El Frikinomikon

Estan Vivos, de John Carpenter

2012-01-26T17:03:00.000-08:00

Se conoce como la "Triple C" a un trío de directores considerados como referencia del cine de terror moderno: Wes Craven, David Cronenberg y John Carpenter. Es precisamente de este último de quién quisiera hablar, para referirme a una de sus películas mas curiosas. Una película considerada "de culto", que, aparte de tratar el clásico tema de la invasión alienígena, cuenta con una considerable carga de crítica social, y cuya forma de imaginar en 1988 el escenario de como sería el futuro próximo (nuestro presente) puede hacer caer esa gota de sudor frio por el cogote. Se trata de la inquietante Estan Vivos (They Live.)

Como dice el dicho, todo depende del color del cristal con que se mira...

Estan Vivos es una película que forma parte de un momento de la carrera de Carpenter en que había perdido el favor de los grandes productores, después de algún que otro sonado fracaso en taquilla, y se vio forzado a tener que lidiar con presupuestos mas modestos. La película tiene en consecuencia ese particular aire de serie B, potenciado por la inclusión del blanco y negro en los momentos clave de la aparición de los alienígenas. Carpenter eligió al luchador Roddy Piper para encarnar al protagonista, en parte porque, al igual que el personaje de ficción, también él arrastraba una castigada biografía a sus espaldas.

Ahora toca iniciar el resumen del argumento con una de esas frases tan tópicas, pero antes de hacerlo, he de recordar que esta película es de 1988. Carpenter estaba hablando del futuro. Es que como la ciencia-ficción tiene esa enojosa tendencia a convertirse en realidad, a veces, como en este caso, hay que recordar este detalle. Porque si no lo que viene ahora va a sonar a chiste sin nada de gracia...

A continuación se desvelan detalles de la trama

Pues eso, que en un futuro de esos que están ahí a la vuelta de la esquina, los Estados Unidos han caido en una profunda recesión económica, causada por la quiebra de algunos grandes bancos sin especificar (vamos, es que solo hubiera faltado que se mencionara expresamente a Lehman Brothers. Era para preguntarle a Carpenter donde guarda la bola de cristal.) y todo es pobreza, desempleo y miseria. Como iba diciendo, en ese escenario que en el 88 sin duda era el colmo de lo apocalíptico, pero que hoy día tiene tanto de futurista como mirar por la ventana, llega a un campamento chabolista el protagonista de la película, un anónimo vagabundo del que en ningún momento sabremos como se llama. Contratado como peón en una obra cercana, pronto le llama la atención el continuo movimiento de personas alrededor de una misión religiosa contigua al campamento, incluso a altas horas de la noche.

Intrigado, pregunta a uno de los voluntarios de dicha congregación que trabaja asistiendo a los habitantes de las chabolas, pero este le contesta con evasivas, así que decide colarse a hurtadillas en la misión, descubriendo que esta es en realidad la tapadera de alguna clase de grupo clandestino. Nuestro protagonista sin nombre descubre un escondrijo disimulado en la pared, pero antes de poder averiguar lo que se esconde ahí, la llegada del pastor de la congregación (un ciego amigo de los sermones apocalípticos) le obliga a huir. Esa misma noche llegan varios coches a la misión para recoger a los ocupantes de la misma, y huir a toda velocidad tras cargar varios paquetes. No tarda mucho en llegar un amplio despliegue policial, y mientras un grupo de agentes asalta el edificio de la misión, una brigada de antidisturbios desaloja el campamento chabolista con gran despliegue de violencia gratuita.

Si no has hecho el ejercicio mental de imaginar que estas en 1988, te estarás preguntando que tiene esto de ciencia-ficción, si eso de la miseria y la represión policial son hoy día moneda corriente. Bien, ahora viene la parte fantasiosa. Al dia siguiente, mientras los habitantes del campamento arrasado tratan de recuperar algunas pertenencias, nuestro protagonista se cuela en el abandonado edificio de la misión, localiza el escondrijo (milagrosamente intacto) del día anterior y rescata un paquete que había quedado abandonado tras la huida. Se lo lleva a un callejón apartado, y al abrirlo, cual no sera su frustración al ver que solo contiene gafas de sol. Lo arroja a un cubo de basura, no sin antes guardarse uno de los pares, sale del callejón, se decide a probarse sus nuevas gafas de sol... y de repente la ciudad que tiene frente a sus ojos se transforma en una pesadilla orwelliana.

La ciudad, vista a traves de las gafas de sol.

Al ponerse las gafas, todas las imágenes de carteles, vallas publicitarias, portadas de revistas... desaparecen, revelando mensajes subliminares habilmente escondidos en ellas, con ordenes claras y precisas: consume, obedece, no pienses, sometete... los mensajes ocultos estan por todas partes, incluso en los billetes de dólar, que esconden el mensaje "este es tu dios". Pero esto no es lo mas escalofriante que nuestro protagonista va a descubrir gracias a las gafas.

Están entre nosotros...

En efecto, mientras esta hojeando una revista llena de esos mensajes ocultos en un kiosco, el protagonista se ve sorprendido por la llegada de un ser de aspecto cadavérico que, como si tal cosa, compra el periódico del día. Evidentemente, sin el filtro de las gafas, su aspecto es complétamente humano. Pronto descubrirá que la ciudad esta llena de estos seres, alienígenas que, haciendose pasar por humanos, se han ido infiltrando en los puestos claves de la sociedad. Al principio nuestro protagonista intentará hacer la guerra por su cuenta. Obviamente lo único que conseguirá es convertirse en objetivo de una persecución despiadada, momento en que intentará el único movimiento lógico: tratar de encontrar a la gente que ha fabricado esas gafas...

Fin de la zona de peligro de spoilers

Uno de los efectos mas remarcables de esta película es el uso que hace Carpenter del blanco y negro. Para que el espectador perciba que la escena que esta viendo en ese momento tiene el filtro de las gafas, Carpenter la rueda en blanco y negro. Esto hace que prácticamente en todos los pasajes en los que aparecen alienígenas, la acción este en blanco y negro, lo que le da un aire de vieja pelicula de monstruos de los años 50. De hecho, en su momento Carpenter aprovechó este detalle para lanzar una sarcástica crítica contra el magnate televisivo Ted Turner, que por aquellos tiempos había puesto de moda una técnica para colorear artificalmente viejas películas rodadas en blanco y negro.

Tambien es necesario poner en el contexto de su tiempo el argumento de la película. El presentar una situación social tan parecida a nuestro presente no es casual, sino fruto de la aversión que Carpenter sentía hacia el sistema de valores imperante a finales de los ochenta, con la exaltación de la cultura del dinero fácil, la figura del "yuppie" y el consumismo como método de afirmación personal. Al respecto Carpenter comentó: «Comencé a ver la TV de nuevo. Rápidamente comprendí que todo lo que vemos está diseñado para vendernos algo... Es todo sobre nuestro deseo de comprar algo. La única cosa que ellos quieren hacer es llevarse nuestro dinero». No hace falta ser muy perspicaz para apreciar hacia que sector social dirige su crítica la película, desde luego.

Otra cosa a comentar es que esta película es ampliamente apreciada por los seguidores de teorias de la conspiración, que acostumbran a verla como una metáfora de sus postulados. No cabe duda de que el argumento de la película hace fácil imaginar que esos extraterrestres con rostro cadavérico son un símbolo para representar a esos oscuros grupos que, según dichas teorías, manejan los hilos de la historia siempre con sus propios intereses de casta en mente, indiferentes al sufrimiento de un pueblo llano al que esclavizan discretamente.

En resumen, una película entretenida y a veces inquietante, que compensa con su contenido de crítica social un quizá demasiado simplista planteamiento de la trama si la juzgamos estríctamente como película de acción.

Yo vi comenzar la I Guerra Ciberespacial Mundial por culpa de una tontería...

2012-01-20T00:09:00.000-08:00

No me voy a hacer el santito, como esos paladines de la cultura oficial, que dicen que no tienen ordenador, que no saben nada de p2p y que nunca se han bajado ni una simple canción de Internet (y que encima pretenden que les creamos). Prefiero decirlo alto y claro: yo también me he bajado cosas de Megaupload. Aunque por pura cuestión de ideología me mantengo fiel a software como eMule y sus clones, que aunque sean mas lentos, llevan mas estrictamente el tema de compartir entre iguales, alguna vez he hecho de leecher y he usado ese u otro servicio similar. Y no me arrepiento lo más mínimo. Pero no es de eso de lo que quiero hablar ahora. Doy por sentado que a estas alturas, cada cual tendrá ya formada su opinión sobre el tema del intercambio de archivos, el copyright, los derechos de autor y demás. Y el que no se la haya formado, lo siento por el, porque el tiempo de las palabras ya ha pasado.

Supongo también que a estas alturas de la película ya todo el mundo conoce la cadena de acontecimientos de la que hablo: el cierre del servicio de almacenamiento en la nube Megaupload, acusado de fomentar la "piratería" de material sujeto a copyright, y el inmediato y furibundo ataque del colectivo Anonymous contra diversos sitios web gubernamentales de los Estados Unidos, asi como los de varias grandes corporaciones de la industria del entretenimiento. Dejaré para cada cual también el trabajo de juzgar si el sabotaje es un medio de protesta valido en este caso, o si la actuación judicial es proporcionada, ya que perjudica a miles de usuarios que no guardaban allí ningún material susceptible de violar copyriht alguno, y con esta actuación pagan justos por pecadores (si es que es pecado compartir con desconocidos material cultural, cosa que personalmente niego). No ha lugar. De eso también ya se ha hablado todo lo que se tenía que hablar.

Sobre lo que quiero llamar la atención es que hoy se ha producido una ruptura traumática entre dos sociedades que coexistían en el mismo espacio físico, pero se guiaban por sistemas de valores muy distintos, y que hoy, por algo que parece una tontería, han entrado en conflicto puede que de forma insalvable: los conectados y los no conectados. Porque básicamente eso es lo que ha pasado la noche del 19 de enero - madrugada del 20. Que la forma de entender el mundo del siglo XXI, que ya venia friccionando hace tiempo con la mentalidad del siglo XX, ha aprovechado un acontecimiento de relativa importancia en lo global (aunque fastidioso para los usuarios particulares) para dar un puñetazo en la mesa y gritar bien alto: "¡Hasta aquí hemos llegado! ¡Este mundo ahora es nuestro, y vamos a ser nosotros los que marquemos las reglas!"

Se hablará mucho del sentido de la oportunidad, de si era prudente decidir una operación así el día después de una importante protesta cibernética, los teóricos de la conspiración verán en esta cadena de acontecimientos la sombra de manos ocultas, pero el hecho indiscutible es que hoy el siglo XXI ha expresado su voluntad de independizarse definitivamente del XX. Y lo ha hecho dando un grito de ira. El tiempo dirá que sale de todo esto, pero a veces las revoluciones que acaban cambiando el mundo empiezan por nimiedades. Conviene no olvidarlo.

En cualquier caso, si esto es una guerra, yo ya he elegido bando. Remember, remember, the 19 of January

No se por que, pero de pronto me vienen unas ganas de tunear esta imagen...

La ████ censura y la ████ SOPA

2012-01-18T08:09:00.000-08:00

████ ████ ███████ ████ ████ ████████ ████ ████████ █ ██ ██████ ███ █████ ████ SOPA ██ ███████ ██ ██ ████████ █████ ████ █████ ███████ █████████ ███████ █ ███████████ ██████████ ███ █████ ███ █████ ████████ █ ████ ███████████ ██ ██ ██████████

Por un Internet l████, no a la c██████!

¿Ha quedado claro?

Cutie Honey

2012-01-10T10:31:00.000-08:00

¡Ah, el placer de sentir como el cerebro se te reblandece hasta convertirse en una papilla que te sale goteando por la nariz! Nada como la serie B asiática para conseguir esa maravillosa sensación. Hoy traigo aquí una autentica rareza, inédita en España, y creo que también en el resto del mundo hispanoparlante. Así que quien quiera disfrutar de la experiencia tendrá que tirar de eMule, BitTorrent o similares, y conformarse con la copia en dos partes que corre por ahi del original japonés, y buscar los subtítulos en ingles o italiano (en español no los he logrado encontrar). Recomiendo hacerlo, porque vale la pena la experiencia (y de paso, así le llevamos la contraria al gobierno, que siempre es algo gratificante).

Si, es tan kitsch como parece.

Hay en Japón un puñado de directores de cine que vienen directamente del mundo del manga y la animación. Gente como Katsuhiro Otomo, Mamoru Oshii, o el director de la película que nos ocupa ahora, Hideaki Anno, que antes de dirigir a actores para encarnar a sus personajes, los dibujaban. De Hideaki Anno en el mundo hispanoparlante apenas conocemos poco más que sus sagas de robots gigantes arrasando Tokio (Tokio-3 para los puristas del género) pero lo cierto es que también tiene una reconocida carrera como director de cine con actores reales en su país. Cutie Honey, estrenada en 2004, es su tercera pelicula, y a diferencia de sus anteriores trabajos con actores reales, mas experimentales y de temática realista, aquí adapta a la pantalla un popular (en Japón, entre nosotros es prácticamente desconocido) manga y serie de animación de los 70. Y lo hace aplicando todos los clichés estéticos de la serie B.

Portada del nº1 del comic en que se basa la película.

Para ponernos un poco en situación explicaré un poco por encima el argumento, aunque ya aviso que lo de menos en esta película es el argumento. Honey, la protagonista, es un androide construido por el profesor Kisaragi a imagen de su hija fallecida. Aunque su aspecto es completamente humano, en realidad funciona con una tecnología ideada por el profesor, llamada i-System (no, no tiene nada que ver con Apple, es un juego de palabras japonés intraducible, la pronunciación inglesa de la letra i suena similar al vocablo japonés que significa amor) que le permite cambiar de aspecto a voluntad. Por supuesto, hay una organización criminal, Panther Claw, cuya líder, Sister Jill, desea la tecnología usada en la creación de Honey para conseguir la inmortalidad, responsable en su día de la muerte del profesor Kisaragi, a quien Honey desea vengar.

Bien, ya tenemos un argumento simple pero eficiente. Ahora hay dos formas de enfocar la producción: nos gastamos un monton de dinero en unos efectos especiales de relumbron, a la americana, o nos ahorramos ese dinero, y hacemos un campechano homenaje a la serie B de toda la vida. Anno elige este segundo camino, asi que agarren un buen cartucho de palomitas, y preparense a tomárselo con mucho humor, que en el fondo es de lo que se trata.

Lo primero, la protagonista. Los cánones de la serie B exigen una chica de calendario para un papel así. En este caso es la popular (en Japón) modelo Eriko Sato la encargada de prestar su palmito a la superheroina.

Fotogramas de la pelicula, donde se ve a Eriko Sato luciendo... bueno, ya se ve de sobras lo que luce, ¿no?

Sobre su interpretación de la heroina... bueno, más lineas de dialogo que Schwarzeneger en Conan ya tiene. Y en el fondo vienen a estar para lo mismo, ¿no?

En cuanto a la película en si, para que engañarnos, es un despropósito. Pero en el fondo de eso es de lo que se trata, ¿no? La estética recuerda enseguida la de la mítica serie Power Rangers, con esos disfraces de latex de colores chillones, esas armaduras de plástico, ese cartón piedra... los personajes entran en escena en medio de presentaciones histriónicas, haciendo miles de posturitas (Anno llega incluso a insertar la cortinilla de presentación de la serie de dibuos animados de los 70 en la primera aparición de la protagonista en traje de superheroina). Las escenas de pelea son puro Stephen Chow, con sus ralentizados y sus personajes abriendo socavones imposibles al caer al suelo... vamos, lo único que le faltaba para alcanzar la perfección es que hubieran aparecido las onomatopeyas sobreimpresas de la mítica serie Batman de los 60 en medio de las peleas, pero que se le va a hacer, no se puede tener todo.

En fin, una película para desconectar el sentido crítico y sentarse en el sofá con un gran cartucho de palomitas dispuesto a echarte unas risas. Lástima que solo se pueda conseguir en versión original subtitulada. Porque sin duda es una película que gana mucho si es visionada en un ligero estado de intoxicación etílica o cannabácea, pero eso puede enturbiar la lectura de los subtítulos. Aunque bien pensado, ¿quien quiere perder el tiempo leyendo subtítulos? Zas, paf, bum... honeeeeyyyy flassssh!

Peter Pank ha vuelto!

2012-01-05T16:26:00.000-08:00

El moko ke kamina sobrevuela tu ciudad.

Recupero de nuevo un viejo artículo, que escribí a principios del 2007, a propósito de la reciente reedición de la saga de la que habla en formato libro. Una excelente oportunidad sin duda para aquellos que no lo conozcan de asomarse al interesante universo creativo que supuso el tránsito de los 80 a los 90 en España, a través de uno de los personajes más pasado de vueltas de las viñetas.

Portada de la primera entrega de la saga Peter Pank.

Por alguna misteriosa razón, a todos por año nuevo nos da por arreglar cosas. Algunos se plantean arreglar su vida, y otros nos quedamos en fines un poco mas modestos, como arreglar un poco la casa. Y en eso me encontraba yo el otro día, concretamente poniendo orden en mis estanterías, cuando tropecé con algunos viejos comics ochenteros, entre ellos los del personaje que nos ocupa, Peter Pank, obra del dibujante Max. Tal vez fuese una señal, el caso es que los traslade al sofá, donde probablemente aun estén cuando leas esto, dejando la biblioteca de nuevo a merced de la Segunda Ley de la Termodinámica, y me puse a repasarlos, trasladándome mentalmente a la Barcelona preolímpica de las tribus urbanas, las radios libres y los garitos entrañables perpetuamente llenos de una niebla de humo de tabaco y otras hierbas, en los que sonaba el rock’n’roll a todo volumen y siempre había cerveza a mano. Que para eso sirve realmente la fiesta de año nuevo, para que te des cuenta de que vas para viejo.

Toda esa estética contestataria y gamberril de los suburbios tuvo fiel reflejo en el comic de la época. Personajes pasados de vueltas como Johnny Roqueta, Pedro Pico y Pico Vena (esta serie sobrevivió hasta hace poco* en la revista el jueves, en pleno siglo XXI, aunque parezca mentira), Los primos del parque, Pequeñas Viciosas, Makoki… todo un universo urbano de sexo, drogas, alcohol, pandilleros, barrios bajos, rock’n’roll, bronca, provocación y mucha mala leche en cabeceras míticas del underground hispano como El Víbora o Makoki. Series que bebían de la estética de la calle, y que a su vez influían en ella. Personajes con los que era fácil sentirse identificado, ya que se movían por las mismas calles que tu, iban a los mismos garitos que tu, etc. Sin embargo, entre toda esta fauna de ficción, Peter Pank es un caso especial. Aunque reivindicaba la misma estética, no se movía por las calles de los suburbios de la gran ciudad, sino por un escenario de fantasía.

Ciertamente, Peter Pank no de movía por las calles de Santa Coloma o el Barrio Chino barcelonés, sino que habitaba en la isla de Punkilandia, caricatura del país de Nunca Jamas de la versión Disney del clásico Peter Pan, un universo plagado de punkis, rockeros, hippies y ninfómanas. En el primer álbum, Peter Punk (1984) la historia comienza como en el clásico, cuando Peter va a buscar su sombra, que se ha escondido en casa de Ana. Después de pelearse con su sombra, con gran despliegue de violencia gratuita, Peter se lleva a Ana y sus hermanos a Punkilandia, con la sana intención de desvirgar a Ana.

A partir de aquí, se sucederá la acción a un ritmo alucinante y alucinógeno. La princesa de los hippies, un putón verbenero de mucho cuidado, ha sido secuestrada por el Capitán Tupé y sus rockers. Peter la rescata, pero Ana, a su vez, sera secuestrada por las terribles ninfómanas que la someterán a una sesión sadomasoquista. Peter de nuevo acude al rescate, y se la lleva a su escondrijo para pasarsela por la piedra, desatando las iras de Kampanilla, de la princesa hippy, de sus colegas los deskarriados, de los hermanos de Ana… los deskarriados se unirán a los rockers en la caza de su antiguo lider, y a su vez recibiran el apoyo de los hippies y las ninfomanas. El álbum termina con el linchamiento de Peter Pank.

Portada del segundo número de la trilogía.

En el segundo album del personaje, El Licantropunk (1987), se parodia el genero de terror. Peter Pank es convertido en zombi por el amo del neoterror para que acabe con el conde Drácula, su enemigo, que ha huido de Transilvania y se ha refugiado en Escocia. En esta historia se cruzara con mods, skins y siniestros. Una vez vencido Dracula, Peter muere, pero su fantasma reclama venganza. Dracula y el fantasma de Peter lideraran el asalto a la mansión del amo del neoterror, que acaba devorado por los zombis. Peter resucita y regresa a Punkilandia.

