudad puede ser un marco narrativo tan extraño como un planeta extraterrestre, o quizá mas.

¿Estás a la última? ¿Seguro?

La expresión "so yesterday" que da título a la novela podría mas o menos traducirse como "tan anticuado", y de eso trata la historia. Westerfeld plantea una hipotética explicación a una pregunta que probablemente alguna que otra vez todos nos hayamos hecho: "¿cómo es posible que algo tan absurdo/ridículo se haya puesto tan de moda de pronto?". Tal vez gracias a personas como Hunter, el protagonista de la novela. Como su propio nombre indica, Hunter es un cazador. Un cazador de tendencias. Aparentemente un vulgar estudiante, tiene en realidad un empleo a tiempo parcial que mantiene tan en secreto como puede, ya que exige discreción. Moviendose por los ambientes urbanos juveniles, su misión es descubrir las nuevas tendencias urbanas en el momento de su nacimiento, discriminar lo "cool" (y por tanto, vendible) de lo simplemente extravagante, y pasar informe a los equipos de marketing de las firmas de moda juvenil que le emplean, a fin de que lo tengan en cuenta en sus diseños y campañas publicitarias. Hunter se ve a si mismo como miembro de una casta intermedia entre la de los innovadores, aquellos que crean las nuevas tendencias estéticas, y la de los consumidores, que simplemente siguen la corriente.

Momo y los ladrones de tiempo

Recupero este viejo articulito que escribí hace años ya, ahora que se acerca Navidad, porque si teneis niños a los que quereis iniciar en la lectura, esta novela una excelente opción. Y tambien vale para los mayores.

La primera vez que oí hablar de esta novela, y por extensión de su autor, el alemán Michael Ende, seguramente uno de los grandes de la literatura fantástica, fue, como no, durante la adolescencia. Recuerdo que varios compañeros de clase comentábamos lo aburridos que nos parecían los libros que hasta el momento nos habían mandado leer como parte de la asignatura de lengua y literatura. Uno de aquellos compañeros propuso como ejemplo de lo que podrían mandarnos leer este libro, que a él le habían regalado no hace mucho, y que encontraba genial.


Con el paso de los años, creo que he llegado a comprender porque esta genial novela no estaba en la lista de lecturas obligatorias de la escuela. Seguramente son las mismas razones que hicieron que la publicación de esta obra, que en 1974 recibió el premio Deutscher Jugendbuchpreis (Premio Alemán de Literatura Juvenil), fuera en principio bastante difícil, allá por el 1973. Y es que la historia de la niña vagabunda y los ladrones de tiempo pone en duda demasiadas cuestiones que nuestra sociedad da por obvias, así que quizá conviene mantenerla a una cierta distancia de la escuela. Sobre todo cuando esta escrita con ese lenguaje claro y simple con el que se cuentan los cuentos a los niños. Porque Momo en realidad es un cuento para niños. En eso reside la grandeza de esta novela, en poner su mensaje, su moraleja, al alcance de cualquiera con una edad mental superior a los seis años. Y esa moraleja quizá no es tan inocente como parece. O al menos, no en el sentido en que muchos entienden la palabra inocente, como sinónimo de trivial o incluso estúpido.

Los Desposeidos: el día que Bakunin se puso un traje espacial.

El de la ciencia-ficción es un mundo eminentemente masculino. Son bastante pocas las mujeres que se han dedicado a este género, así que hoy quisiera reivindicar la figura de una de las grandes damas de la ciencia-ficción, Ursula K. Le Guin, la primera mujer en obtener el título de Gran Maestra de la Asociación Americana de Autores de Ciencia Ficción y Fantasía (SFWA) en 2003. Una autora que ha cultivado tanto el género de la fantasía mas clásica de magia y espadas, como la ciencia-ficción propiamente dicha, campo en el que es reconocida como uno de los nombres mas importantes, si no el que mas, de la llamada ciencia-ficción social, subgenero centrado en la especulación sobre hipotéticas sociedades futuras, en cuya detallada y consistente descripción sobresale Le Guin. Es en este campo donde se enmarca Los Desposeidos, publicada en 1974, con seguridad la novela mas política de la autora.