Portada de la tercera y última entrega de la trilogía.

Cierra la trilogía Pankdinista! (1990) título homenaje a los míticos The Clash. Punkilandia ha caído en poder de los pijos. Peter habrá de liderar a las distintas tribus urbanas para acabar con los pijos y conseguir que en Punkilandia vuelva a reinar la anarkia. En este album, los hippies se han convertido en heavies, y aparecen por primera vez referencias al hip-hop. También hay referencias políticas, en la misma linea que otros autores del underground hispano como Azagra empezaban a popularizar en sus páginas.

Portada de la reciente edición en formato libro de la trilogía completa.

En resumen, Peter Pank nos proporciona una excelente visión del universo estético más chungaleto de los 80. Algo que ahora que esta de moda la nostalgia, siempre va bien. Que no todo era glam en aquellos días, señores.

*ese "hace poco" es respecto a enero de 2007, que fue cuando escribí el artículo.

Apocalipsis Friki

2011-12-30T09:58:00.000-08:00

A tenor de la reciente muerte del histriónico dictador norcoreano Kim Jong Il se estan llenando miles de páginas hablando de sus muchas extravagancias, pero posíblemente nadie recordará su decisiva contribución a la gestación de una de las obras más curiosas del comic underground. En efecto, fue una de sus muchas peroratas amenazantes sobre la capacidad de su país para lanzar un ataque nuclear contra la costa oeste de los Estados Unidos la que sirvió de inspiración a Peter Bagge (autor de la serie Odio) para una ácida parodia del género apocalíptico: Apocalipsis Friki. Así que en homenaje al difunto Amado Líder y sus peinados imposibles, y como recordatorio de que el 2012 está ya ahí mismo, vamos a echarle un vistazo.

...y los chupatintas heredarán la Tierra.

Apocalipsis Friki (título original Apocalypse Nerd) fue publicada por primera vez en formato miniserie de 6 entregas en 2005 por la editora Dark Horse. Posteriormente fue editada en formato de libro en 2008. Cuenta las aventuras de dos urbanitas en lucha por la supervivencia después de un ataque nuclear norcoreano a los Estados Unidos.

A continuación se desvelan detalles de la trama

Perry y Gordo son dos urbanitas que regresan a Seattle tras pasar unos días de vacaciones acampados en las montañas cercanas. Mientras conducen por una carretera de montaña, charlan sobre sus problemas personales, no demasiado originales. Nos queda claro por su conversación que son dos tipos grises, vulgares, sin ni tan siquiera una astilla de madera de aventureros. Pero el destino está a punto de cambiar eso.

En efecto, pronto empiezan a inquietarse por la cantidad anormalmente elevada de coches que se cruzan en sentido contrario al de su marcha, cargados de material de acampada, y a toda velocidad. El fin de semana se termina, así que esos coches deberían estar regresando a la ciudad, no marchando hacia las montañas. Y que todos conduzcan de forma tan imprudente no tiene lógica. Espoleados por la curiosidad, deciden poner la radio, pero mientras sintonizan lo que parece ser un aviso de emergencia, la emisión se corta de golpe, y ya no pueden sintonizar ninguna emisora más. Ahora si francamente alarmados, deciden parar en la primera gasolinera que encuentran a preguntar que es lo que está pasando.

Una vez allí, el panorama pasa de simplemente extraño a demencial. La dependienta de la estación de servicio les recibe encañonandoles con un rifle y exigiendo que paguen por adelantado y en metálico, nada de tarjetas o cheques. Cada vez mas asustados, los dos turistas preguntan que es lo que esta pasando, y es entonces cuando se enteran de que ha comenzado la guerra. Corea del Norte ha lanzado un ataque nuclear sobre el noroeste de los Estados Unidos. Seattle ha quedado arrasada, y los coches con los que se cruzaban son de supervivientes que huyen de la zona del desastre a buscar refugio en las montañas, desesperados y dispuestos a todo, como ambos podran comprobar enseguida, cuando se ven involucrados en un tiroteo entre la dependienta y un recién llegado que pretendia robar.

Visto el panorama, deciden dar la vuelta y regresar a las montañas, donde deberan sobrevivir, con sus escasas habilidades para la vida en la naturaleza, y rodeados de desesperados refugiados que lo han perdido todo en el desastre, que no tienen por tanto ya nada que perder, y a los que ya no hay ley que les contenga. De pronto, solo existe una ley: la del mas fuerte, y todo ser humano en esas hasta hace poco bucólicas montañas es una potencial amenaza.

Fin de la zona de peligro de spoilers

Apocalipsis Friki es una obra de humor, si, pero no nos engañemos, se trata de un humor negro, negrísimo. Bagge quería huir del enfoque que muchas obras apocalípticas presentan, del heroico superviviente entre las ruinas, luchando por conservar la civilización, y toma el camino opuesto, retratando la progresiva conversión de dos ciudadanos medios cualesquiera en un par de forajidos, dispuestos a cualquier cosa por sobrevivir, con una sencillez que pone los pelos de punta. Nos presenta un sólido retrato de la desintegración social y moral, expresado tanto en los comportamientos de los supervivientes refugiados en las montañas, como en las ocasionales noticias del mundo exterior que se filtran, que dejan entrever que la parte del país que se salvó del bombardeo también esta experimentando un acelerado proceso de involución hacía la tiranía.

En este cuadro tan siniestro, los gags escatológicos que abundan a lo largo de la historia y las subtramas románticas secundarias sirven de válvula de escape, y permiten una lectura mas relajada de la obra, a la que incluso dotan de algunos momentos de ternura. En ese sentido Bagge consigue que seas incapaz de culpar a sus personajes incluso cuando cometen los actos mas aberrantes. En resumen, una obra interesante que leer, para preparar el inminente Fin de los Tiempos.

P.D. Feliz 2012, año del Apocalipsis

Momo y los ladrones de tiempo

2011-12-15T10:07:00.000-08:00

Recupero este viejo articulito que escribí hace años ya, ahora que se acerca Navidad, porque si teneis niños a los que quereis iniciar en la lectura, esta novela una excelente opción. Y tambien vale para los mayores.

La primera vez que oí hablar de esta novela, y por extensión de su autor, el alemán Michael Ende,seguramente uno de los grandes de la literatura fantástica, fue, comono, durante la adolescencia. Recuerdo que varios compañeros de clasecomentábamos lo aburridos que nos parecían los libros que hasta elmomento nos habían mandado leer como parte de la asignatura de lengua yliteratura. Uno de aquellos compañeros propuso como ejemplo de lo quepodrían mandarnos leer este libro, que a él le habían regalado no hacemucho, y que encontraba genial.

Con el paso de los años, creo que he llegado a comprender porqueesta genial novela no estaba en la lista de lecturas obligatorias dela escuela. Seguramente son las mismas razones que hicieron que lapublicación de esta obra, que en 1974 recibió el premio Deutscher Jugendbuchpreis (Premio Alemán de Literatura Juvenil), fuera enprincipio bastante difícil, allá por el 1973. Y es que la historia dela niña vagabunda y los ladrones de tiempo pone en duda demasiadascuestiones que nuestra sociedad da por obvias, así que quizá convienemantenerla a una cierta distancia de la escuela. Sobre todo cuando estaescrita con ese lenguaje claro y simple con el que se cuentan loscuentos a los niños. Porque Momoen realidad es un cuento para niños. En eso reside la grandeza de estanovela, en poner su mensaje, su moraleja, al alcance de cualquiera conuna edad mental superior a los seis años. Y esa moraleja quizá no estan inocente como parece. O al menos, no en el sentido en que muchosentienden la palabra inocente, como sinónimo de trivial o inclusoestúpido.

—– aviso: a continuación se desvelan detalles de la trama ——

La trama es deliberadamente simple. A las olvidadas ruinas de unanfiteatro, a las que ya ni los arqueólogos prestan atención, situadasen uno de los barrios mas pobres de una ciudad sin identificar, llegaun día Momo,una pequeña vagabunda escapada de un orfanato. Los habitantes delbarrio, pobres pero honrados, enseguida la adoptan como uno de ellos.Con el tiempo, las ruinas del viejo anfiteatro se convierten en puntode reunión del barrio, tanto de niños, pues Momo inventa los juegos mas divertidos, como de adultos, pues Momo tiene una cualidad única: saber escuchar. De forma que cualquiera que tenga un problema, acudirá a Momocomo a un oráculo, y ella no le dará la solución, sino que, másimportante aún, le ayudará a encontrar la solución por si mismo. Todova bien hasta que llegan al barrio los hombres grises.

Estos misteriosos personajes vestidos de gris se dedicaran a hacerapología del ahorro de tiempo, calentando la cabeza a todos loshabitantes del barrio con todo lo que podrían llegar a conseguirsimplemente dedicando a trabajar duro ese tiempo que dedican a charlarcon los amigos, a pasear, a divertirse… a vivir, en definitiva. Prontoel afán de prosperar y de aprovechar el tiempo se extiende por elbarrio, y con el llegan las prisas, los malos modos y sobre todo, elaburrimiento. La vida ha dejado de ser divertida, pero ¿que ganan losmisteriosos hombres de gris con esto?

Sera Momoquien lo descubra. El tiempo que los seres humanos no emplean endisfrutar de la vida es el alimento de los hombres grises, que vivencomo vampiros de ese tiempo robado. Momo,ayudada por un par de entrañables perdedores amigos suyos, el tarambanacuentacuentos Gigi y el viejo barrendero Beppo, y de los niños delbarrio intentará alertar a los habitantes del barrio del peligro queles acecha, pero todo es inútil. Lo único que logra es atraer laatención de los hombres grises sobre ella y sus amigos, y estosdespiadados personajes no tendrán ningún escrúpulo a la hora dedeshacerse de la amenaza que para ellos representa Momo. Pero cuando todo parecía perdido, Momorecibirá la ayuda de un misterioso personaje, el Maestro Hora, quienparece saberlo todo sobre los hombres grises y sobre el mismo tiempo. Él conoce el único medio para derrotar a los hombres grises, aunque elriesgo a asumir para ello es altísimo.

—– fin de la zona de peligro de spoiler ——

La lectura de este cuento es amena, fácil y sobre todo, muyentretenida. Es una fábula que esconde detrás de su lenguaje sencillo,infantil, una profunda carga de filosofía y una demoledora críticacontra algunos de los mas asumidos valores de nuestra competitivasociedad. Como toda buena fábula, contiene una moraleja, y esta es queaquello que deseamos podría esclavizarnos si llegamos aconseguirlo, como muy gráficamente le ocurre al cuentacuentos Gigi, quesiempre había deseado fama y fortuna, y que cuando las consigue, descubreque en realidad ha pasado a vivir en una jaula de oro. Los entrañablesperdedores de Momonos muestran que nuestra continua lucha por alcanzar una posición, unestatus, por progresar en la vida, es en realidad una estupidez, y queen ella dejamos la vida misma. Y que hasta un niño podría reconoceresta verdad, solo con que se tomase un minuto para mirarladetenidamente. Pero nadie se toma ese minuto porque, huelga decirlo, nohay tiempo. Pero… ¿de verdad no lo hay?

Así que, si has empleado tu valioso tiempo en leer este artículo,seguramente podrás empelar un poco más en leer o releer esta fábulallena de sabiduría que es Momo.Y si tienes hijos, nietos, sobrinos o similares a los que quierasiniciar en la lectura, no lo dudes, este libro es una buena elección. Ysi por el contrario, crees que eres una persona demasiado ocupada paraperder el tiempo leyendo un cuento para críos, entonces deberíaspararte un momento y mirar a tu alrededor. Porque si no tienes tiempo, puede ser que alguien te lo esté robando...

Interstella 5555, anime japonés y house francés

2011-12-11T02:46:00.000-08:00

A veces la casualidad se alía con el aburrimiento para conseguir vaciarte los bolsillos. Y pasa que entras en una tienda de discos, solo por curiosear, para matar el tiempo, y te encuentras con esto:

Y en ese momento sabes que esa voz interior que te decía "no entres ahí, que vas a salir con la cartera vacía" tenía razón. Como que son poco caros los discos en formato blu-ray... pero claro, estamos hablando de un clásico descatalogado hasta hace poco, que sale por fin en alta definición, y al que las copias que corren por la mula no terminan de hacerle justicia, y... en fin, que uno mas para la colección. Que le vamos a hacer, si naciste pa' martillo...

Pero bueno, vamos al tema. A lo mejor en algún programa de videoclips musicales habeis visto unos cortos de anime acompañando temas del duo francés de house Daft Punk. Bien, pues se trata de eso. Interstella 5555 es una colaboración entre la citada banda y el autor de anime y manga Leiji Matsumoto (creador, entre otras, de la serie Capitán Harlock). Es una obra dificil de catalogar. En un principio había pensado en definirla como opera-rock en dibujo animado, pero dado que los personajes no aparecen interpretando los temas (excepto un par de ellos) dudo que esta definición sea apropiada. Mas bien es un videoclip, solo que en vez de poner imágenes a un solo tema, se extiende por todo un album.

Portada del album Discovery (2001), cuyos temas conforman la banda sonora de la película.

El album al que la película sirve de videoclip es Discovery, puesto a la venta en 2001, segundo disco grabado en estudio de Daft Punk, y album importante en la carrera del duo, pues supuso un cambio de estilo respecto a su trayectoria hasta el momento. Podriamos decir que se trata de un disco "de culto", que en su momento no fue del todo bien aceptado por los seguidores del duo, pero que con el tiempo acabaría convirtiendose en un éxito de ventas y crítica.

En cuanto a la película en si, la elección de Matsumoto como supervisor de todo el proyecto se debe a la confesada admiración que Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter, los integrantes de Daft Punk, sentían durante su infancia por uno de los héroes creados por Matsumoto, el Capitán Harlock. La película muestra la estética clásica de Matsumoto, en la que personajes altos y estilizados se mezclan con otros mas bajitos y de rasgos caricaturescos. Cada corte del album pone el fondo musical a una parte de la historia, a modo de capítulos autoconclusivos, que mas tarde serían emitidos independientemente como videoclips (son esos clips musicales de Daft Punk a modo de cortos de anime de los que hablaba antes) pero que ensamblados uno tras otro narran una historia sin palabras.

A continuación se desvelan detalles de la trama

La historia comienza mostrándonos un planeta alienígena. En una ciudad del mismo sus habitantes, humanoides de piel azul, disfrutan del concierto de lo que intuimos como una banda rock de éxito. Pero la actuación es interrumpida por la irrupción violenta de unos enmascarados que gasean al público, y secuestran a los músicos.

Los protagonistas de la historia, con su aspecto alienígena original, y una vez disfrazados de terrícolas.

La cámara sigue a los secuestradores a bordo de su nave, donde los músicos son sometidos a un proceso de lavado de cerebro, y a continuación camuflados como humanos, mientras la nave de los secuestradores se dirige a la Tierra. Allí el villano que ha planeado la operación pretende lanzarlos como estrellas del rock, aunque tras esta primera apariencia hay una segunda intención, mas oscura. Pero los secuestradores han sido seguidos sin saberlo por una nave del planeta de los músicos, tripulada por un héroe espacial con la misión de rescatar a los prisioneros.

Fin de la zona de peligro de spoilers.

Una cosa que debemos tener en cuenta mientras la veamos es que esta no es película para pararse a analizar el argumento, sino para dejarse envolver por la mezcla única de música e imágenes. En ese sentido se parece bastante a La Odisea del Rock, de Hanna-Barbera, de la que también he hablado por aquí, con la importante diferencia de que aqui si hay un album de una banda concreta que sirve de respaldo musical a la propuesta, un album de renombre además. Una experiencia que hace que merezca la pena el gasto de la edición en alta definición, al menos para mi gusto.

Y bueno, no podíamos cerrar esto sin poner al menos un tema del disco en cuestión, ¿no? Venga, vamos con algo que a estas alturas ya es todo un clásico. Suban el volumen y disfrutenlo.

Daft Punk - One More Time

Ronin, de Frank Miller. Un samurai cyberpunk.

2011-11-17T03:21:00.000-08:00

Aunque probablemente cuando salga publicado lo hará con otra fecha, este artículo lo comencé a escribir el día 15 de Noviembre. Ese mismo día Frank Miller, una de las leyendas del comic, se despachaba con unas descalificaciones bastante penosas contra el movimiento Occupy Wall Street, rama norteamericana del movimiento global de protesta que en España y gran parte de Latinoamérica han dado en llamar Los Indignados. No entraré a valorar unas declaraciones que se caen por su propio peso, más allá de decir que quizá tienen que ver con la floja acogida que su última obra, Holy Terror, una historia sobre un héroe enmascarado que lucha contra Al Qaeda, y que el propio Frank Miller ha definido como una obra de propaganda, está teniendo entre público y crítica. Pero el detalle de que alguien que en su día fue tan grande tenga que recurrir a trucos tan burdos para hacerse publicidad (que hablen de mi aunque sea mal) deja un mal sabor de boca a quienes conocimos la grandeza pasada de su obra. Es por ello que he pensado en hablar aquí de una de las obras fundamentales de dicho autor: Ronin

Una serie protagonizada por un cyborg samurai. No me digais que la cosa no promete.

Ronin es la obra que encumbró a Frank Miller en el Olimpo del mundo del comic. Publicada por DC entre 1983 y 1984, en formato de miniserie de 6 números, con guión y dibujo del mismo Miller, y color de Linn Varley, está considerada como una obra fundamental del género, de la que gran cantidad de obras posteriores (abarcando un abanico tan amplio como para incluir títulos tan dispares como Kill Bill o Las Tortugas Ninja) se confiesan deudoras. Pero por su parte también es una obra que bebe de una tradición anterior, y en ese sentido es importante reseñar que quizá sea el primer comic occidental que se declara expresamente influenciado por el manga japonés, muy especialmente por la serie Kozure Ōkami (El Lobo Solitario y su Cachorro) de Kazuo Koike y Goseki Kojima. Si alguien quiere una prueba del reconocimiento de la deuda que Frank Miller tenía con esta serie, baste decir que dibujó las portadas para la edición occidental de la misma.

Izquierda: portada del número 1 de Las Tortugas Ninja, donde se aprecia claramente su condición de caricatura del grafismo de Ronin

Derecha: Una de las portadas que Frank Miller dubujó para la edición occidental de Kozure Ōkami

De hecho, toda la obra habla japonés. No es solo la temática, samurais y tecnología futurista, sino el mismo estilo narrativo. La disposición de las viñetas, de los bocadillos de texto, el dibujo mismo, con gran abundancia de lineas cinéticas... todo ello nos evoca el manga. Hoy día ya hemos visto de todo, pero hemos de tratar de imaginar que debía ser leer un comic como este a principios de los 80, con tal cantidad de cosas nuevas, exóticas. Realmente, podríamos hablar de una autentica revolución, de una obra pensada para una nueva generación de lectores.

A continuación se desvelan algunos detalles de la trama

La historia comienza en el Japón feudal. Vemos a un joven samurai que, tras ver morir a su maestro a manos de su enemigo, el demonio Agat, y sintiendo que le ha fallado, se dispone a suicidarse mediante el ritual del seppuku. Pero es interrumpido por el fantasma de su maestro, que le impone la misión de vengar su muerte, matando al demonio con la única arma que puede destruirle: una espada mágica que él mismo ocultó antes de morir. Así, el joven samurai se convierte en ronin, o samuri errante, y tras hallar la espada que ocultó su maestro, finalmente logra entablar un duelo con Agat, en el que ambos quedan heridos de muerte. Sin embargo, el agonizante demonio aun tiene tiempo de lanzar una maldición, de forma que su alma y la del ronin quedan atrapadas en la espada mágica.

En este punto, la historia salta al futuro, a una Nueva York distópica y decadente, dominada por las bandas callejeras, en medio de la cual la corporación Aquarius, una empresa de tecnología biónica, ha construido un enorme complejo fortificado, controlado por una inteligencia artificial llamada Virgo, que trabaja en equipo con un joven mutilado que posee poderes telepáticos llamado Billy Challas. Billy ha estado teniendo unos sueños extraños sobre el Japón medieval. Investigando los mismos, Virgo halla una noticia sobre un accidente ocurrido en un laboratorio mientras se examinaba una antigua espada japonesa. Se trata, como el lector ya habrá deducido, de la espada mágica, y en ese accidente han quedado liberadas las almas del ronin y del demonio Agat.

Billy reconoce la espada de la noticia como un elemento de los que aparecen en sus sueños. En ese momento suenan las alarmas. Se trata del demonio Agat, que viene a por Billy, que esta poseído por el alma del ronin, de ahí sus sueños. En ese momento, Billy/Ronin recuerda toda la historia de su vida pasada y, tras equiparse con prótesis biónicas, escapa. Agat entonces cambia de estrategia, asesina y a continuación suplanta la personalidad del fundador y presidente de Aquarius, Taggart, para usar las fuerzas y la tecnología de la corporación con el fin de crearse un nuevo ejercito. Asimismo, envía a la jefa de seguridad de Aquarius, Casey McKenna, una de las típicas amazonas a la que Miller nos acostumbraría en su obra posterior, a la caza de Billy/Ronin por las calles de una Nueva York apocalíptica. Pero durante el transcurso de su misión, Casey comienza a sentirse atraída por el ronin...

Fin de la zona de peligro de spoilers

En resumen, Ronin es una serie llena de acción. Muestra gran cantidad de los elementos de la obra posterior de Frank Miller: la ciudad como selva, el culto a la estética sadomasoquista, el icono de la mujer guerrera, la violencia retratada de forma explícita... también supuso un nuevo estilo narrativo en el mundo del comic, reivindico el manga japonés y abrió el camino para su desembarco en Occidente durante la década siguiente. En resumen, supuso una autentica revolución en el Noveno Arte. Por eso es una obra imprescindible para el aficionado, y creo que a su autor casi pueden perdonársele algunas excentricidades de divo.

Solo casi, ojo.

Atlantis, el Imperio Perdido: una de Disney sin cancioncitas (O_O)

2011-11-15T12:09:00.000-08:00

Bueno, después de otro parentesis prolongado (unos dos meses) sin escribir gran cosa por aquí, durante el cual estuve de viaje, y una vez de regreso, creo que el resumen de Twitter me delata, he estado mas preocupado por la política que por las obras de ficción, una vez pasadas las últimas grandes movilizaciones de protesta, ha llegado el momento de volver un momentito a este blog, para comentar una rareza, una de esas películas que se dicen "de culto", y que como tal, se estrelló en su día en la taquilla. Una producción del año 2001 de la superfactoría de animación Disney: Atlantis, el Imperio Perdido.

Atlantis, el Imperio Perdido, lo tenía todo para triunfar: el habitual despliegue técnico de la factoria Disney en la producción, una estética en el diseño de personajes y escenarios para los cuales se contó con artistas de la talla del dibujante de comic Mike Mignola (creador de la serie Hellboy), el habitual elenco de actores famosos poniendo voz a los protagonistas, una potente promoción comercial... ¿qué fue lo que falló? Bueno, cada cual tendrá su opinión al respecto, pero lo que pasó basicamente, es que no era la clásica película Disney de toda la vida.

Seamos claros, cuando uno se sienta en la butaca del cine, con su cartucho de palomitas en la mano, y ve aparecer en pantalla el logotipo del castillo precediendo a la proyección de una película de dibujos animados, lo que espera ver es una versión edulcorada de algun clásico de la literatura universal en formato de musical. Si en vez de eso, lo que le sueltan es una de aventuras, tiros y persecuciones, una mezcla de Indiana Jones y 20.000 Leguas de Viaje Submarino, en la que no se paran siquiera a tararear dos notas seguidas en toda la película, por muy bien hecha que esta esté, se sale del cine con la sensación de haber sido timado. Que es lo que le pasó a la mayoria de los que la fueron a ver en su estreno.

Esa sensacion de "este no es mi Disney, me lo han cambiado" sin duda ayuda mucho a explicar el discreto resultado en taquilla. La apuesta veraniega de Disney ese año recaudó 186 millones de dólares, para un presupuesto de 100 millones, y fue batida ese mismo año, en el campo del dibujo animado, por tres títulos que hoy son referencia del género: El Viaje de Chihiro, de la factoría japonesa Ghibli que recaudó 229,2 millones solo en Japón, rendimiento en taquilla que aumentó durante el año siguiente tras estrenarse en Occidente, consiguiendo además el Oscar a mejor película de animación en 2002, Monstruos S.A. de su filial Pixar (286,8 millones), pero sobre todo, por la pelicula de la competidora directa de Disney/Pixar ese año: Shrek, de Dreamworks, que recaudo 476,5 millones, se llevo el Oscar en la categoría de 2001, y fue la segunda película mas taquillera del planeta ese año, solo por detrás de la primera entrega de las aventuras de Harry Potter. Unos resultados que fulminaron el intento de Disney de explorar otros caminos y de paso convirtieron a Atlantis, El Imperio Perdido en uno de esos "clásicos malditos" que tanto abundan en la historia del cine.

Atención: a continuación se desvelan algunos detalles de la trama

La película nos muestra a un joven arqueólogo idealista, Milo Thatch. Harto de ser ninguneado por la élite intelectual del Museo de Washington, donde vegeta empleado en tareas indignas de su graduación académica, y decidido a emular a su abuelo, un famoso aunque excéntrico explorador ya fallecido, decide aceptar la oferta de un misterioso millonario, Preston Withmore, que se encuentra en posesión de un curioso manuscrito del que se dice contiene la clave de la localización de la mítica Atlántida. Withmore está decidido a financiar en secreto una expedición para encontrar las ruinas de la Atlántida, y ha reclutado un extravagante grupo de mercenarios al que solo le falta un linguista capaz de descifrar el manuscrito, puesto que, obviamente, Milo acepta sin hacer demasiadas preguntas a su mecenas.

Los personajes protagonistas de la película, junto con los actores que les prestaron su voz en la versión original.

Así, la poco ortodoxa expedición, mas bien una partida de saqueadores de tumbas, se pone en marcha. Evidentemente, pasarán por muchos peligros y dificultades, y evidentemente también, encontraran la Atlántida, pero las cosas se complicarán cuando donde el grupo de mercenarios esperaba encontrar unas viejas ruinas de las que sería tarea fácil llevarse cualquier tesoro que pudieran encontrar, encuentran en su lugar una ciudad en decadencia, eso si, pero todavía habitada por los descendientes de los antiguos atlantes. Muy especialmente cuando la princesa Kida, hija del rey, comienza a sentirse atraida por Milo.

Fin de la zona de peligro de spoiler.

Polémicas.

En su día en algunos círculos se llego a insinuar que la película era abiertamente anticapitalista. El contraste entre una expedición del mundo exterior compuesta por individuos de turbio pasado y no del todo claras intenciones, financiada por un magnate misterioso, con los aparentemente pacificos atlantes, que han pagado un precio carísimo por su pasado guerrero, y ahora viven inmersos en un utopico pacifismo, al parecer era justificacion suficiente para lanzar esta hipótesis. Personalmente, me parece una interpretación muy exagerada, pero que aún hoy puede escucharse entre algunos aficionados al género.

Igualmente exagerada me parece la acusación, muy común en los círculos de aficionados al anime japonés, de que esta película es un plagio de la serie Nadia y el misterio de la Piedra Azul, de la que hablé hace algun tiempo. Basicamente son tres los elementos que alegan los partidarios de esta tesis: relación romántica entre un intelectual y una princesa guerrera de aspecto exótico, la Atlántida y sobre todo, el cristal mágico. Realmente, también se me hace muy pillada por los pelos esta teoría, dado que el ingrediente principal en que se sostiene, el cristal mágico que posee extraños poderes y podría ser usado como arma mortal, aparece practicamente en todas las historias fantásticas que mencionan la Atlántida, presentado habitualmente custodiado en lo alto de una torre estilo zigurat, brillando con luz propia y a menudo levitando.

Como curiosidad señalar que, contrariamente a lo que el propio personaje de Milo afirma al principio de la pelicula, Platón jamás habló de semejante fenómeno en sus obras, sino que esa imagen tan icónica del género fantástico es mucho mas reciente. Su origen hay que buscarlo en el vidente Edgar Cayce, el cual se refirió al misterioso cristal del que la Atlántida obtenía su poder durante sus sesiones de espiritismo en los años 40, una imagen que caló profundamente en todos los autores del género fantástico, y que ha perdurado hasta nuestros dias. Propiamente hablando, que Milo haya oido hablar del legendario cristal mágico en la época previa a la I Guerra Mundial es por tanto un anacronismo.

En resumen, una película curiosa, entretenida de ver, la típica para una tarde de domingo de sofá y palomitas, que a lo mejor sirve para contestar la pregunta que muchos de los que estan hartos de las clásicas peliculas Disney de princesitas cursis y baladas empalagosas se hacen: ¿porqué no hacen algo diferente algún día? Pues porque resulta que una vez lo hicieron... y el público les dio la espalda.

Españistán, crónica de un país de mierda.

2011-09-04T14:38:00.000-07:00

Últimamente se ha puesto de moda la expresión "fenomeno de Internet", para referirse a ese libro, disco, película, etc. que no ha sido publicitado por los canales tradicionales, pero que a pesar de ello acaba resultando un éxito gracias a los comentarios en blogs, foros y redes sociales. Uno de los más recientes ejemplos es el dibujante de humor Aleix Saló. Si no os suena este nombre, creo que bastará con decir que se trata del autor de este vídeo.

Estoy seguro de que, como mínimo a los que leeis esto desde España, os resulta mas que conocido. Sin embargo, antes de que sus cortos de animación comenzaran a triunfar en Youtube, solo los lectores de algunos diarios de ambito local, habían podido disfrutar de sus corrosivas tiras cómicas, o los afortunados que lograran hacerse con algun ejemplar del primer album del autor, Fills dels 80, la generació bombolla, publicado en pequeña tirada en catalán. Sin embargo, eso ha cambiado con la publicación del primer libro de historietas de gran tirada: Españistán, este país se va a la mierda.

Españistán, the book...

Españistan, este país... nos narra las aventuras de Fredo, un cani en horas bajas, tratando de librarse de la adversidad en forma de hipoteca que amenaza con llevarle a la ruina. En su intento debera recorrer todas las regiones del reino de Españistan, enfrentandose a las criaturas temibles que lo pueblan: políticos, banqueros, burócratas... en su camino, hasta llegar a presencia del verdadero Amo de Españistan, el poder en la sombra que rige los destinos del país, el único que realmente puede librarle de su maldición.

La obra caricaturiza de forma sangrante la actualidad político-económica española, pero no descarga únicamente contra ella toda su munición, sino que también se guarda algunos dardos para dirigirlos certeramente contra otros males del país, como la telebasura, el endiosamiento de los artistas, el pobre nivel cultural general... la narración parodia principalmente a El Señor de los Anillos, aunque tambien incluye otras referencias a mitos de la cultura popular. El dibujo sencillo y los textos claros hacen que se lea con facilidad, y ayudan a que su corrosivo mensaje cale en el lector. Ah, y es brutalmente divertida.

Ah, y otra cosa....¡Ojo, spoiler de no te menees! los que ya la hayais leidos estareis de acuerdo con que al final tienen razón sobre quien es de verdad el amo de todo...

Los Desposeidos: el día que Bakunin se puso un traje espacial.

2011-08-05T01:34:00.000-07:00

El de la ciencia-ficción es un mundo eminentemente masculino. Son bastante pocas las mujeres que se han dedicado a este género, así que hoy quisiera reivindicar la figura de una de las grandes damas de la ciencia-ficción, Ursula K. Le Guin, la primera mujer en obtener el título de Gran Maestra de la Asociación Americana de Autores de Ciencia Ficción y Fantasía (SFWA) en 2003. Una autora que ha cultivado tanto el género de la fantasía mas clásica de magia y espadas, como la ciencia-ficción propiamente dicha, campo en el que es reconocida como uno de los nombres mas importantes, si no el que mas, de la llamada ciencia-ficción social, subgenero centrado en la especulación sobre hipotéticas sociedades futuras, en cuya detallada y consistente descripción sobresale Le Guin. Es en este campo donde se enmarca Los Desposeidos, publicada en 1974, con seguridad la novela mas política de la autora.

El título completo de la obra incluye el subtítulo Una Utopía Ambigua, que nos da una primera indicación de la temática. Las obras de Le Guin a menudo tratan del conflicto entre diferentes formas de entender la vida, y esta no es una excepción. Sin embargo, mientras en muchas de las obras de ciencia-ficción de la autora el origen del conflicto suele ser el contacto entre dos razas, usualmente los humanos y alguna raza alienígena cuya cultura ha sido modelada por particularidades biológicas que los humanos, al no compartir, no pueden entender, en Los Desposeidos las dos sociedades enfrentadas son dos pueblos de la misma raza, pero separados por un salto en el espacio, por 200 años de incomunicación, y sobre todo, por un abismo ideológico. Los habitantes del planeta Urras viven en un bullicioso mundo comercial, conectado con el resto de la galaxia, y entregados a los negocios. Mientras, sus vecinos del planeta Anarres (en realidad, el gigantesco satélite del mundo anterior) han optado por el aislamiento y la autosuficiencia, y gobiernan (si es que resulta pertinente usar esta palabra para describir el caso, que mas bien no) su mundo como una gigantesca colectividad anarquista.

A continuación se desvelan algunos detalles de la trama

El origen de esta curiosa situación se remonta, como ya dije, a unos 200 años atras. Para poner fin a una guerra civil contra los revolucionarios seguidores de una carismática lider anarquista, el gobierno de Urras consintió en entregar a dichos revolucionarios el control del planeta vecino, por entonces una colonia minera, para que construyesen allí su sociedad perfecta, a cambio de que desistiesen de su levantamiento. Los revolucionarios consintieron en marchar al exilio, se firmo un acuerdo de paz, que establecía unas limitadas relaciones comerciales entre ambos mundos por las que se intercambiarían en el futuro una serie de productos de los que cada uno de ellos carecía en el suyo, y una vez establecidos los revolucionarios en su nuevo hogar, ambos pueblos se dieron la espalda en adelante durante dos siglos... hasta el momento en que un descubrimiento científico altera el status quo.

El descubrimiento en cuestión lo hace el protagonista, Shevek, un eminente físico teórico nacido en Anarres. Este científico ha desarrollado una revolucionaria teoría que podría usarse para fabricar un aparato capaz de conseguir la transmisión de mensajes a velocidad superior a la de la luz (Le Guin ilustra por lo tanto en esta novela el orígen del aparato ficticio conocido como ansible, que aparece en diversas de sus obras de ciencia-ficción, y al que otros autores del género también llaman por ese nombre). La publicación de una obra científica de semejante calado en la que es considerada por sus vecinos como una sociedad subdesarrollada tiene un gran valor propagandístico para algunos de los miembros de lo que podríamos considerar la élite intelectual de Anarres, que al principio apoyan al sabio.

Pero cuando llega una invitación del mundo vecino para que el eminente científico imparta un curso en una reputada universidad, se desata la polémica entre los partidarios de que acepte la propuesta, y los que ven en ello una traición a su sociedad, pues significa retomar el contacto con el odiado enemigo de antaño. Shevek consigue viajar, pero cuando llega al planeta vecino, sus problemas continúan. Allí se encuentra con que sus clases, conferencias y apariciones públicas son sometidas a una férrea censura por el gobierno local, que teme que la presencia de un nativo de Anarres como profesor en la universidad despierte la curiosidad de los jóvenes por la revolución de dos siglos atras, y acabe provocando una revuelta estudiantil. En todas estas intrigas políticas, la opinión del desdichado sabio es la última en ser tenida en cuenta, aunque es sobre él sobre quien acaban recayendo todas las consecuencias de las mismas.

Final de la zona de peligro de spoilers

La forma en como Le Guin nos cuenta la historia de Shevek no es lineal. La novela comienza con la partida del sabio hacia Urras, y va alternando un capitulo de sus aventuras en el mundo vecino, con un capitulo dedicado a los recuerdos de su vida en Anarres. De esta forma podemos apreciar mejor el contraste entre ambos modelos de sociedad, algo fundamental para comprender adecuadamente una novela como esta, con una fuerte carga de crítica política.

Planisferio del planeta Urras, tomado del sitio web Las Doce Moradas del Viento

Así, es en los capítulos dedicados a la estancia de Shevek en Urras en los que el tema del choque cultural es mas claro. El eminente físico es un completo ignorante en lo que a las normas de comportamiento que rigen en una sociedad que podríamos considerar equivalente a la nuestra se refiere. Lo primero, obviamente, el dinero. Shevek viene de una sociedad no monetaria, en la que se intercambia favor por favor y no hay necesidad de comprar nada. Llegado a Urras, necesitara de un cicerone que le enseñe lo que es comprar, y como se hace. Que le explique que ese dinero se le ha entregado a cambio de las clases que da en la universidad. En fin, que le explique todo el ritual comercial, algo que para el no es mas que una referencia extravagante sobre el pasado bárbaro en un libro de historia, una cosa tan alejada de su experiencia vital como para nosotros lo sería un proceso por brujería.

Pero no es el único problema de adaptación al nuevo entorno que tendrá. También viene de un mundo estrictamente igualitario, por lo que no entiende el concepto de jerarquía, ni es por lo tanto capaz de comprender que hay de indigno en que un catedrático de la universidad hable con el conserje como si de su igual se tratase, o no acepte plegarse a lo que entiende como una actitud servil cuando trata con sus superiores jerárquicos. Tampoco entiende que en el mundo de sus anfitriones exista la idea de que ciertos trabajos no son propios de mujeres (o de hombres) si, como dice en una ocasión, las maquinas ya han borrado los impedimentos que en su momento puso la biología. Por boca de su personaje, en resumen, Le Guin nos muestra los prejuicios imperantes en nuestra propia sociedad.

Planisferio del planeta Anarres, tomado del sitio web Las Doce Moradas del Viento.

Pero no pensemos por ello que la otra mitad de la novela, la que trata de los recuerdos del hogar de Shevek, va a ser un cántico a la utopía. Muy por el contrario, Le Guin hace una crítica lúcida sobre los riesgos que una sociedad semejante puede correr. Vemos que aun en una sociedad no jerarquizada, puede existir el tráfico de influencias, si se tiene una red de contactos lo suficientemente amplia, que se puede crear una burocracia no oficial, pero real, donde se supone que no la hay, y como en nombre de la ortodoxia ideológica puede aparecer la discriminación en un mundo igualitario. Como en una sociedad en la que la opinión que los demás puedan tener sobre ti como persona define tu estatus dentro de la misma, el miedo al que dirán puede acabar imponiendo una férrea autocensura.

Le Guin apunta por boca de sus personajes como causa de estos males que minan poco a poco la sociedad utópica a la autocomplacencia de los propios habitantes de Anarres, tan confiados de haber creado la sociedad perfecta que ya no ejercen la que debía ser primera obligación de un militante anarquista, que es cuestionarse todo lo que le rodea con espíritu crítico, una opinión que está en consonancia con lo que muchos teóricos del anarquismo apuntan como el principal peligro para una sociedad libertaria, que seria esa perdida del empuje revolucionario y la consiguiente involución. No es el único punto en que se demuestra el conocimiento de Le Guin sobre el tema tratado. La descripción de la sociedad de Anarres es en todo punto consistente con los escritos clásicos del movimiento anarquista (muy especialmente, en mi opinión, con La Conquista del Pan, de Kropotkin), de forma que al lector conocedor de los mismos no le será difícil identificar las referencias políticas.

Cosas a resaltar de la obra.

Un detalle importante de la novela es el lenguaje que usan los personajes. Una de las formas mas eficaces de llegar a comprender una cultura es fijarse en su lenguaje, y Le Guin sigue este precepto a rajatabla al crear la sociedad anarresti. Los habitantes de Anarres hablan de una forma que es completamente consecuente con su forma de vida. En una sociedad donde el concepto de propiedad no existe, el lenguaje necesariamente debe reflejar este hecho, así que en los pasajes de la novela en los que personajes nativos de Anarres dialogan, jamás usan las formas posesivas (mío, tuyo, etc.) substituyendolas por formas mas situacionales (lo que estoy usando, lo que tengo aquí). Asimismo, dichos personajes usan palabras hipotéticamente creadas por su propia sociedad, como propietariado o arquista (termino que sería lo opuesto a anarquista, un partidario de cualquier clase de jerarquía) en las que no es díficil reconocer caricaturas de términos propios de la teoría política como el concepto de proletariado.

Novela de indudable prestigio entre los aficionados a la ciencia-ficción, fue galardonada con algunos de los mas prestigiosos premios del genero: el premio Nebula de 1974, así como los premios Hugo y Locus de 1975, recibiendo tambien una nominación al premio John W. Campbell Memorial. También, dado su argumento, es ampliamente apreciada en círculos anarquistas. En resumen, una excelente novela para emocionarse y sufrir con las aventuras de su protagonista, y al mismo tiempo meditar sobre los límites de la utopía. Ah, y contra lo que pueda parecer, no hace falta ser un radical de izquierdas para disfrutar con su lectura.