El título completo de la obra incluye el subtítulo Una Utopía Ambigua, que nos da una primera indicación de la temática. Las obras de Le Guin a menudo tratan del conflicto entre diferentes formas de entender la vida, y esta no es una excepción. Sin embargo, mientras en muchas de las obras de ciencia-ficción de la autora el origen del conflicto suele ser el contacto entre dos razas, usualmente los humanos y alguna raza alienígena cuya cultura ha sido modelada por particularidades biológicas que los humanos, al no compartir, no pueden entender, en Los Desposeidos las dos sociedades enfrentadas son dos pueblos de la misma raza, pero separados por un salto en el espacio, por 200 años de incomunicación, y sobre todo, por un abismo ideológico. Los habitantes del planeta Urras viven en un bullicioso mundo comercial, conectado con el resto de la galaxia, y entregados a los negocios. Mientras, sus vecinos del planeta Anarres (en realidad, el gigantesco satélite del mundo anterior) han optado por el aislamiento y la autosuficiencia, y gobiernan (si es que resulta pertinente usar esta palabra para describir el caso, que mas bien no) su mundo como una gigantesca colectividad anarquista.

Nadia y el misterio de la piedra azul.

Como hace tiempo que no escribo nada sobre anime japonés, y aprovechando que estamos en verano, quisiera proponerles un plato refrescante apropiado para la estación. Veamos... ¿qué les parece si tomamos como ingrediente principal la historia de amores y desamores de una pareja de adolescentes con las hormonas revolucionadas, lo mezclamos con los personajes creados por el inmortal Jules Verne, con la leyenda de la Atlántida y con una conspiración para dominar el mundo, lo salpimentamos con unas gotas de steampunk, y encargamos a Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion) que cocine el guiso, sobre un diseño de personajes de Hayao Miyazaki (La Princesa Mononoke, El Viaje de Chihiro...) a fuego muy lento, durante 39 capítulos? El resultado que obtendremos es este:

Si el bueno de Julio Verne levantara la cabeza...

Fushigi no Uni no Nadia, titulada en español Nadia, el secreto de la Piedra Azul, aunque una traducción mas exacta del título original sería Nadia de los mares misteriosos, serie de 1990 ganadora del Anime Grand Prix de la revista japonesa especializada Animage, es otro de esos clásicos desconocidos para el gran público español. Una serie pletórica de acción, tragedia, toques de humor y un romanticismo no exento de cierto punto de erotismo naïf, que pasó con mas pena que gloria por nuestras pantallas de televisión, en gran parte debido al lamentable tratamiento que dieron a esta serie los propietarios de sus derechos de emisión para España.

La Materia Oscura: fantasía... y herejía.

Recientemente, un amigo colgó en su "muro" de Facebook un enlace a un video en Youtube de un fragmento de una entrevista en la que el escritor Phillip Pullman decía unas cuantas verdades sobre la libertad de expresión, aprovechando la presentación de su último libro. Si a alguien le interesa escucharla aquí está:

No hablaré aquí de ese libro, que aun no he podido leer, pero que todo parece indicar que será interesante, sino de la obra que puede decirse que hizo famoso al citado autor, y quizá también su obra mas polémica, la trilogía La Materia Oscura, una saga de fantasía enfocada principalmente al público adolescente, ganadora del premio Carnegie Medal de literatura infantil, y ampliamente reconocida por los aficionados al género fantástico.

Los tres títulos que forman la Trilogía de La Materia Oscura.