Nadia y el misterio de la piedra azul.

2011-07-20T17:51:00.000-07:00

Como hace tiempo que no escribo nada sobre anime japonés, y aprovechando que estamos en verano, quisiera proponerles un plato refrescante apropiado para la estación. Veamos... ¿qué les parece si tomamos como ingrediente principal la historia de amores y desamores de una pareja de adolescentes con las hormonas revolucionadas, lo mezclamos con los personajes creados por el inmortal Jules Verne, con la leyenda de la Atlántida y con una conspiración para dominar el mundo, lo salpimentamos con unas gotas de steampunk, y encargamos a Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion) que cocine el guiso, sobre un diseño de personajes de Hayao Miyazaki (La Princesa Mononoke, El Viaje de Chihiro...) a fuego muy lento, durante 39 capítulos? El resultado que obtendremos es este:

Si el bueno de Julio Verne levantara la cabeza...

Fushigi no Uni no Nadia, titulada en español Nadia, el secreto de la Piedra Azul, aunque una traducción mas exacta del título original sería Nadia de los mares misteriosos, serie de 1990 ganadora del Anime Grand Prix de la revista japonesa especializada Animage, es otro de esos clásicos desconocidos para el gran público español. Una serie pletórica de acción, tragedia, toques de humor y un romanticismo no exento de cierto punto de erotismo naïf, que pasó con mas pena que gloria por nuestras pantallas de televisión, en gran parte debido al lamentable tratamiento que dieron a esta serie los propietarios de sus derechos de emisión para España.

En efecto, la serie fue emitida a principios de los 90 por la cadena que con el tiempo llegaría a convertirse en paradigma de la telebasura en España: Tele5. No tuve la desgracia de verla en aquel tiempo, pero me basta con la copia pirata (si, para conseguir según que cosas en este país sigue siendo imprescindible recurrir a canales irregulares, cosa de la que no me arrepiento en absoluto) que he visto para poder juzgar que los crímenes contra el espectador de la "cadena amiga" comenzaron mucho antes del fichaje de Belén Esteban. El doblaje al español es bastante pobre, lo cual no debe entenderse como una crítica a los actores encargados de ello, que cumplen con admirable profesionalidad, sino a quienes les escribieron los diálogos. Los nombres de numerosos personajes son innecesariamente hispanizados, pero a fin de cuentas el doblaje es lo de menos en el estropicio que perpetró Tele5.

Lo realmente sangrante y ofensivo, lo que enciende la sangre veinte años mas tarde es que, a juzgar por la cantidad de veces en que la banda sonora de esa copia pirata de que hablo, construida a base de superponer la banda sonora de la emisión televisiva española sobre el metraje original, pasa de repente del español al japonés subtitulado, la tijera del censor debió echar humo en su momento. ¡Y yo, pobre iluso, que pensaba que esas cosas ya no pasaban en la España de los 90! El cazurrismo de este país jamás dejará de asombrarme. Seguramente algún cretino debió comprar los derechos sin informarse de lo que se llevaba, para rellenar la programación infantil de la emisora (que se ve que por aquel entonces aun existía) y cuando se encontró de pronto con escenas en que la protagonista femenina salía enseñando mas carne de la conveniente para según que horarios, tuvo que improvisar. El clásico error de colocar un producto pensado para adolescentes que comienzan a descubrir su sexualidad en la franja mas estrictamente infantil, pensando que todos los dibujos animados son para niños. Aun suerte de que el imbécil no se llevó un hentai (anime porno japonés).

En fin, el caso es que la serie tuvo la mala suerte de caer en las manos menos adecuadas para su emisión televisiva, lo que imagino que influyó mucho en que pasase sin pena ni gloria. Buscando información por la Red sobre pases televisivos, parece ser que la serie también fue emitida por el canal juvenil de la televisión pública catalana Club Super 3, creado a raíz de la introducción del sistema TDT en España. Dado que se trata de un canal temático creado recientemente, lo cual hace suponer que el tiempo que ha pasado ya debería haber ayudado a superar según que prejuicios, así como también el hecho de que la televisión pública catalana siempre ha tratado bastante bien las series de animación, imagino que esta segunda emisión estaría exenta de censura, pero como tampoco la seguí esta segunda vez, ni he podido conseguir copia alguna de la emisión en catalán, no puedo afirmarlo.

Bueno, una vez clavada la puya a Tele5 (lo confieso, tenia ganas de poder despacharme a gusto con ese canal y su infame programación, así que en cuanto he visto la oportunidad, aunque sea a costa de un pecado cometido hace 20 años, he vaciado el buche) vayamos a por la historia en si. Aunque procurare no destripar demasiados detalles esenciales de la trama, de todas formas coloco la alerta de spoiler. Tranquilos, procurare no levantar la liebre tanto como la Wikipedia, sin ir mas lejos.

A continuacion se desvelan algunos detalles de la trama

Antes que nada, comenzaré presentando los personajes principales. Incluyo entre parentesis los nombres usados en el doblaje español de Tele5.

Nadia. La protagonista principal de la historia. Una adolescente mulata (uno de los pocos personajes de piel negra, siendo el resto de personajes blancos, en el papel de protagonista principal de una serie de animación que existen, prueba de que aun hemos de evolucionar mucho en la erradicación de clichés racistas). Acrobata de circo y huérfana desde muy niña, es una vegetariana fanática, idealista, amante de los animales, que siempre va acompañada de Kim, un cachorro de león que cumple el rol de mascota cómica de la serie. Personaje de carácter fuerte y genio vivo en ocasiones, es la propietaria de la Piedra Azul, una joya que posee extraños poderes.

Jean Raltique (Juan). Co-protagonista junto a Nadia de la historia. Adolescente aficionado a la mecánica que sueña con construir algún dia un aeroplano, y cuyo padre fue dado por desaparecido en un naufragio. Fanático del método científico, e inventor de toda clase de gadgets que invariablemente acaban fallando de forma estrepitosa, es el intelectual de la pareja, y en contraste con la impulsividad e idealismo de Nadia, tiene un carácter absolutamente pragmático y muestra a veces una paciencia rayana en lo exasperante.

Capitán Nemo. Aunque la biografía del personaje creado por Verne es redefinida en muchos puntos respecto a la del original literario al incorporarlo a la historia, sigue siendo un hombre duro, rígido, implacable, obsesionado por la venganza. Como no podía ser de otra manera aparece capitaneando el Nautilus, buque submarino muy avanzado tecnológicamente a su época, a bordo del cual sirve una tripulación multirracial que profesa una fiera lealtdad a su capitán.

Argor. Es él villano de la historia, y siempre aparece con el rostro cubierto por una máscara. Como buen villano, es sádico y despiadado, y su única meta en la vida es dominar el mundo. Líder de una organización secreta llamada Nueva Atlántida, cuyos esbirros le siguen con fanatismo, es el enemigo jurado de Nemo, aunque de algunos dialogos se intuye que su relación con Nemo no siempre fue de enemistad. Poseedor, al igual que su enemigo, de un armamento sofisticado muy adelantado a su época, necesita la Piedra Azul de Nadia para terminar de construir la joya de la corona de su arsenal, una especie de rayo de la muerte con el que espera chantajear a las naciones mas poderosas del planeta.

Marie. Es una niña a la que Nadia y Jean rescatan tras ser sus padres asesinados por los esbirros de Argor. Convertida en una especie de hija adoptiva de la pareja de adolescentes, es la primera en darse cuenta, antes incluso de que los propios interesados se atrevan a aceptarlo, de que sus jóvenes protectores están enamorados. Consecuentemente provocara el sonrojo de ambos en un sinfín de ocasiones, ya que, con sinceridad infantil, no pierde ocasión para proclamar este hecho, o para calificar las frecuentes discusiones de la pareja de peleas de enamorados.

Grandis Granva (Rebeca). Aristócrata arruinada que perdió su fortuna tras ser seducida por un vividor, viéndose forzada a pasar al lado incorrecto de la legalidad para sobrevivir, es la líder de una estrafalaria banda de ladrones de joyas. Completan la banda dos matones, Sanson (Bruno) y Hanson (Sansón) y no, no me pregunten porque intercambiaron los nombres de los dos personajes cuando los adaptaron al español, porque no tengo ni idea. Probablemente se equivocaron al apuntarlos. Pero a lo que importa, el primero de ellos es un fanfarrón de gatillo fácil y se las da de Tenorio, mientras que el segundo, bajito, regordete y de caracter tímido, es un as de la mecánica y el constructor del extravagante vehículo todoterreno que usa la pandilla. Enterados de que Argor esta buscando la Piedra Azul y de que pagará bien a quien se la consiga, intentarán robarla, pero mas tarde, al ver defraudada su lealtdad de honestos mercenarios por Argor, no dudan en cambiar de bando y enrolarse en el Nautilus.

Los protagonistas de la historia. De izquierda a derecha, los tres mas altos: Jean (Juan), Sanson (Bruno) y Grandis Granva (Rebeca). Los cuatro mas bajitos: Kim, Marie, Nadia y Hanson (Sansón).

En cuanto a la historia en si, comienza de manera bastante simple, para irse complicando cada vez mas. Estamos a finales del siglo XIX. Mientras Jean se encuentra en París con la intención de participar en un concurso de planeadores de fabricación amateur, ve a Nadia que se dirige a visitar la Torre Eiffel, y decide probar suerte como Don Juan. Pero su torpe intento de galanteo es interrumpido por la irrupción de la banda de Grandis, forzando a Nadia a huir. Jean deduce de la agilidad exhibida por la muchacha que debe ser una acróbata profesional, y se dirige al único circo que hay en ese momento instalado en París, seguro de encontrarla. Efectivamente, allí esta ella, pero también la banda de Grandis, que ha llegado a la misma conclusión, y ha sobornado al director del circo para tener vía libre. Nadia se ve obligada a abandonar el que era su hogar, y Jean se ofrece a acompañarla en su huida. A partir de aqui la pareja de adolescentes se vera forzada a vivir siempre a la carrera, perseguidos por todos los interesados en apoderarse de la joya que posee Nadia, una joya que es la única clave del orígen de Nadia, pero que también esconde un secreto temible.

Final de la zona de peligro de sopilers

Detalles dignos de mencionar de la obra.

Empezaré por lo mas obvio. Nadia, la protagonista, es mujer, y además es negra. Aun hoy en 2011, esto por si solo es un desafío directo a dos de los prejuicios mas firmemente establecidos en nuestra sociedad, así que tratemos de imaginar lo que debía representar en 1990 plantear semejante protagonismo para una serie juvenil. Este hecho, ademas, no queda en una simple anécdota estética, sino que es resaltado en diversas ocasiones a lo largo de la narración. De hecho, en el primer encuentro entre la pareja protagonista, Nadia llega a acusar a Jean de ser un racista, al malinterpretar la excesiva amabilidad de su galán como una condescendencia motivada por el hecho de que, al ser ella negra, él piensa que debe dirigirse a ella como si no fuese lo bastante inteligente para sostener una conversación mas normal. El tema del racismo, además, se ve potenciado por el hecho de que el villano de la serie, Argor, basa todo su ideario en el convencimiento de ser descendiente directo de los míticos atlantes, y por tanto, pertenecer a una raza superior.

La ambivalencia moral de los personajes. Decía al principio de este artículo que la serie fue pensada para ser desarrollada por Miyazaki, y por lo tanto tiene esa característica tan suya de la complejidad moral de los personajes. Con quizá la única excepción del villano Argor, un fanático en estado puro, el resto de personajes muestran una ética mucho mas compleja. Ni los buenos son del todo buenos, ni los malos del todo malos. Son lo que la vida ha hecho de ellos, y con una biografía a sus espaldas que daría para escribir un par de tragedias griegas para cada uno de ellos, no puede extrañar que actúen a veces de una forma contradictoria con su rol teórico. Como decía la canción, son rebeldes porque la vida les ha hecho así.

El tratamiento de la condición de adolescentes de los protagonistas. También decía al principio que la serie esta impregnada de un cierto erotismo. Los protagonistas no se miran como niños, ni se profesan un amor platónico. Aquí lo único platónico que hay son las continuas referencias a la Atlántida. Al espectador no le será difícil darse cuenta de que las hormonas bullen en la sangre de los protagonistas y que, aunque no lo digan expresamente, está claro que mas de una vez piensan, bueno, pues en lo que se piensa cuando se tienen 15 años. Y por si no quedara bastante claro, el resto de personajes se encargan de clarificarlo con referencias a la "edad difícil" que están atravesando los chicos.

Referencias vernesianas.

La serie está llena de referencias a la obra de Verne. Aparte de la obvia presencia del Capitán Nemo a bordo de su submarino Nautilus, la figura del abuelo de la ciencia-ficción es también reivindicada de formas mas indirectas a lo largo de la trama. Cuando Nadia y Jean quedan varados en una isla desierta en uno de los episodios tras verse obligados a abandonar el Nautilus en el curso de una batalla naval, bautizan dicha isla con el nombre de Isla de Lincoln, en honor al presidente americano del mismo nombre, a pesar de que ninguno de los dos es ciudadano norteamericano. La justificación que se apunta es que Nadia, en su condición de africana, quiere hacer un homenaje a la persona que consiguió (teóricamente) la igualdad de derechos para negros y blancos, pero esto no deja de ser una excusa para referirse a Verne. Lincoln es el nombre que un grupo de náufragos dan también a su isla en La Isla Misteriosa, otro clásico de Verne. Asimismo, otro personaje secundario, Ayrton, lleva el nombre de un personaje que aparece tanto en dicha obra como en otro de los clásicos de Verne, Los hijos del Capitán Grant. De hecho, la forma en que Nadia y Jean encuentran a Ayrton, abandonado a su suerte en una isla próxima a la que constituye su hogar, es similar a como encuentran los protagonistas de La Isla Misteriosa al personaje homónimo en dicha novela.

Referencias arqueológicas ligadas al mito de la Atlántida.

En la serie, Nadia averigua que la clave para conocer sus orígenes se encuentra en un lugar llamado Tartessos, que en la narración se presenta como una ciudad en ruinas en algún lugar de África. Tartessos es el nombre de una nación prehelénica real cuya cultura floreció en el suroeste de la Peninsula Iberica, en la zona intremedia entre las actuales provincias españolas de Huelva, Cádiz y Sevilla. Según los historiadores habría llegado a su edad de oro sobre el siglo IV A.C. Es muy poco lo que la ciencia conoce de la cultura tartésica, pero parece probado que se trataba de una cultura refinada y prospera económicamente, que tenía importantes relaciones comerciales con pueblos de la antigüedad como los fenicios. Algunos historiadores han apuntado que los rumores que corrían sobre la riqueza de los tartessos en tiempos de la antigua Grecia pudieron servir de inspiración a Platón a la hora de construir su mito de la Atlántida.

Mapa de los dominios de la cultura tartesica. Fuente: Observatorio Off-Topic.

Polémica.

Esta serie ha provocado alguna que otra polémica. Ya me he referido de sobras al enfoque ligeramente subido de tono con el que se trata la relación sentimental entre los protagonistas, que motivó la aparición de la tijera del censor cuando fue emitida por primera vez en España, pero este no es el único aspecto polémico de la serie, ni España el único país donde ha tenido problemas. También allá por los 90 la serie estaba pensado que se emitiera en Gran Bretaña, pero finalmente no lo fue. Esta vez fue el nivel de violencia, en algunos casos bastante explícita, de algunos capítulos de la serie el que hizo arrugar la nariz al censor de turno. En mas de un capítulo vuelan las bombas y el plomo, y la sangre corre bien roja, así que no digan que no estaban avisados si ese tipo de escenas les impresionan.

En resumen, una serie de animación curiosa, entretenida y que bien merece un visionado relajado, eso si, teniendo la mente abierta, ya que algunos detalles de la misma puede que no cuadren con la idea preconcebida que tenemos de una serie juvenil.

Aldous Huxley: La Isla. ¿Y si la utopía fuera posible?

2011-06-25T10:15:00.000-07:00

En el prólogo a la edición de 1949 de su famosa novela distópica Un Mundo Feliz, Aldous Huxley escribía lo siguiente:

“Si ahora tuviera que volver a escribir este libro, ofrecería al Salvaje una tercera alternativa. Entre los cuernos utópico y primitivo de este dilema, yacería la posibilidad de la cordura (...). En esta comunidad, la economía sería descentralista y al estilo de Henry George, y la política kropotkiniana y cooperativista. La ciencia y la tecnología serían empleadas como si, lo mismo que el Sabbath, hubiesen sido creadas para el hombre, y no (como en la actualidad) el hombre debiera adaptarse y esclavizarse a ellas. La religión sería la búsqueda consciente e inteligente del Fin último del hombre, (...). Y la filosofía de la vida que prevalecería sería una especie de Alto Utilitarismo, en el cual el principio de la Máxima Felicidad sería supeditado al principio del Fin último, de modo que la primera pregunta a formular y contestar en toda contingencia de la vida sería: ¿Hasta qué punto este pensamiento o esta acción contribuye o se interfiere con el logro, por mi parte y por parte del mayor número posible de otros Individuos, del Fin último del hombre?”

Esta es, en líneas generales, la descripción de la sociedad en la que transcurre la acción de La Isla, obra póstuma del citado escritor, y considerada como la antítesis de Un Mundo Feliz. La Isla fue publicada en 1962, poco antes de la muerte de su autor, y muchos la consideran su testamento ideológico. Puede parecer contradictorio que el creador de una de las obras fundamentales del género distópico, una de las visiones más oscuras del futuro, se despidiera de este mundo dejando su opinión sobre como debería ser una sociedad ideal, pero eso no hace su lectura menos interesante. Si en Un Mundo Feliz, el planeta había caído bajo la dominación de una “dictadura amable” basada en conseguir que el ciudadano amase su esclavitud mediante el lavado de cerebro, la alienación cultural y el consumismo desenfrenado, La Isla plantea el supuesto contrario. En Un Mundo Feliz, los disidentes eran forzados a exiliarse en islas apartadas, y es precisamente en una isla aislada en donde tiene lugar la acción de esta novela, una isla en la que un grupo de idealistas han construido una sociedad basada en el crecimiento como individuos, y que, como los galos de los cómics de Asterix, resisten testarudamente los embates de un mundo exterior hostil a su ideal de vida.

La historia comienza cuando el protagonista, Will Farnaby, tras naufragar intentando ingresar ilegalmente a la isla de Pala, el hipotético estado insular independiente situado en el archipiélago de Indonesia que sirve de marco a la historia, es rescatado en sus costas por una pareja de chiquillos. El personaje de Farnaby correspondería al perfil de lo que últimamente, en medios "antisistema" o "conspiranoicos", se ha dado en llamar "gangster económico": oficialmente, es un reportero interesado en el dictador del país vecino, considerado un mercado emergente, y en sus pretensiones imperialistas sobre la misteriosa isla que insiste en rechazar cualquier relación con cualquiera de los dos bloques en que esta dividido el mundo de la Guerra Fría. Pero el propósito oculto de su visita es contactar por orden del dueño del periódico para el que trabaja, un magnate del petróleo, el sector minero y los medios de comunicación, con diplomáticos de las potencias locales destacados en la isla, así como con algunos miembros de la familia real, educados en Occidente, que conspiran contra el gobierno del país, con el fin de, si los conspiradores llegaran a triunfar, allanar mediante sobornos el camino a posibles concesiones para explotar a gran escala los recursos petroleros recién descubiertos en la isla, una cuestión a la que el gobierno actual se opone frontalmente, siendo partidario que dicha explotación sea a escala reducida, sin mas meta que la de equilibrar la balanza comercial del país.

El naufragio ofrece al cínico periodista la oportunidad de permanecer en el pequeño país, que no concede fácilmente el visado de ingreso a su territorio, el tiempo necesario para recuperarse de las heridas sufridas. Durante este tiempo conocerá la curiosa historia del país, fruto de las reformas emprendidas siglo y medio antes por el rajá entonces reinante, y el cirujano escocés que le curó un tumor en la garganta. Hospedado en casa del Doctor McPhail, bisnieto de dicho personaje y medico también, Farnaby comenzara a simpatizar con la obra común de aquellos personajes, descritos como una extraña pareja formada por un piadoso budista y un ateo fanático. A esta simpatía no es ajena la repugnancia personal que siente hacia aquellos que debían ser sus contactos en la isla, lo que le hace replantearse sus lealtdades.

La Isla es, como ya he comentado, un manifiesto ideológico de su autor, y como tal, no se corta a la hora de criticar sangrientamente todos aquellos aspectos de la sociedad que no son de su agrado, usando a los hipotéticos isleños como metáfora, así como de exponer sus propias ideas por boca de ellos. Para verlo mas claro, observaremos por separado diversos aspectos de la obra.

Drogas.

Huxley destaca por su compromiso con el movimiento psicodélico, y las referencias a las drogas son una constante de su obra. Recordemos, sin ir mas lejos, el soma de Un Mundo Feliz. En La Isla, por supuesto, vuelve a aparecer este tema. Al igual que los protagonistas de Un Mundo Feliz, los isleños de la novela también consumen habitualmente una droga, llamada moksha. Sin embargo, la ética del consumo es radicalmente diferente en ambas obras. Si el soma era un narcótico que eliminaba de inmediato de la mente de su consumidor cualquier duda, cualquier posible ansiedad, y le reconciliaba inmediátamente con su lugar en el sistema, la moksha, descrita como un pariente cercano del LSD obtenido de ciertos hongos locales, tiene en esta historia una función radicalmente distinta. Los isleños no consumen esta droga con fines lúdicos, sino terapéuticos o ceremoniales, y se refieren a ella en todo momento como medicina. Huxley contrasta este modelo de convivencia positiva e ilustrada con las drogas con el consumo descontrolado y dañino que de ellas se hace en Occidente.

Religión.

La critica a los aspectos mas alienantes de la religión organizada es una constante a lo largo de toda la obra, y muy especialmente, al conjunto de creencias mas "occidentales" (lo entrecomillo porque se que lo que voy a decir a continuación va a escandalizar profundamente a mas de un lector demasiado acostumbrado a la terminología al uso estos últimos tiempos) representados de forma expresa en la obra por el cristianismo y el islam, frente al cuerpo de creencias mas propiamente orientales (en el sentido, creo que ha quedado claro, de Lejano Oriente), como el budismo o incluso el hinduhismo, que salen bastante mas airosos del envite. Quizá por eso que se dice, que ateos y agnósticos suelen simpatizar con el budismo. Lo cual no quiere decir que este ultimo sea aceptado acríticamente por el autor, sino simplemente que su estética (o mas bien, la estética de esa mezcla entre la religión budista y la hindú que el lector que haya viajado por el Sudeste Asiatico identificará fácilmente al leer la novela) y partes de su ética son mas del agrado del mismo.

Economía y política.

Huxley apenas da indicaciones claras del sistema político de la isla, dejando que sea el lector el que llegue a sus propias conclusiones. La única mención expresa al mismo en la obra es para calificarlo de monarquía constitucional. Se deduce la existencia de un parlamento electo, pues los isleños están orgullosos de lo democrático de su sistema, aunque en ningún momento se aprecia la existencia de una estructura de partidos políticos organizados, sino mas bien lo contrario, así que mi deducción estrictamente personal es que se trataría mas de un sistema de voto a la persona antes que al partido. En cualquier caso, parece que las competencias del gobierno son bastante reducidas, básicamente la política internacional, y la administración de los sistemas de bienestar social, mientras que la política del día a día parece ser mas bien función de las administraciones locales. En cuanto al sistema económico, queda bastante claro desde el primer momento que toda la economía de la isla se basa en un régimen de cooperativas a escala local. En este aspecto Huxley, por boca de sus personajes, no se corta a la hora de hacer duras criticas a un sistema comercial dominado por las grandes corporaciones multinacionales y la producción en masa.

Familia y sociedad.

El sistema familiar que presenta Huxley para los isleños es cuanto menos, peculiar, y las sensibilidades mas conservadoras sin duda se sentirán fuertemente escandalizadas ante su propuesta. Huxley imagina unas entidades, llamadas "Clubs de Adopción Mutua" que a efectos prácticos consistirían en pequeños grupos de familias vecinas que crian en común a sus hijos, de forma que el hijo de una pareja miembro del club pueda reclamar como propia la casa de cualquier otra familia que también pertenezca al mismo. La justificación que Huxley da para que los isleños hayan adoptado tan curioso sistema es la protección de los niños frente a situaciones traumáticas en casa. Los hijos de una pareja que pase por dificultades, como un matrimonio mal avenido en vias de consumar el divorcio, por ejemplo, podrian así refugiarse en la casa de unos vecinos que también tendrían sobre ellos condición de tutores legales, mientras persista el mal ambiente entre sus padres biologicos.

Sexo

Otro de los aspectos que Huxley quiere dejar muy claro es que los isleños protagonistas de la novela disfrutan de una moral sexual muy liberal y casi completamente libre de tabús represivos. La forma como Huxley imagina que puede conseguirse esto es a través de la educación. La educación sexual es presentada como una materia importante del temario escolar, y los adolescentes son instruidos, y hasta animados a mantener una vida sexual responsable desde las mismas aulas de las escuelas. Huxley contrapone la desenfadada sexualidad de los isleños con toda una colección de traumas y represiones sexuales, tanto del reportero narrador como de sus contactos conspiradores, para componer un canto a favor de la liberación sexual, algo coherente con la época en que fue escrito el libro, por otra parte.

Estos son los aspectos quizá mas significativos de la novela. Este cuerpo ideológico es presentado al lector con la excusa del viaje interior del protagonista, en medio de personajes extravagantes, pajaros parlantes, colecciones de aforismos y paisajes tropicales. En resumen, La Isla es un libro simpático, agradable de leer, y que por momentos te puede hacer llegar a soñar con que la utopía es posible. Algo que, vistos los tiempos que corren, es muy de agradecer.

El 19 de Junio es hora de volver a protestar

2011-06-10T07:49:00.000-07:00

Bueno, interrumpo de nuevo la linea habitual de este blog para retomar el tema del movimiento de los Indignados, y hacerme eco de este llamamiento a una protesta masiva.

Algún dia hablarán de nosotros en los libros de historia. Para bien o para mal, pero hablarán.

La Materia Oscura: fantasía... y herejía.

2011-05-30T03:44:00.000-07:00

Recientemente, un amigo colgó en su "muro" de Facebook un enlace a un video en Youtube de un fragmento de una entrevista en la que el escritor Phillip Pullman decía unas cuantas verdades sobre la libertad de expresión, aprovechando la presentación de su último libro. Si a alguien le interesa escucharla aquí está:

No hablaré aquí de ese libro, que aun no he podido leer, pero que todo parece indicar que será interesante, sino de la obra que puede decirse que hizo famoso al citado autor, y quizá también su obra mas polémica, la trilogía La Materia Oscura, una saga de fantasía enfocada principalmente al público adolescente, ganadora del premio Carnegie Medal de literatura infantil, y ampliamente reconocida por los aficionados al género fantástico.

Los tres títulos que forman la Trilogía de La Materia Oscura.

En La Materia Oscura, Pullman imagina un multiverso por el que se mueven los protagonistas, seres de una dimensión paralela que habrían visitado nuestro mundo en el pasado remoto, dando origen a nuestros mitos y leyendas. Hasta aquí, nada que no sea un clásico de la ciencia-ficción, o hasta de las teorías de la conspiración: los tópicos dioses extraterrestres. ¿Cual es la diferencia fundamental que convierte esta serie en polémica? Que mientras lo habitual en estos casos es convertir en alienígenas a dioses de mitologías extintas, como los dioses griegos, egipcios o de la América precolombina, Pullman usa nuestra propia mitología religiosa occidental. Los alienígenas divinizados no son aquí Zeus, Osiris o Quetzalcoatl, sino nuestros propios ángeles, arcángeles, diablos y hasta el mismo Dios.

He aquí el meollo de la cuestión: todo nuestro imaginario religioso no tiene nada que ver con el Bien y el Mal como conceptos absolutos, ni con seres divinos que vinieron a la Tierra a iluminar a nuestros ancestros, sino con una guerra que abarcó varios universos, entre seres poseedores de una tecnología inimaginable, capaces de viajar entre universos paralelos, y que les fue explicada a nuestros antepasados desde el punto de vista de los vencedores. Esa es la base sobre la que Pullman construye su historia, y eso, junto con la personalidad del autor, que jamas ha escondido su laicismo militante, siendo calificado mas de una vez de propagandista ateo por sus detractores, y la clara orientación de la obra hacia el público juvenil es lo que la convierte a los ojos de los sectores religiosos mas conservadores en una obra diabólica concebida para apartar a los niños de Dios.

Seguro que con lo que has leído hasta aquí ya empieza a picarte el gusanillo y sientes la (¿diabólica?) tentación de correr a tu librería mas cercana (si, yo también se como conseguir según que cosas gratis en la Red. Pero algunas cosas deben tenerse en edición de calidad) para hacerte con los tres libros. Pero ¿de que va la historia? Bien, intentare dar un bosquejo por encima de este enrevesado entramado de mundos de fantasía sin destripar demasiado el argumento.

Lo primero que nada, los tres libros. Cada uno de ellos hace referencia en su título a un gadget esotérico-tecnológico usado por los protagonistas. El primero a la brújula dorada (la edición española en este punto
titula igual que la británica, Luces del Norte, mientras que La Brújula Dorada es el título de la edición americana) que actúa como oráculo. El segundo a la daga, que permite abrir puertas entre dimensiones paralelas. Por último, el catalejo lacado permite ver las corrientes de las misteriosas partículas, llamadas el polvo, que forman la materia oscura que da título a la obra, invisibles a simple vista para los humanos, pero no para otras criaturas.

Luego debemos detenernos en el marco en el que se desarrolla la historia. Aqui Pullman se supera construyendo todo un multiverso de dimensiones paralelas en el que presenta las mas fantasiosas combinaciones, entre las que nuestro mundo de cada día es solo uno mas. Hay mundos, como el de la protagonista, donde la tecnología se ha desarrollado de forma distinta a como lo ha hecho en el nuestro, ligándose a la filosofía en vez de a la física. Mundos que están en decadencia después de haber provocado su propio Apocalipsis, y otros por el contrario, que dan los primeros pasos en el camino de la civilización... y por supuesto, a cada mundo, seres distintos que lo pueblan: en el de la protagonista los humanos van acompañados de su espíritu-totem en forma de animal parlante, en otro la evolución ha funcionado de una forma diferente, produciendo seres inteligentes completamente alienígenas. Los seres que originaron nuestras leyendas sobre los ángeles pueblan otro de esos mundos, y hasta el mismísimo Infierno forma parte de tan enrevesado multiverso, y será visitado por los protagonistas. Así pues, mientras la historia avance, y los protagonistas viajen entre dimensiones paralelas, asistiremos a un desfile de dioses, diablos, ángeles, brujas, animales parlantes, gnomos, espectros y demás seres extraños que pondrá a prueba la capacidad de asombro del mas empedernido aficionado al género fantástico.

Dar una visión breve encima de una historia que ocupa tres libros, evitando dar demasiados spoilers, y con las limitaciones que impone tratar en un espacio tan reducido una historia tan compleja es difícil, pero lo intentaremos. En un mundo paralelo al nuestro, Lyra Belacqua, onceañera que se ha criado en un internado para señoritas de clase alta, de espíritu rebelde y mentirosa compulsiva, espiando a sus profesores se entera por accidente de una amplia conspiración que parece tener que ver con experimentos científicos poco ortodoxos realizados en secreto. Experimentos en los que parecen estar implicados miembros de su familia, y que podrían tener relación con una cadena de misteriosas desapariciones de niños. Indagando en la historia, la joven protagonista ira descubriendo secretos familiares cada vez mas turbios, hasta que se ve obligada a huir de su propia familia. Mientras tanto los misteriosos experimentos logran abrir un portal interdimensional, por el que huye la protagonista, encontrandose con el protagonista masculino, Will Parry, un muchacho de nuestro mundo que huyendo de unos matones con los que su padre habría tenido algún tipo de trato, encuentra de casualidad una puerta interdimensional abandonada y coincide con Lyra en un mundo intermedio, en franca decadencia.

A partir de aqui, los dos compartirán aventuras. Descubrirán que los conspiradores que han abierto el portal interdimensional lo que están planeando es retomar la guerra que hace milenios creó nuestras leyendas sobre Dios y el Diablo. Una revolución contra el ser que conocemos como Dios, que es presentado como un simple tirano, y que llevará la guerra al multiverso entero, como ocurrió en los tiempos en que se crearon nuestras leyendas. Los protagonistas se conjuraran para tratar de evitarlo, ayudados por diversos personajes secundarios a cual mas extraño: osos blancos parlantes que se ganan la vida como mercenarios, una científica que se enfrenta al desprestigio académico tras descubrir una partícula elemental aparentemente involucrada en la aparición de la autoconciencia, una pareja de seres diminutos que ejercen de espías para uno de los bandos en conflicto... y por si todo esto no fuera de por si bastante caótico, las hormonas de la adolescencia elegirán ese preciso momento para hacer su aparición en el organismo de los protagonistas. En resumen, un coctel de acción y fantasía realmente gratificante.

Al hilo del éxito reciente de adaptaciones de clásicos de la literatura fantástica como El Señor de los Anillos, se proyecto adaptar la Trilogía al cine. Se rodó una primera película, basada en el promer volumen de la trilogía, a cargo de Chris Weitz, con Nicole Kidman haciendo el papel de la villana por excelencia de la historia. La película se estreno envuelta en una fuerte polémica, dada la orientación ideológica del autor. Esta pendiente la adaptación del resto de libros, aunque yo, sinceramente, creo que jamás veremos en la gran pantalla una obra que parte de la premisa de que Dios es un cabrón fascista que debe ser derrocado. Ya me sorprendió que se atrevieran a hacer la primera película.

En fin, una obra que merece ser leída, para darnos cuenta de que el género fantástico a veces dice cosas de profundo calado. Aunque nos cueste ir al Infierno, merece la pena leerla.

Es duro hacer la revolución

2011-05-19T03:36:00.000-07:00

Si, se de sobra que este no es el tema de este blog, que debería estar terminando ese artículo que tengo a medias sobre la saga de la Materia Oscura de Pullman, y decir algo sobre la reciente muerte del gran Carlos Trillo, pero perdónenme si les digo que uno no puede hacer como la orquesta del Titanic, y seguir hablando de ficciones mientras el mundo arde a su alrededor. Hay momentos en la vida en que los acontecimientos exigen tomar partido. Y si uno dispone de un canal de comunicación, aunque sea tan humilde como este, tiene la obligación de usarlo para exponer su postura al mundo. Así que he decidido contar aquí en que batallitas he andado metido desde el domingo pasado. Soy uno mas de esos miles de "indignados" de los que, ahora si, hablan los diarios. Y ustedes perdonen, pero voy a hablarles de política.

Asamblea de los manifestantes en la céntrica Plaza Catalunya de Barcelona esta pasada medianoche. Foto obra del autor de este blog. Existe versión en alta definición aquí

Quien lo diría, pero solo han pasado cuatro días desde que un grupo de soñadores salimos a manifestarnos un domingo por la tarde en varias ciudades españolas, ante la indiferencia de los grandes medios de comunicación, centrados todos ellos en una aburrida campaña electoral, que transcurría siguiendo un guión propio, completamente ajeno a las inquietudes del electorado. En aquel momento no éramos mas que una anécdota exótica, un pequeño toque de color en un panorama mayoritariamente gris. En teoría nada que fuese a alterar demasiado el paisaje. Pero claro esta, cuando los ánimos están caldeados, las cosas pueden cambiar de la noche a la mañana muy fácilmente a la menor ocasión. Y esa ocasión se presentó.

Creo que a estas alturas la película de los hechos ya es de sobras conocida, pero aun así la repetiré: al termino de una de esas manifestaciones, la que se celebró en Madrid, un pequeño grupo de manifestantes decidieron iniciar una acampada en la céntrica plaza de la Puerta del Sol. Si se les hubiera dejado en paz, probablemente al cabo de un par de días se hubieran aburrido y vuelto a sus casas, las protestas del domingo se hubieran ido olvidando y a estas alturas seguramente tú no estarías leyendo este artículo, porque jamas hubiera sido escrito. Vista en perspectiva, la situación puede compararse a la de una bola de nieve en lo alto de una colina. Inmóvil, inofensiva siempre que no se perturbe su equilibrio. Hasta que llega el imbécil que le pega un empujón.

El imbécil que, en la madrugada que siguió a un lunes que había sido muy caliente, tanto climática como emocionalmente, decide que hace feo una panda de hippies acampada en pleno centro de la ciudad, y manda a la policía: "me desalojen a esos desharrapados, que me espantan a los turistas." Error clásico, consecuencia previsible: las imágenes del desalojo inundan Youtube, durante todo el día las redes sociales bullen de mensajes a cual mas incendiario, y cuando cae la noche ese mismo martes, en esa misma plaza ya se han juntado mas de tres mil personas dispuestas a pasar la noche al raso. Los mismos diarios que habían pasado de puntillas sobre las manifestaciones del domingo ya tienen portada para su edición del miercoles, y las convocatorias se extienden a las plazas mayores de otras ciudades. De veras, a nuestros políticos les iría mejor si fueran mas al cine.

Desde entonces las cosas no han parado de moverse: propuestas, declaraciones, intentos de prohibir nuevas concentraciones, desobedecidos por el pueblo, mas y mas gente sumándose a las protestas, políticos y analistas pillados completamente en fuera de juego, y una sensación general de que estamos contemplando algo que saldrá en los libros de historia del futuro. Escribo estas lineas después de haber dormido pocas horas esta noche y haber cenado un simple bocadillo, consecuencia de haber estado en una de dichas asambleas hasta la madrugada, y haber tenido que regresar caminando a casa, pues ya no había servicio de metro cuando concluyó. Pero satisfecho de haber formado parte de algo histórico.

Puede que, como paso en el 68, al final todo esto quede en nada mas que unos cuantos eslóganes incorporados a la memoria colectiva, y el recuerdo de unos días convulsos donde se entrevió la posibilidad de cambiar el mundo. O puede que los mayas tuvieran razón, y estamos viendo los primeros dolores del parto del mundo nuevo que ha de substituir al que según ellos ha de morir el año que viene. El futuro lo dirá. Sea lo que sea, había que estar allí.

Diablos, nadie dijo que hacer la revolución fuese tarea fácil.

Clásicos de la ci-fi: Forastero en Tierra Extraña.

2011-05-09T08:47:00.000-07:00

Bueno, de momento, y mientras preparo una nueva entrada que llevo rumiando hace tiempo sobre el tema de la ci-fi apocalíptica que corrija la afirmación que en su día hice sobre la muerte del género a finales de los 90, visto el repunte que ha tenido de un tiempo a esta parte, aquí dejo otro viejo artículo que rescaté este fin de semana, organizando directorios en mis discos duros, sobre una novela clásica: Forastero en Tierra Extraña

Forastero en Tierra Extraña es probablemente la novela mas polémica del ya de por si polémico autor de ciencia ficción Robert Anson Heinlein. Baste como detalle el hecho de que para la primera edición de esta novela, en 1961, hubieron de ser censurados diversos pasajes que el editor, sencillamente, no se atrevía a publicar tal como estaban, y que la edición completa del libro no se publico hasta 1990.

El argumento inicial es bastante simple. Una primera expedición internacional al planeta Marte, formada, para evitar tanto los problemas derivados de la abstinencia sexual durante la larga travesía como los tabús sociales inherentes al sexo, por cuatro matrimonios de astronautas, pierde contacto contacto con la Tierra cuando se disponía a amartizar. Hasta veinticinco años mas tarde no se puede enviar una segunda expedición que para su sorpresa, aparte de descubrir que Marte es un planeta habitado, también encuentra al llegar a un superviviente de la primera: Michael Smith, el hijo ilegítimo de dos de los miembros de la primera expedición, huérfano desde muy niño, que ha sido criado y educado por los marcianos.

–ojo, el texto a continuación contiene algunos detalles de la trama, aunque he procurado reducir los spoiler al mínimo–

El como se presenta de extraño nuestro mundo a este personaje, humano de cuerpo, marciano de mente, le sirve a Heinlein como excusa para arremeter contra todo lo establecido: familia, estado, ley, prensa, religión, ejercito, capital, burocracia, tradición… nada se salva de la sátira mordaz de Heinlein. Mención aparte merecen los personajes, “heinlenianos” hasta la médula, de la obra: gentes que hacen del cinismo una virtud, del hedonismo una filosofía de vida, y del individualismo la única guia valida de sus acciones, tipos que disfrutan enfrentándose a la autoridad por el puro placer de hacerlo y que ven a la Humanidad como un rebaño de primos deseosos de ser esquilmados, aparecen en el rol de los “buenos”, mientras que las gentes “de ley”, respetuosas con la autoridad, los puntales de la sociedad, forman en las filas de los “malos”, y su destino es sufrir toda clase de humillaciones.