En La Materia Oscura, Pullman imagina un multiverso por el que se mueven los protagonistas, seres de una dimensión paralela que habrían visitado nuestro mundo en el pasado remoto, dando origen a nuestros mitos y leyendas. Hasta aquí, nada que no sea un clásico de la ciencia-ficción, o hasta de las teorías de la conspiración: los tópicos dioses extraterrestres. ¿Cual es la diferencia fundamental que convierte esta serie en polémica? Que mientras lo habitual en estos casos es convertir en alienígenas a dioses de mitologías extintas, como los dioses griegos, egipcios o de la América precolombina, Pullman usa nuestra propia mitología religiosa occidental. Los alienígenas divinizados no son aquí Zeus, Osiris o Quetzalcoatl, sino nuestros propios ángeles, arcángeles, diablos y hasta el mismo Dios.

Clásicos de la ci-fi: Forastero en Tierra Extraña.

Bueno, de momento, y mientras preparo una nueva entrada que llevo rumiando hace tiempo sobre el tema de la ci-fi apocalíptica que corrija la afirmación que en su día hice sobre la muerte del género a finales de los 90, visto el repunte que ha tenido de un tiempo a esta parte, aquí dejo otro viejo artículo que rescaté este fin de semana, organizando directorios en mis discos duros, sobre una novela clásica: Forastero en Tierra Extraña 

Forastero en Tierra Extraña es probablemente la novela mas polémica del ya de por si polémico autor de ciencia ficción Robert Anson Heinlein. Baste como detalle el hecho de que para la primera edición de esta novela, en 1961, hubieron de ser censurados diversos pasajes que el editor, sencillamente, no se atrevía a publicar tal como estaban, y que la edición completa del libro no se publico hasta 1990.


El argumento inicial es bastante simple. Una primera expedición internacional al planeta Marte, formada, para evitar tanto los problemas derivados de la abstinencia sexual durante la larga travesía como los tabús sociales inherentes al sexo, por cuatro matrimonios de astronautas, pierde contacto contacto con la Tierra cuando se disponía a amartizar. Hasta veinticinco años mas tarde no se puede enviar una segunda expedición que para su sorpresa, aparte de descubrir que Marte es un planeta habitado, también encuentra al llegar a un superviviente de la primera: Michael Smith, el hijo ilegítimo de dos de los miembros de la primera expedición, huérfano desde muy niño, que ha sido criado y educado por los marcianos.

Watchmen (el comic)

Todo el mundo de rodillas, por favor…

Entre 1986 y 1987 se publicó el que esta considerado uno de los mejores comics de superhéroes que existen: Watchmen, una serie de 12 números con guión de Alan Moore y dibujo de Dave Gibbons, es cualquier cosa menos un tebeo de superhéroes corriente. La acción tiene lugar en una realidad alternativa, en la que Estados Unidos habría ganado la guerra de Vietnam y el escándalo Watergate no se habría llegado a producir, entre otras diferencias con el mundo real. En este mundo figurado, en un escenario que el autor sitúa en Nueva York y en 1985, en un ambiente pesimista, de crimen y miseria en las calles, y de voces anunciando la inminencia de la III Guerra Mundial en las noticias, trascurre la existencia crepuscular de un grupo de antiguos superhéroes.

Watcmen es una autentica obra maestra del genero. Ganadora de numerosos premios, entre ellos el premio Hugo de 1988 en la categoría de Otros formatos, la única novela gráfica que ha obtenido hasta el día de hoy este prestigioso galardón, Watcmen captura enseguida la atención del lector, sumergiéndole en un suspense que va en aumento hasta un final espectacular y sorprendente. Las pausas dramáticas al final de cada uno de los doce capítulos mantienen el suspense, y los personajes están definidos con maestría. Al final de cada uno de los capítulos hay un anexo, en el que se presenta al lector algún documento (articulo periodístico, ficha policial, etc.) al que se ha hecho referencia en la historia, y que permite ampliar la comprensión de la misma, al definir el marco en que tiene lugar con mayor precisión.