La trama avanza con el traslado a la Tierra de Smith, y su internamiento en un hospital mientras dura su adaptación al entorno terrícola. Aparte de ser el heredero de la nada despreciable fortuna de sus padres, y de rebote del resto de miembros de la primera tripulación, por un absurdo precedente legal el joven naufrago espacial podría además reclamar la dignidad de virrey colonial del planeta Marte, cosa que, evidentemente, no gusta un pelo al gobierno confederal terrícola, que vería con buenos ojos que tan incomodo personaje sufriese un desgraciado accidente durante su estancia en el hospital, antes de llegar a ser consciente de sus derechos. Sin embargo, la casualidad ha querido que la enfermera a su cargo mantenga un romance con un periodista bastante sensacionalista enfrentado al gobierno, que la convence para que ayude a su paciente a huir del hospital y ambos se refugien en casa de un conocido del citado periodista, Jubal Harshaw, personaje clave de la obra.

Vividor, cínico, cascarrabias, individualista, pero por encima de todo perspicaz y muy inteligente, Jubal Harshaw es a la vez médico y abogado, pero no ejerce ninguna de ambas profesiones, prefiriendo ganarse mas que cómodamente la vida como escritor de literatura pulp. Este extravagante personaje adoptara inmediatamente el rol de maestro de Smith, explicándole de una manera bastante particular las bases de la cultura terrícola, y le ayudará a salirse del tremendo embrollo legal en que se ha visto metido sin comerlo ni beberlo. También sera el quien haga un descubrimiento clave para el progreso de la narración: los marcianos son unos consumados mentalistas, y han educado al joven Smith en el uso de toda clase de habilidades parapsicológicas.

Una vez solventados con la ayuda de Harshaw sus problemas legales, y convertido en el hombre de moda, Smith se lanzará al mundo de la forma mas escandalosa posible. En vez de dedicarse a aparecer en las portadas de las revistas de moda, Smith y Jill, la enfermera que le ayudó a escapar y que mas tarde se convertirá en su amante, se unirán de incógnito a un espectáculo de variedades itinerante con el que recorreran las ciudades mas provincianas de los Estados Unidos. Posteriormente la pareja se establecerá en Las Vegas, donde encontraran empleo en el negocio del juego y el espectáculo, experiencias todas ellas que les servirán para acometer el proyecto de sus vidas: la fundación de una secta que aunara la filosofía marciana con el individualismo hedonista aprendido de Harshaw, y que con su popularidad amenazará con socavar los cimientos mismos de la sociedad.

- fin de la zona de peligro de spoiler -

Novela de culto, gano el prestigioso premio Hugo de novela de ciencia ficción en 1962, y se convirtió en un icono cultural de la generación hippy, que sintonizo enseguida con el canto al amor libre y la libertad sexual planteado a lo largo de toda la obra, y que indefectiblemente la convirtió en motivo de escandalo para las capas mas puritanas de la sociedad americana. A la leyenda negra de la novela también contribuyó el hecho de que el celebre psicópata Charles Manson asegurase haberse inspirado en el proceso, meticulosamente detallado, de organización y funcionamiento de la secta imaginaria de la novela para la creación de su propia comunidad de sectarios asesinos. Por todo ello, Forastero en tierra extraña es, aun hoy en pleno siglo XXI, un libro de lectura inquietante. Una obra, en definitiva, que no puede faltar en la biblioteca de cualquier aficionado a la ciencia ficción que pretenda aspirar al titulo de friki.

Articulo originalmente publicado en Mayo de 2006, en el extinto sitio Mondofriki.com. Revisado para añadir enlaces al texto original y eliminar erratas (alguna seguro que ha quedado, eso no falla nunca).

El escándalo del super-apátrida

2011-05-02T12:26:00.000-07:00

Hay veces que uno se encuentra en los diarios con noticias que, sinceramente, le hacen preguntarse si nos hemos vuelto ya todos locos definitivamente. Porque si no uno no termina de comprender como pueden llegar a ser motivo de debate, o incluso de escándalo noticias como esta:

La derecha de EEUU, "agraviada" al rechazar Superman su ciudadanía

Reproducción de la viñeta del momento trágico (fuente: diario Público)

Lo lees y lo primero que piensas es: vale, maravilloso, debe ser que se han resuelto todos los problemas del mundo. Debe ser que los Estados Unidos, como el resto del mundo, no están inmersos en una fuerte crisis económica, que no hay millones de desempleados, que cientos de miles de personas no perdieron sus hogares por no poder hacer frente a la hipoteca el pasado año, y así sucesivamente podríamos seguir enumerando el rosario de desgracias solo en ese país. De verdad que debemos vivir en Utopía, si nuestra mayor preocupación es el argumento de una historieta de superhéroes. Pero si lo analizamos mejor, veremos que no es algo tan estúpido como a primera vista nos parece, y que en el fondo nos dice mucho del mundo y la época en que estamos viviendo. Veamos pues, que se esconde debajo de la capa de barniz de esta, en apariencia, frívola noticia.

Comencemos. En realidad lo que describe ese artículo es algo que tenia que pasar si o si. El personaje de Superman es demasiado increíble para los tiempos en que vivimos. Ya lo era en los 80, y a principios de los 90 hubo que matarlo, resucitarlo, reescribirlo, reconvertirlo y hacer miles de inventos con tal de poder mantenerlo en funcionamiento. Piénsese sin ir mas lejos en el Superman adolescente de la serie Smallville. ¿Porqué? Porque lo quieras o no, a la gente le rechina que un tipo que por un lado tiene los poderes de un dios, por otro lado sea tan sumiso y carezca de sentido crítico. Nunca cuestiona la autoridad, nunca se plantea su lugar en el mundo, nunca tiene un conflicto entre la ley y la moral. Eso, al lector/espectador moderno, admitámoslo, no le cuadra. Es un personaje mítico, un icono, cierto, y por eso se siguen produciendo cómics, series, películas... pero está obsoleto. Si un escritor entrase a día de hoy en el despacho de un editor con una historia semejante, le dirían que se la metiese por el culo. Diablos, ya en su día costó que lo aceptaran, aunque luego resultara un éxito. En pleno siglo XXI, solo su leyenda lo salva.

La mítica portada del nº 1 de Action Comics, la revista que presentó a Superman al mundo.

Pero ese éxito inicial tiene mucho que ver con la época en que apareció, y sus valores, muy diferentes a los de hoy en día. El héroe del "New Deal" no es transplantable a nuestros días. No podemos obviar que en los 60 hubo una gran revolución cultural, apareció la contra cultura, las grandes figuras de la canción protesta, se cuestionaron valores sagrados, se fomentó la crítica al poder... cosas casi impensables allá por los 40. Fijémonos en la diferencia entre héroes de los 40, como Superman, y los personajes que aparecen durante los 60, principalmente todos los que crearon Stan Lee y Jack Kirby para la editorial Marvel: mas oscuros, atormentados en lo personal, incomprendidos por la sociedad, cargados de dudas existenciales, perseguidos, marginados, vistos como bichos raros... si en los 50 los superhéroes equivalen a dioses del Olimpo que bajan a la tierra a recibir la veneración de los mortales, a partir de los 60 se convierten en monstruos, de cuyas acciones puede que la gente se beneficie, pero en quienes no confían. Y naturalmente eso deja la puerta abierta a historias mas interesantes en la que el protagonista se cuestiona su propia condicion de héroe y lo que es justo o no. Eso un dios no puede hacerlo, pues un dios a fin de cuentas es una encarnación simbólica de los valores de su sociedad. No puede cuestionar su sociedad sin perder su condición divina, algo que un monstruo si puede hacer.

Es por eso que los personajes de la primera época no han sabido transplantarse tan bien a los nuevos tiempos. Personalmente, creo que el único que ha sabido reconvertirse adecuadamente y disfrutar de una segunda juventud ha sido Batman. Y eso teniendo en cuenta solo el impacto de los años 60 en el género. Luego si entramos ya a considerar lo que pasa a partir de los 80, cuando gente como Alan Moore se dedican a reinventar el genero, no acabaríamos nunca. Por eso las historias han de ser adaptadas y readaptadas para un nuevo lector que es mas crítico, mas exigente, pide algo mas que peleas en una historia. Pero aqui Superman tiene un problema: choca una y otra vez con su condicion de icono. Cuando leemos un tebeo o vamos a ver una película de Superman todos sabemos lo que veremos: al chico buenazo, un poco panoli, de pueblo recién llegado a la gran ciudad, tímido en el trato con las chicas, que cuando nadie le ve se pone la capa roja y los calzoncillos por encima de las mallas ceñidas y lo mismo baja un gatito del arbol que salva el mundo del apocalipsis sin despeinarse. Y si no nos dan eso, protestamos. Pero al mismo tiempo sabemos que ese tipo de historia esta pasado de moda.

Y ese, y no la kryptonita, es el talón de Aquiles de Superman. Cada vez que un escritor trata de reconducir el personaje, hacerlo mas realista, choca con el mito. Ahora tenemos a Superman renunciando a su ciudadania, algo que evidentemente no puede hacer sin destruir su imagen icónica de gran héroe americano. Cuando el espectador de hoy día aplaudiría con las orejas si en la película que esta viendo el héroe fuese a Wall Street a repartir hostias como panes. Pero eso Superman no puede hacerlo. Es tarea para otros héroes (o antihéroes) mas oscuros, que son los que estan de moda hoy día, y con los que Superman, admitámoslo, no puede jugar en el mismo terreno sin que salten todas las alarmas.

Extras: ¿Quieres la fama? ¿A qué precio?

2011-04-09T14:06:00.000-07:00

Bueno, después de una temporada de tenerlo olvidado, creo que ha llegado el momento de retomar este blog. La verdad es que últimamente no me había sentido tentado a reseñar nada. No encontraba nada que me sedujese a escribir, entre tanto remake y revisitación de clásicos de toda la vida que se esta produciendo estos días (nota mental: algún día tengo que hablar de eso), y por otra parte, encuentro que ya tengo demasiados artículos hablando de cine y literatura de los 80, 70 y aún mas allá en este blog. Sentía la necesidad de hablar de algo nuevo, pero nada me seducía realmente. Lo confieso, me he dejado llevar por la pereza. Así que me he dicho que ya era hora de escribir algo, lo que sea. Así que he aprovechare para hablar de la penúltima novela fantástica de moda, que me ha caído hace poco en las manos, y que parece confirmar cierta tendencia al renacimiento del genero apocalíptico que vengo observando los últimos años. Sera que se acerca el 2012, pero al final tendré que tragarme lo que dije hace tiempo sobre la muerte del genero. En fin, al tema.

Extras, de Scott Westerfeld, uno de los nombres de moda de la literatura fantástica de los últimos tiempos. Un autor que comenzó con el cyberpunk, se paso después a la space-opera, y últimamente se ha internado en ese universo tan rentable de lo que llaman género fantástico juvenil (nueva nota mental: de esto otro también tengo que hablar algún día). Extras es una especie de epílogo a su exitosa Trilogía de los Feos, en cuyo universo se basa, aunque se trata de una novela independiente, que se puede leer y comprender sin necesidad de haber leído los otros libros. Para los que no conozcan la susodicha Trilogía, pero estén interesados en este libro, baste decir que trata del auge y caída de una sociedad distópica clásica en un mundo post-apocalíptico no menos clásico. Los tres pilares de esa distopía son: culto a la belleza, cyborgización y por supuesto, lavado de cerebro. Es la única referencia que necesitan de la saga para comprender esta nueva novela.

Extras se sitúa años mas tarde del desplome de dicha distopía, y nos muestra que la desaparición del régimen corrupto anterior no ha traído automáticamente una liberación, sino nuevas formas de control de pensamiento. Los personajes también cambian, una nueva generación ha crecido, y los protagonistas de los libros anteriores son ahora secundarios de lujo de la historia. Personalmente, prefiero esta novela a la Trilogía propiamente dicha. Tal vez sea que prefiero leer historias que empiezan y acaban en un mismo tomo, sin estar pendiente del continuara, por mucho que el folletín sea un invento tan antiguo como la misma literatura, pero también a que este libro aborda en mi opinión en menos espacio mas temas que los tres anteriores.

Además este libro plantea varios temas muy interesantes. Por un lado, está el tema central de la economía de la reputación. La idea de que en que en una sociedad no monetaria tu buen nombre puede llegar a convertirse en moneda de curso legal, con tecnología y reglas estrictas para su medición numérica en tiempo real ya había sido propuesto por Cory Doctorow en "Tocando Fondo" en el 2003, pero han tenido que pasar otros 5 años (el original ingles de Extras es de 2008, aunque aquí, como de costumbre, nos llega con retraso) para que un concepto tan interesante vuelva a ser explorado en la ci-fi. En el mundo de Extras, ser popular equivale a ser rico, y al revés, el anonimato implica marginación. Por consiguiente, los ciudadanos de esta nueva distopía compiten constantemente en busca de la fama, a cualquier precio, lo cual nos plantea un segundo tema de interés, la fama como fenómeno en si mismo, el valor de ser famoso.

Otros temas que aborda plenamente son el fenómeno del “ciudadano reportero”, y con ello, también el de la ética periodística. En ese mundo futuro de omnipresencia tecnológica, con ciudadanos permanentemente conectados a redes de información, manteniendo y consultando el equivalente futurista a bitácoras como esta que lees, el camino mas corto hacia el estrellato es conseguir filmar la noticia, ser el primero en descubrir la nueva tendencia urbana, y dar la voz de alerta. Aunque eso pueda en ocasiones implicar el uso de malas artes para conseguir la noticia.Dicho todo esto, es fácil ver que esta historia aparentemente simple sobre una estudiante que, siguiendo a una pandilla de surfistas urbanos futuristas topa por casualidad con una conspiración nos habla de temas que ya están plenamente presentes en el mundo de nuestros días. El culto a la fama es omnipresente a día de hoy. Y hace ya tiempo que venimos viendo como lo que se dice en Twitter o Youtube es tan importante en las redacciones de periódicos y noticiarios como las fuentes de toda la vida. La buena ciencia-ficción es la que nos lleva al futuro para hablarnos del presente. Y esta novela, sin duda, lo consigue... además de ser una historia de acción realmente absorbente.

Pasaporte para Pimlico

2010-09-04T09:07:00.000-07:00

Mi barrio, mi país...

De cuando en cuando, el aficionado al cine siente la necesidad de apartarse un poco de las grandes sagas cinematográficas de nuestros días, con su impresionante escenografía y sus asombrosos efectos visuales, y bucear un poco en el viejo blanco y negro, para desenterrar joyas de unos tiempos en los que las buenas historias debían llegar donde no llegaban las limitaciones técnicas del momento. Historias como esta:

Pasaporte para Pimlico, película del año 1947 de los estudios Ealing, dirigida por Henry Cornelius. Humor inglés en estado puro, una sátira mordaz sobre el patrioterismo barato, como solo los ingleses son capaces de conseguir. Estamos en el Londres de postguerra, en Pimlico, un barrio de clase trabajadora. Al hacer estallar una bomba alemana sin explotar de la reciente guerra, se descubre un sótano secreto, en el que aparece un tesoro del siglo XV. Junto con el oro y las joyas, se encuentra un cofre que contiene documentos. Examinados dichos documentos, se descubre que el tesoro perteneció al duque de Borgoña Carlos el Temerario, históricamente dado por muerto en la batalla de Nancy, que propició la anexión del ducado a Francia, pero que según dichos documentos habría logrado huir secretamente a Inglaterra, donde el rey le concedió refugio y tierras, y el derecho a que dichas tierras fuesen consideradas en adelante territorio soberano borgoñón. Las mismas tierras sobre las que ahora se levanta el barrio de Pimlico, que en virtud del documento desenterrado, y nunca revocado, es legalmente el último resto del antiguo Ducado de Borgoña, un estado independiente en medio de Londres.

A partir de aquí, se desata el absurdo. La siguiente noche los parroquianos del lugar, animados por la cerveza, obligan al tabernero a mantener abierto el pub local después de la hora obligatoria de cierre, y cuando se presenta la policía para desalojar el local, se niegan a hacerlo, alegando que son un país extranjero, y por tanto no tienen porque obedecer las leyes inglesas. Pero a la mañana siguiente la broma ya no es tan divertida, cuando el barrio aparece tomado por hordas de estraperlistas, que vienen a vender abiertamente toda clase de artículos del mercado negro en sus calles, y ahora es la policía quien se niega a intervenir porque carece de jurisdicción en el ducado de Borgoña. A partir de aquí los acontecimientos se van enredando, la alta política se mezcla en el asunto, y todo se va volviendo cada vez mas y mas absurdo, regalándonos escenas de lo mas grotesco, como solo el humor inglés es capaz de conseguir: un puesto de aduana en mitad de la calle, donde un policía le contesta a una señora, irritada por tener que hacer una larga cola y presentar su documentación para comprar en su tienda de siempre, con un flemático: "señora, yo no tengo la culpa de que usted vaya a hacer la compra al extranjero", los vecinos cortando la vía del metro que atraviesa el barrio, e irrumpiendo en los vagones para pedir pasaportes a los pasajeros, usando el sello del colmado local como visado, el bloqueo del barrio por parte de la policía de Londres cuando las negociaciones con los vecinos, que pronto ven en el asunto la ocasión de conseguir mejoras para el barrio, se tuercen, y los ingeniosos trucos usados por los habitantes del barrio, y por quienes les apoyan fuera de él, para romper dicho bloqueo (impagable la escena del cerdo lanzado en paracaídas) Una película divertida, que te hará reflexionar de una forma amable pero inteligente sobre lo absurda que puede llegar a ser la política.

Recomiendo encarecidamente antes de visionarla escuchar algún noticiario político. A poder ser, que contenga las declaraciones de algún político nacionalista, henchidas de fervor patrio. Eso potenciará el humor de la película, y la apreciareis mucho mejor.

Campo de Batalla la Tierra

2010-06-20T07:05:00.000-07:00

Sin duda, la ciencia ficción es un genero que atesora gran numero de encendidas polémicas y debates. Autores y obras que cuentan con apasionados defensores y detractores, que hacen correr ríos de tinta, o de bits en estos tiempos cibernéticos, a la hora de enjuiciar sus presuntos méritos o defectos. Pero si hemos de elegir cual es el esqueleto en el armario por excelencia, la figura que hace que al nombrarla todos los aficionados al genero enrojezcan y miren al suelo, ese es sin duda L. Ron Hubbard, el hombre que colgó la máquina de escribir para internarse en los procelosos mares de la religión. El creador de una secta que se mueve entre el glamour de las grandes estrellas holliwoodienses y los escándalos financieros y judiciales. Hoy nos aproximaremos un poco a la figura del Hubbard escritor. Para hablar del Hubbard predicador, ya hay millones de sitios en Internet donde hacerlo. Y aquí, los predicadores, excepción hecha del personaje de comic que lleva ese nombre, nos interesan bien poco. Pero es innegable que los antecedentes del autor convierten a las dos novelas que componen la serie Campo de batalla La Tierra en una ambrosía friki de primera categoría.

Vaya por delante el hecho de que yo, personalmente, a los predicadores los tengo catalogados en la misma categoría que a los mosquitos de la malaria o las enfermedades venéreas. El mundo estaría mejor sin ellos. Por si ello no fuera suficiente, cuando cayeron en mis manos las dos novelas que componen la serie de la que hablo, no pude menos que recordar la infame película que se hizo basada en ellas. Es por ello que aborde su lectura cargado con una gran cantidad de prejuicios, y convencido que la abandonaría después de un par de capítulos, arrepintiéndome del tiempo malgastado. Pero cuando no fue así, me dije que a lo mejor era buena idea escribir una pequeña reseña al respecto. E intentar que fuera lo más imparcial posible. Porque todas las que he podido consultar juzgan la obra más en función de la opinión que les merece a su autor el Hubbard predicador que en la de sus propios méritos o carencias.

—aviso a navegantes: a continuación paso a destripar el argumento—

La acción de la novela transcurre en un futuro post-apocalíptico típico. Vemos a unos seres humanos que viven como salvajes en lo que se nos presenta como las ruinas de una ciudad perdida en las montañas que ha conocido mejores tiempos. El protagonista, Johnny Tyler, esta convencido de que su tribu debería abandonar esas insalubres montañas, donde solo hay hambre y enfermedad, y trasladarse a las llanuras, donde la caza es abundante, pero choca con la tradición. En esas llanuras habitan monstruos, dice la leyenda, y esta la gran aldea de los antepasados, que no debe ser perturbada. Evidentemente, nuestro protagonista hará caso omiso de las advertencias y marchara a explorar el valle. Por supuesto, hallará las ruinas de la aldea de los antepasados (mas adelante veremos que se trata de Denver), y allí sera capturado por uno de los legendarios monstruos.

Los monstruos no son otra cosa que extraterrestres a sueldo de la Compañía Minera Intergaláctica, corporación radicada en el planeta Psiclo que fue la responsable del genocidio de la raza humana, a fin de poder explotar en monopolio la riqueza mineral de la Tierra sin interferencias. La novela nos presenta a esta raza de extraterrestres como unos tipos sin escrúpulos y traicioneros, movidos solo por el afán de lucro. El monstruo que captura al protagonista es el jefe de seguridad al cargo del planeta, que pretende estafar a la corporación ocultando el descubrimiento de una mina de oro, y explotándola en secreto. Pero para ello, necesita trabajadores, y ha pensado en entrenar a humanos y usarlos como esclavos. Johnny sera el primero.

En el primer libro, asistiremos al entrenamiento del protagonista como minero. La tecnología extraterrestre posibilitará convertir a un salvaje en todo un experto en el manejo de maquinaria de alta tecnología, capaz a su vez de entrenar a otros. Pronto se dará cuenta tanto de que la corporación minera fue la causante del desastre de la raza humana, como de la corrupción generalizada de los cuadros directivos de dicha empresa, y así, aprovechando el clima de intriga y desconfianza, hará sus propios planes, que no son otros que entrenar en secreto a los futuros mineros como guerrilleros, para en su momento dar un golpe de mano y recuperar el control del planeta Tierra. La primera parte de la saga acaba con el triunfo de la insurrección terrícola contra los colonizadores de Psiclo.

En la segunda parte, mucho más compleja narratívamente, los revolucionarios triunfantes se enzarzaran entre ellos en luchas e intrigas políticas por el poder sobre el planeta reconquistado. También habrán de hacer frente al ataque de otras razas extraterrestres que, aprovechándose del vacío de poder creado por la retirada de Psiclo, pretenden hacerse con el apetecible botín que representa un planeta Tierra defendido por una aparentemente frágil fuerza guerrillera poco organizada. Finalmente, en un fino detalle de ironía, una vez alcanzada su independencia en el campo de batalla, estarán a punto de perder todo lo ganado a manos del Banco Intergaláctico, cuando descubren que, en calidad de nuevo gobierno, han heredado las deudas que con dicha entidad había contraído la corporación minera cuyo régimen derrocaron. Para esta última batalla les será necesario tanto ingenio o más que para la acción militar propiamente dicha.

La historia es interesante. No es una obra maestra, sin duda, pero su lectura es entretenida. Narratívamente, enseguida nos damos cuenta de quien es el maestro de Hubbard: personajes individualistas, desprecio hacía el poder organizado y a toda clase de gobierno, exaltación de la ética militar… es evidente que nos encontramos ante una imitación de Heinlein, a quien Hubbard dedica la obra. La influencia de este peso pesado de la ciencia-ficción es evidente a lo largo de toda la trama.

Finalmente, a modo de despedida, no puedo menos que insertar unos de los fragmentos de la novela que me ha llamado especialmente la atención:

Aquel lugar del sur de África cercano a la gran central eléctrica, utilizado por los terrestres para tender una trampa a las partidas, estaba siendo limpiado, y esto les dio la primera clave. Estaban edificando una estructura parecida a una pagoda; varias, en realidad. En unos viejos textos de referencia descubrieron que el diseño era el de un «templo religioso». De modo que los militares estuvieron de acuerdo en que el planeta había experimentado un nuevo alzamiento político. Se habían impuesto unos fanáticos religiosos. Las religiones eran muy peligrosas…, inflamaban a la gente. Todo gobierno sensato y sus militares debían aniquilarlas. Pero en ese momento no les interesaba la política y la religión. Esperarían.

Curioso viniendo de la pluma de un predicador, ¿no?

Conmemoremos el dia del orgullo friki.

2010-05-25T08:16:00.000-07:00

Hoy, dia 25 de mayo, aniversario del estreno de Star Wars, se viene conmemorando desde hace algunos años el Dia del Orgullo Friki. Iniciativa nacida, como no, en la Red, y que podemos decir que a estas alturas empieza a estar consolidada. Este blog se suma a la iniciativa e invita a todos sus lectores a exhibir su frikismo ante propios y extraños en un dia tan señalado.

Para mas informacion, la web oficial de la iniciativa: www.orgullofriki.com

La ciencia ficción distópica (Parte II, 1960-2010)

2010-04-30T16:58:00.000-07:00

Ilustración: vista imaginaria de la ciudad de Atlantis, quizá la primera utopía de la literatura.

Bueno, ha tardado un poco, pero al final aqui esta la segunda entrega de este repaso a la ciencia ficción distópica, a esas tiranías imaginarias del futuro, abarcando el periodo desde la decada de los 60 hasta nuestros días. Pasen y disfruten, o mejor dicho, pasen y teman al futuro que nos aguarda.

En 1967 se publica La fuga de Logan, novela de William F. Nolan y George C. Johnson. Se ambienta en una sociedad surgida de un conflicto generacional convertido, debido a la superpoblación, en guerra abierta, la Guerra Menor, de la que surge una sociedad regida por una inteligencia artificial, el Pensador, en la que es ley el obligado sacrificio de los mayores de 21 años. Todos los ciudadanos llevan implantado en la palma de la mano un circuito electrónico que computa el tiempo que le queda antes de entregarse al obligado ritual de suicidio, y delata a quienes tratan de huir de su destino. El protagonista, Logan 3, es miembro del cuerpo de élite encargado de la captura y ejecución de estos fugitivos, los Vigilantes. Durante la que parece una rutinaria misión mas, descubre que el fugitivo a quien acaba de ejecutar no actuaba solo, sino en conexión con una organización. Dicha organización, el Santuario, es una especie de leyenda urbana entre los Vigilantes. Logan 3, que se acerca a la edad del suicidio obligado, ve la forma de cerrar su carrera con un broche brillante, desmontando la organización rebelde y capturando al mítico Ballard, el legendario rebelde líder del Santuario. Para ello se infiltrará en la organización haciendose pasar por uno mas de los desertores. Sin embargo, a medida que la decadencia del sistema al que sirve le vaya siendo revelada, sus determinación flaqueará. Esta novela fue adaptada al cine en 1976, con algunos cambios (la edad del suicidio forzado pasan a ser los 30 años, y la inteligencia artificial regente es substituida por un consejo de ancianos) y a una serie de television en 1977. Esta todavía pendiente el proyecto de un remake de la película de 1976, en principio a cargo de Brian Singer.

Cartel de la película Rollerball, de 1975.

En 1975 se estrena Rollerball, pelicula dirigida por Norman Jewison. La acción transcurre en un mundo futuro dominado por las grandes corporaciones, en el que la iniciativa individual es desalentada, en pro del conformismo con el status quo. Para alimentar este conformismo, se ofrecen a las masas espectaculos con que evadirse, siendo el más popular el rollerball, una brutal competición mezcla de patinaje, motociclismo y lucha libre que se disputa en formato de torneo planetario, cuyo reglamento es permisivo con la violencia, y donde los accidentes graves son frecuentes. Jonathan (James Caan) es la estrella del equipo con base en Houston. Es un ídolo de masas... en una sociedad que no ve con buenos ojos que las masas tengan ídolos, aunque sean simples estrellas del deporte. La corporación energética propietaria del equipo le propone una retirada con todos los honores, y cobrando una elevada pensión, al termino de la temporada regular, pero Jonathan no esta conforme, quiere disputar los play-off. Para forzarle a aceptar la retirada, los propietarios de la liga, un grupo de grandes corporaciones, van endureciendo las reglas, primero, con el fin de hacerle ver que ya esta viejo para el juego, pero finalmente, con la clara idea de que Jonathan sufra un accidente mortal durante la disputa del juego. Asi hasta llegar a la final, que se disputa con una sola regla: todo vale, que se convertira en una autentica masacre, en la que Jonathan sera la pieza a cazar. De esta pelicula se hizo un olvidable remake en 2002.

En 1982 se publica la primera entrega de la serie de comic V de Vendetta, con guión de Alan Moore y dibujo de David Lloyd. La historia se ambienta en Gran Bretaña, en algún futuro posterior a una guerra nuclear, en el que un partido de inspiración fascista se ha hecho con el poder, discriminando y reprimiendo a todo aquel que no encaje en el patrón de blanco, heterosexual, cristiano y conservador. Un anarquista enmascarado que se hace llamar V comienza una campaña terrorista contra dicho régimen, asesinando altos cargos del partido dirigente, y colocando bombas en edificios oficiales, al tiempo que inunda Londres con propaganda subversiva. En un último enfrentamiento con la policia, V resultara herido de muerte, quedando el último acto de la revuelta en manos de su discipula, Evey Hammond, una joven a la que V rescató de un grupo de la policia secreta que pretendia violarla, y posteriormente adoctrinó. La historia fue llevada al cine en 2005 por los hermanos Wachowski, aunque la película se aparta en varios aspectos de la novela gráfica (entre otros, no es una guerra nuclear, sino un ataque con armas bacteriologicas la crisis que propicia la subida al poder de los fascistas). De hecho, mientras el comic esta considerado una denuncia contra el thatcherismo, la película es una metáfora apenas velada de la tesis conspiranoica del 11 de septiembre como autoatentado.

En 1984 se publica una de las novelas ms influyentes de la historia de la ciencia ficcion, Neuromante, de William Gibson, considerada la obra fundacional del movimiento cyberpunk. Se ambienta en un mundo futuro, nuevamente dominado por las grandes corporaciones, en el que la tecnología es omnipresente, la conexión cerebro-computador es posible, y los implantes de organos y miembros artificiales, tipo cyborg, son comunes. Henry Case es un antiguo hacker, ahora incapacitado para la conexión cerebro-maquina tras haber sido envenenado como venganza por haber robado al grupo mafioso para el que trabajaba. Convertido en un buscavidas mas de los suburbios de Tokio, sera contactado por una organización que le promete reparar el daño causado a su sistema nervioso a cambio de su colaboración como hacker en un audaz robo de información. Case asi se vera envuelto en un entramado de espionaje y corrupción a multiples bandas que implica hasta los niveles mas altos de la sociedad, al tiempo que descubrira que son las inteligencias artificiales las que están de hecho al mando del mundo en que vive.

En Gattaca, pelicula de 1997, dirigida por Andrew Niccol, son la biología y la obsesión por la eugenesia las que se encargarán de construir un mundo de pesadilla. En algun momento del futuro, los avances medicos han posibilitado la posibilidad de eliminar, no ya los mismos defectos, sino la simple propensión a padecerlos por manipulación genetica in vitro. Asimismo, tambien existe la posibilidad de computar, en base al genoma, la posibilidad de padecer dolencias específicas. Como consecuencia, nace una nueva discriminación, entre humanos concebidos in vitro, con el genoma corregido para eliminar cualquier defecto hereditario, y los humanos concebidos en forma natural. Los primeros optan a los mejores empleos, mientras los segundos son vistos y tratados como una casta inferior. El protagonista, Vincent Freeman (Ethan Hawke), joven de brillante intelecto, pero perteneciente a esta casta de desfavorecidos, desea ser astronauta. Pero evidentemente, ese es un empleo reservado a los miembros de la casta superior. Así que para burlar la discriminacion recurre a un ardid comun en esa sociedad: un intermediario le pondra en contacto con un miembro de la casta superior, postrado en una silla de ruedas tras un accidente. Este accede a a intercambiar su identidad con él por dinero. Sin embargo, las cosas se complicarán cuando el superior directo de Vincent sea asesinado, y la policia averigue que un "no mejorado" ha estado accediendo a zonas restringidas.

En 1999 los hermanos Wachowsky llevan la pesadilla cyberpunk a su ultimo extremo al convertir al ser humano en parte del hardware en su película mas famosa, Matrix. En ella, los seres humanos viven encerrados en tanques en estado de animación suspendida, alimentando con la electricidad obtenida de su calor corporal a las maquinas, mientras sus mentes, conectadas a un supercomputador, viven completamente ajenas a la realidad, encerradas en una fantasía que recrea el mundo de finales de los 90, previo a la guerra entre los humanos y las máquinas que arrasó el planeta. El protagonista, Thomas Anderson, alias Neo (Keanu Reeves), vive una doble vida: gris oficinista de dia, hacker de noche. Una cadena de acontecimientos extraños le llevara a contactar con Morfeo (Laurence Fishburne), un mítico pirata informático, que será quien revele a Neo la realidad del mundo en que vive, y le ofrezca la oportunidad de liberarlo para unirse a su lucha contra el tirano cibernético. Podríamos llenar paginas enteras con las metáforas que encierra esta película y sus dos secuelas (principios y finales de 2003, en mi opinion muy inferiores a la primera pelicula de la serie), su trasfondo filosófico y mitológico, asi como sobre su gran influencia estética y cinematográfica, especialmente para el cine de acción, que se hizo sentir durante toda la decada siguiente. Sin duda, hubo un antes y un despues de Matrix en el séptimo arte.

En el año 2000 se estrena la cinta japonesa Battle Royale, dirigida por Kinji Fukasaku, y protagonizada por Takeshi Kitano. Muestra un futuro cercano de caos y violencia, en el que la violencia juvenil esta fuera de control y las escuelas son el reino de las bandas. Un grupo de alumnos de una de estas conflictivas escuelas es secuestrado y llevado a una isla para participar en el Battle Royale, una cruel batalla de todos contra todos pensada como castigo ejemplarizante para los alumnos de las escuelas más conflictivas. A cada uno de los alumnos secuestrados se les entregará un arma al azar, para que peleen entre ellos con la única regla de que solo puede quedar uno. Pero un grupo de ellos conspirará para escapar de la isla, intentando un asalto al centro de control. Finalmente dos estudiantes, la pareja formada por Shuya y Noriko, consiguen escapar. El final de la pelicula nos los muestra convertidos en fugitivos, acusados de asesinato. La pelicula levantó en su momento una gran polemica por su alto contenido violento.

En 2002 se estrena Equilibrium, pelicula dirigida por Kurt Wimmer. Muestra un futuro posterior a la III Guerra Mundial en el que la idea central que sostiene toda la sociedad es la negación de las pasiones humanas, consideradas causantes de la destrucción del mundo en el pasado. Todos los habitantes de esta sociedad deben tomar diariamente una dosis de una droga llamada prozium, que actua como sedante de las emociones. Cualquier cosa que apele a los sentimientos, muy especialmente el arte y la literatura, esta estrictamente prohibida, y los clérigos, un cuerpo de elite entrenado en forma similar a monjes guerreros, se encarga de aplicar esta prohibición. El protagonista, John Preston (Christian Bale), miembro de este cuerpo, pierde por accidente una de sus dosis diarias de la citada droga, y las sensaciones que experimenta al verse su mente libre del freno de la misma le incitan a seguir prescindiendo de ella. Esto inicia una cadena de acontecimientos que le llevaran finalmente a contactar con un grupo de la resistencia, y a participar en un complot contra el gobierno.

En la pelicula La Isla, de Michael Bay, estrenada en 2005, se nos plantea un presunto futuro post-apocaliptico. Los supervivientes al desastre viven en un refugio en el que se recuperan de las dolencias derivadas de la exposición a la contaminación del exterior del que han sido rescatados, en espera a ser trasladados a La Isla, el ultimo lugar sin contaminar que queda en el planeta. Los cupos son limitados, y el traslado se hace por sorteo. Sin embargo, a medida que avanza la película, notamos que algo no cuadra. Algo en el reglamento estricto de ese establecimiento hace que parezca mas una prisión que un refugio donde se concentran los ultimos supervivientes de la raza humana. El protagonista, Lincoln 6 (Ewan McGregor), es uno de estos supuestos supervivientes. Siguiendo a un insecto atrapado, accederá a un área restringida del edificio, donde descubrirá la verdad: la contaminación exterior es una farsa, y los residentes son en realidad clones de personas adineradas del exterior, listos para ser sacrificados cuando sus organos sean necesitados para trasplantes. A partir de este momento la trama se centra en la fuga de Lincoln 6, y su búsqueda de su otro yo en el mundo exterior, en un intento de denunciar lo que ocurre tras los muros de lo que, en teoría, es una respetable empresa biomedica.

Para finalizar este artículo, hablaré de la ultima aportación al género aparecida hasta ahora, la saga literaria Los Juegos del Hambre, de Suzanne Collins, cuya primera entrega, con el mismo título, apareció en 2008. La acción transcurre en un lugar llamado Panem, cuya localizacion es indeterminada, aunque la narracion nos sugiere que se trata de Norteamerica en el futuro, tras una guerra civil devastadora, y en el que los descendientes de bando ganador viven en la opulencia, mientras oprimen a los descendientes de los perdedores, reduciendoles a la esclavitud. Collins toma para construir su mundo de pesadilla un modelo historico muy claro: la Roma decadente del primer siglo de nuestra era (un juego interesante para el lector de las novelas es descubrir los personajes secundarios cuyos nombres son referencia directa a ese periodo historico: Seneca, Plutarco, Claudio...) Asi, la vida de los privilegiados discurre entre placeres: los banquetes, las bacanales, y cómo no, el circo. Los juegos a los que hace referencia el título son futuristas y violentos combates de gladiadores, en los que solo puede sobrevivir uno. En la primera entrega de la saga, la protagonista, una adolescente llamada Katniss Everdeen, es seleccionada mediante un cruel sorteo para participar en este cruel espectaculo. Su inesperada victoria la convertira en un idolo de masas, mientras que su negativa a matar su ultimo oponente, un joven nativo de su misma aldea, la convierte en un simbolo de rebelión contra el tirano. En la segunda entrega de la serie, publicada a finales de 2009 con el título de En Llamas, y tan violenta como la primera, este aspecto de la trama se sigue desarrollando, dejandonos en el punto de estallido de la revuelta al final de la misma.

Y hasta aquí hemos llegado en este repaso del género, que se ha hecho más extenso de lo que en un principio había previsto, y aún así he descartado varios títulos bastante interesantes. Un género que sigue estando muy vivo, porque en realidad no nos habla del futuro, sino del presente, y de los mundos de pesadilla que podemos estar construyendo inadvertidamente en este momento.

La ciencia ficción distópica (Parte I, 1920-1960)

2010-04-05T11:30:00.000-07:00

Ilustracion: El sueño de la razón produce monstruos, de Goya.
Existen dos formas por medio de las cuales puede la ciencia-ficción hacernos sentir aprensión y hasta miedo del futuro que nos aguarda. De una de ellas ya hemos hablado en este mismo blog, se trata de las historias apocalípticas. Hoy quisiera tratar de la segunda via para temer al futuro, las historias distópicas.

Una distopía se define habitualmente como lo opuesto a una utopía, como una sociedad imaginaria injusta y opresiva en todos sus terminos, la tiranía perfecta. Por su oposición a la idea de utopía tambien es común referirse a este tipo de sociedades ficticias como anti-utopias. Es un genero estrechamente relacionado con el apocalíptico, hasta tal punto que numerosas obras poseen elementos de ambos, siendo dificil determinar cual predomina, el apocalíptico o el distópico. Esta relación nace de que, como norma habitual del genero distópico, es preciso un evento de tipo apocaliptico como punto de partida. Dicho evento justificará la existencia misma del regimen despótico, primero, como herramienta de supervivencia al desastre, y posteriormente, como unica salvaguarda ante su hipotetica repeticion. Podemos decir por tanto que sin apocalipsis previo, no puede haber distopía, ya que solo un miedo extremo puede de forma lógica conducir a una renuncia extrema a toda libertad.

Una vez queda justificado argumentalmente como puede llegar a existir una sociedad tan perversa, es el momento de explorarla. El protagonista de este tipo de relatos siempre sera un rebelde. Esto es algo que damos por supuesto, ya que el regimen tiránico que nos presenta el relato es una clara encarnacion del mal, y en la ficción lo mas habitual es que el mal deba combatirse. Pero la norma de estos relatos es que el protagonista no comience siendo el rebelde en que se convertira según avance la historia. Muy al contrario, al principio será una persona perfectamente integrada en el sistema. Puede que sienta suspicacia hacia él, pueda que incluso sienta que es injusto, que hasta se sienta oprimida, pero jamás pensaría en rebelarse contra él. Pero como no tendriamos historia si no lo hiciese, los acontecimientos acabaran por forzarle a hacerlo. Es importante observar que, aunque en muchas de estas historias aparecen como protagonistas aparentes personajes que, o bien son completamente ajenos a la sociedad presentada, extranjeros incapaces de comprenderla ni apreciarla, o bien desde un primer momento estan en abierta rebeldía contra ella, la principal función de estos personajes es abrir los ojos al personaje del que hablábamos primero. En realidad, lo mas importante que hacen en sus respectivas historias John el Salvaje o V es mostrarles a Bernard Marx o Evey Hammond hasta que punto han aceptado convertirse en esclavos, y convencerles de que merece la pena luchar. Llegados a este punto, podemos establecer que para tener una historia distópica necesitamos: una sociedad tiránica surgida de una gran catastrofe, un habitante de la misma cuya conciencia crítica es susceptible de ser despertada, un acontecimiento imprevisto que sacuda dicha conciencia, y habitualmente otro personaje que ejerza de guia al anterior.

Tambien es importante señalar que es muy común que estas historias acaben mal. El poder que enfrentan los protagonistas es demasiado grande como para aspirar a derrotarlo, y en realidad por lo que los personajes luchan es por su propia dignidad. Por morir de pie antes que vivir de rodillas, que diría el Che. En algun caso puede que el protagonista se salve, pero al precio de exiliarse de esa sociedad a la que se enfrentó. Es mas, incluso si la tirania llega a ser derrotada, el final acostumbra a dejar pendiente una incognita sobre el futuro. En el fondo, estas historias son fábulas morales, y su función es hacernos reflexionar sobre si no estamos construyendo nosotros mismos una distopía en este preciso momento. De hecho, el genero siempre ha crecido de la mano de males considerados como "efectos colaterales" del progreso tecnológico, y si bien ya a finales del siglo XIX algunas historias de clasicos como H.G. Wells, muy en particular La Maquina del Tiempo, en la que el protagonista especula sobre la posibilidad de que el mundo que esta viendo sea la consecuencia llevada al extremo de nuestra sociedad dividida en clases, empiezan a explorar el terreno y a advertir sobre el mal uso de la tecnología, realmente es al termino de la I Guerra Mundial cuando el genero de verdad despega. La primera Gran Guerra del siglo XX abrió la posibilidad de escenarios de destrucción global hasta entonces jamás imaginados, y sirvió a su vez como fermento para el crecimiento de ideologías que abogaban por el totalitarismo como precio a pagar por la utopía. La I Guerra Mundial, junto con el ascenso del fascismo y el marxismo-leninismo proyectaban una sombra ominosa sobre el futuro de la Humanidad que las artes narrativas no podían ignorar. Una vez puestos en antecedentes, es el momento de conocer algunas de las obras mas representativas de un siglo de existencia del género, advirtiendo, como siempre, que estos resúmenes contienen elementos de la trama, y en bastantes casos, monumentales spoilers.

Como la lista es larga, he preferido dividirla en dos artículos. en este primero, trataremos del periodo que va desde el fin de la I Guerra Mundial al termino de la década de los 50

Y ya que hemos hablado del bolchevismo como uno de los factores fundacionales del género, es lógico que comencemos nuestro repaso de los clásicos en Rusia. En 1922 Yevgeni Zamiatin publica Nosotros. La obra apareció primero traducida al francés, ya que el original ruso fue prohibido por la censura sovietica, no viendo la luz hasta la decada de los 50. Nosotros muestra una sociedad futura, fruto de una guerra llamada "la Guerra de los 200 años" en la que la vida esta regulada hasta en sus mas mínimos aspectos por horarios y regulaciones en busca de la máxima productividad. Los ciudadanos (llamados números) no tienen nombres, sino tan solo números de identificación. Su vida diaria esta regulada por horarios estrictos, entendiendose la misma como una prolongación de su jornada laboral. No tienen derecho a la intimidad, viven en casas de paredes transparentes, teniendo el derecho de correr las cortinas solo durante las horas designadas para la actividad sexual. Las relaciones sexuales son administradas por el Estado y están sujetas a una farragosa burocracia, con la idea de evitar la creacion de cualquier vinculo emocional considerado como irracional. Las ciudades estan cercadas por murallas que las aislan del mundo natural, considerado como salvaje y peligroso. El protagonista, un reputado ingeniero de cohetes, perfectamente convencido de la bondad del sistema en el que vive, empezara a ponerlo en cuestión al caer víctima de la pasión por una mujer, lo que hace saltar por los aires todo su esquema de valores. Finalmente se unirá a la causa de la rebelión por ella, pero acabara siendo vencido y reprogramado. No obstante la novela termina dando cuenta de que la muralla que aisla la ciudad de los bosques, refugio de disidentes y rebeldes huidos, esta siendo reforzada, lo cual nos indica que la rebelión esta lejos de haber sido vencida definitivamente.

Ilustración: cartel de la película Metropolis, con el famoso robot femenino que es su icono más reconocido.

De la Rusia post-revolucionaria saltaremos a otro laboratorio del totalitarismo, la Alemania de entreguerras, para hablar de una obra maestra del cine, una pelicula considerada habitualmente como una metafora de las luchas ideologicas de aquellos tumultuosos años, que acabaron por dar paso al nazismo. En 1927 se estrena Metropolis, pelicula dirigida por Fritz Lang, sobre un guion de su esposa Thea von Harbou. La acción tiene lugar en una futurista ciudad del siglo XXI, en la que una elite dirigente vive entregada a toda clase de lujos decadentes en los niveles mas altos de las grandes torres, mientras que las masas trabajadoras se hacinan en suburbios situados en los niveles inferiores de la ciudad, viviendo practicamente en la esclavitud. Estas masas oprimidas tienen una lider espiritual, una mujer llamada Maria. El alcalde de la ciudad, temiendo su influencia entre los desheredados, desearía intervenir contra este personaje tan molesto, pero el hecho de que abogue por la no-violencia le priva de la excusa necesaria para detenerla. Es entonces cuando cede a las sugerencias de un asesor, el clásico cientifico loco, de secuestrar a la verdadera María, y substituirla por un doble robotico (ese robot de formas femeninas tan seductoras que todos hemos visto alguna vez en algun corte de la película) que incitara a las masas a la revolución, proporcionando así la excusa perfecta. Sin embargo, cuando estalla la revuelta, resulta incontrolable y amenaza con destruir la misma ciudad. Pero mientras tanto, el hijo del alcalde que, secretamente enamorado de Maria había descendido a los niveles inferiores y visto con sus propios ojos la realidad de opresion que ocultaba su vida regalada, logra rescatar a la verdadera Maria, y lograr un acuerdo pacifico entre los revolucionarios y los dirigentes de la ciudad. Un final feliz que nos dice mucho de la delicadísima situación política de la Alemania de la época, y de los equilibrios que tuvieron que hacer los autores, cuyo mismo matrimonio acabaría fracasando por sus diferencias políticas.

Ilustracion: Aldous Huxley.

En 1932 aparece una de las novelas mas conocidas y referenciadas del género. Aldous Huxley, miembro de una familia con una larga tradición en el campo de la biología y la medicina, elige la guerra bacteriologica como camino para llevar a la humanidad al apocalipsis en su clásico Un mundo feliz. De esa destrucción nacerá una sociedad en que la ciencia y la técnica se postularán como unica salvaguarda frente al desastre. En esa sociedad, los hombres ya no nacen, son cultivados mediante clonación, y la educación consiste en un sofisticado sistema de lavado de cerebro cuyo fin último es acondicionar al futuro adulto al destino laboral que se la ha asignado previamente, ya sea como dirigente o como peon en una mina. Una sociedad rigidamente estructurada en castas, en la que el consumismo desenfrenado es norma de obligado cumplimiento, con gran cantidad de pasatiempos banales para evitar la tentación del pensamiento critico, entre los cuales están un sentido del erotismo puramente lúdico y un narcótico ansiolitico, el soma, cuyo consumo es recomendado ante cualquier atisbo de infelicidad. Bernard Marx, miembro de la casta intelectual descontento con su propio status y reputacion dentro de la misma, conocerá durante una visita rutinaria a una reserva de indigenas primitivos a un carismatico personaje, John el Salvaje. Convencido de que ha encontrado la llave para acceder a los circulos de la alta sociedad, Bernard conducirá a John al mundo "civilizado", donde, como habia calculado, producira un hondo impacto. Sin embargo, pronto comenzaran los problemas, pues John el Salvaje, carente de los condicionamientos de los "civilizados", pronto comenzara a denunciar este mundo perfecto como una tirania encubierta, y a sus civilizados habitantes como esclavos demasiado estúpidos para ser conscientes de su propia esclavitud. Con ello provocara la caida en desgracia de su protector, cuya conciencia crítica acabara despertando en este proceso, que acaba con el destierro de Bernard a un puesto provinciano, y con la destruccion de John a manos de la despiadada "civilización".

En 1936 se estrena La vida futura, producida por Alexander Korda y dirigida por William Cameron Menzies, basada en la novela de H.G. Wells La forma de las cosas venideras. El hilo conductor de la película son las diversas generaciones de una misma familia, los Cabal. La película comienza con el estallido de una segunda (estamos hablando de 1936, recordemos) guerra mundia en el año 1940 (la predicción falló por tan solo un año) que se prolonga durante décadas, y que acaba con la destrucción de la civilización, tal como la conocemos. El mundo regresa al feudalismo, con señores de la guerra y lideres tribales luchando entre si por el dominio de los pequeños reinos en los que ha quedado dividida Europa, y de los restos de la ya decadente tecnologia militar, hasta que aparecen los emisarios de una extraña organización que, desde su base en Oriente Medio, trata de reconstruir la civilización, con, como no podia ser de otro modo, la sumision a la ciencia como norma. La fuerza militar de los recien llegados pronto derrota a los señores feudales, empleando para ello una rigurosa contención, prefiriendo el uso de medios antidisturbios antes que de la fuerza letal. La película da un nuevo salto al futuro de un par de generaciones, para mostrarnos esta sociedad perfecta ya establecida, pero que en su seno empieza a dar muestras de disidencia. La sumisión total a la tecnología no es del gusto de un grupo de ciudadanos, mas inclinados hacia las artes, que hacen de la oposición hacia un nuevo proyecto de exploración espacial su bandera. Pronto estalla la violencia entre ambos bandos, lo que conduce a la ruina de esta sociedad perfecta.

Ilustración: George Orwell

Daremos ahora un salto en el tiempo, en el cual dejaremos atras la II Guerra Mundial, cuyos horrores no parecian otra cosa que confirmar las peores pesadillas de la ciencia ficción. En 1949 se publica la obra fundamental, el verdadero buque insigina del genero, la visión del futuro mas pesadillesca jamas imaginada. Una novela cuya influencia será tan grande que hoy día, incluso gente que jamas la haya leído sin duda sabe a que nos referimos cuando hablamos de una sociedad orwelliana. Cómo no, estamos hablando de 1984. George Orwell, periodista de ideas izquierdistas, que luchó como voluntario en la Guerra Civil Española, profundamente desengañado por el totalitarismo en que había degenerado la revolucion rusa, imagina un futuro de opresión absoluta, donde la privacidad no existe, pues las camaras de vigilancia de la policia política están en todas partes, incluyendo las casas de los ciudadanos, donde todo el mundo es animado a convertirse en delator, donde la censura es absoluta y las hemerotecas son continuamente revisadas para eliminar cualquier información que pueda contradecir la política actual del gobierno, donde se mantiene un estado de guerra perpetua entre potencias continentales que justifica el regimen opresivo encabezado por el tirano cuyo titulo ha pasado al imaginario popular como sinonimo del dictador perfecto, el Gran Hermano. Winston Smith, gris burocrata de esta maquinaria, entrara, de nuevo a causa de una mujer (ya empieza a ser recurrente) en contacto con la resistencia contra esta tiranía. Sin embargo, para su desgracia, acabara descubriendo que dicha resistencia no existe, que es una estratagema mas de la maquina represiva, que tambien necesita enemigos internos a los que poder represaliar públicamente.

Ilustración: el senador Joseph McCarthy, cuya "caza de brjuas" anticomunista inspiro la novela Fahrenheit 451

En 1953, en pleno apogeo del macarthismo y su pasión censora, se publica Fahrenheit 451. Obra de Ray Bradbury, muestra un mundo futuro donde la censura es absoluta. En esa sociedad está absolutamente prohibido poseer libros, encargandose a los bomberos la quema publica de los mismos. Bradbury describe un mundo hipnotizado por el entretenimiento insubstancial en forma de telecomedias banales, automoviles que corren a altas velocidades por las autopistas, y una continua propaganda sobre la inminente guerra, donde el simple hecho de salir a pasear, pudiendo en su lugar conducir un coche ostentoso, es considerado como abiertamente antisocial. El protagonista, Guy Montag, uno de los bomberos encargados de la quema de libros, al principio sintiendo curiosidad por ese mundo que combate, comienza a llevarse libros a su casa y a leerlos a escondidas. Esto le hará cuestionarse el sistema al que sirve. Ni que decir tiene que acabará siendo descubierto, teniendo que huir de la ciudad para salvar su vida. Una vez en los bosques (esto tambien se esta convirtiendo en una tendencia) conocera a los hombres-libros. Personas que han huido tambien de esa sociedad, y han decidido salvar la cultura perseguida memorizando los libros. Estos rebeldes acogeran a Montag asegurandole que conocen tecnicas para hacerle recordar cada palabra de lo que alguna vez ha leido, y que por lo tanto el sera un valioso aporte a su biblioteca humana. La historia termina con el estallido de la anunciada guerra, con los hombres-libro viendo desde su refugio como caen los misiles sobre la ciudad.

En 1954 aparece Mercaderes del espacio, obra de Frederik Pohl y Cyril M. Kornbluth. Mercaderes del espacio puede considerarse como una obra adelantada a su tiempo, ya que en una epoca en el que el terror rojo y la guerra atómica eran los temas recurrentes del género, nos plantea una sociedad futura dominada por las grandes corporaciones, donde la política ya no tiene ningun poder y las grandes firmas llegan a tener sus propios escaños en el Congreso de los Estados Unidos. Una historia que parece entroncar directamente con las fantasias cyberpunk que apareceran treinta años mas tarde. El protagonista, Mitchell Courtenay, alto ejecutivo de una importante firma publicitaria, está en la cuspide de su carrera profesional cuando una maniobra de un rival celoso por su ultimo ascenso le derriba de su posición en la cima de la pirámide. Secuestrado, es entregado como peón a una plantación en Costa Rica, donde han falseado su identidad, dejandole sujeto a un contrato laboral que es lo mas parecido a una sentencia a trabajos forzados que en esa sociedad presuntamente perfecta existe. Pero allí Courtenay contactará con la resistencia, un grupo llamado los consistas, de ideologia pseudoecologista, considerados los mayores enemigos de la sociedad. Inicialmente, Courtenay planea utilizarlos para escapar y recuperar su posición social, pero para cuando lo hace, la ideologia rebelde ya ha calado demasiado hondo en el, convirtiendole, en sus propias palabras, "en un amo que ahora despreciaba los ideales de la sociedad". Esto, naturalmente, le llevara a participar en un complot de gran envergadura, y finalmente, al exilio en la colonia espacial de Venus, una vez desenmascarado como conspirador. Una colonia que, secretamente, esta bajo control rebelde.

Pongo aquí de momento fin a esta primer repaso de algunos de los clásicos del genero. En la segunda entrega, analizaremos lo que ha dado de si desde la década de los sesenta hasta nuestros mismos días, que ha sido mucho, y muy bueno.

Cantinflas: Su Excelencia

2010-03-26T13:46:00.000-07:00

El genial y nunca suficientemente reconocido comico mexicano Mario Moreno, Cantinflas, ha abordado en diversas ocasiones la satira de contenido social y politico, siempre con notables resultados. Quiza una de sus mas logradas intervenciones en este terreno es Su Excelencia, donde nos da su particular vision sobre la Guerra Fria, y las relaciones de las grandes potencias con el Tercer Mundo.

En esta pelicula, Cantinflas interpreta a uno de sus entrañables perdedores, Lopitos, gris funcionario de la embajada de Los Cocos, una imaginaria republica bananera de Latinoamerica, en la capital de Pepeslavia, hipotética republica de la Europa del Este en tiempos del comunismo. Por una serie de comicas casualidades del destino, Lopitos es ascendido al cargo de embajador justo en un momento clave de las relaciones internacionales. En la capital de Pepeslavia esta a punto de celebrarse una conferencia internacional que pretende poner fin a la Guerra Fria, por el metodo de poner a votacion entre los diversos paises el sistema por el que a de regirse el mundo a partir de entonces, comunismo o capitalismo. En esa situacion, la voz de los paises del Tercer Mundo se hace repentinamente de una importancia capital, ya que son sus votos los que decantaran una balanza igualada entre ambos bloques, y muy especialmente el de la republica de Los Cocos, cuyo gobierno no da señales de haber decidido su posicion en visperas del importantisimo evento.

De repente, Lopitos es, sin comerlo ni beberlo, el hombre del momento, asediado por los medios de comunicacion y centro de todas las intrigas politicas posibles. Los acontecimientos se sucederan a un ritmo demencial. Cantinflas hace gala de su habilidad de, en palabras de uno de los personajes, “hablar mucho y no decir nada”, para conseguir que su personaje lidie con exito con los diversos agentes de las distintas potencias que tratan de sonsacarle el sentido de su voto.

La pelicula tiene escenas memorables, como la de la cena de gala en la embajada de Los Cocos, en la que, al mismo ritmo que los platos del menu, van siendo servidos los teletipos que informan de los sucesivos golpes de estado que estan teniendo lugar mientras tanto en el país de los anfitriones, o sobre todo, la apoteosis final, el discurso de Lopitos frente a la Asamblea de las Naciones, en la que, sin perder en ningun momento el tono jocoso, hace una demoledora critica tanto a comunistas como a capitalistas, y a la relacion de los bloques con el Tercer Mundo, justo antes de desvelar el secreto mejor guardado de la pelicula, el sentido de su voto, que no desvelare aqui, por supuesto. Tendras que ver la pelicula para saberlo. Sin duda disfrutaras viendo una pelicula que te hara reir, y tambien te hara pensar.

La Parada de los Monstruos

2010-03-22T05:51:00.000-07:00

Sin duda uno de los clásicos del terror bizarro, Freaks (La Parada de los Monstruos), de Tod Browning, es una de esas películas que no puede faltar en la videoteca de todo friki que se precie. Estrenada en 1932, nos cuenta la historia de una trapecista de circo que, enterada de que uno de los enanos del espectáculo es el afortunado beneficiario de una millonaria herencia, se propone seducirlo para, una vez convertida en su esposa, asesinarlo y disfrutar de su fortuna como viuda alegre. Desgraciadamente, el resto de monstruos del espectáculo pronto descubren sus planes, y decididos a defender los intereses de uno de los suyos, tomaran cumplida venganza, una venganza que te demostrara que hay cosas mucho peores que la muerte.

Sin duda, el punto fuerte de esta película, y lo que la ha hecho famosa manteniendo su aura de polémica hasta nuestros días, es el hecho de que todo lo que veras en pantalla es auténtico. Aquí no hay efectos especiales ni trucos de maquillaje que valgan. Todos los monstruos del reparto son verdaderos tullidos que se ganaban la vida exhibiendo sus deformidades en espectáculos circenses como el que sirve de marco a la acción. Browning nos presenta con gran naturalidad, e incluso romanticismo, escenas tan grotescas como la del marido de una de las hermanas siamesas, que ha de acostumbrarse a la inevitable presencia de su cuñada incluso en las situaciones mas intimas.

Quizá la escena mas famosa de la película es la de la cena de bienvenida al club de monstruos de la bella esposa del multimillonario enano, en la que una gran copa de ponche va pasando de babosa boca de monstruo a babosa boca de monstruo, para finalmente ser ofrecida a la homenajeada, la cual, al rechazar con asco tan gran honor, sella su fatal destino. Una película que, a pesar de los muchos años transcurridos desde su estreno, aun hoy puede provocar algún escalofrío en estómagos poco curtidos. Una obra maestra de visionado obligatorio si de verdad quieres llegar a algo en esto del frikismo.

La censura que nos trae el futuro, tercera parte.

2010-03-20T09:23:00.000-07:00

Quisiera, de momento, terminar esta pequeña serie sobre las leyes liberticidas que se estan aprobando últimamente para intentar controlar Internet, leyes abocadas al fracaso por tanto que lo que intentan es frenar un nuevo paradigma surgido del avance tecnológico, invitandoos a escuchar aténtamente esta interesante conferencia. El ponente es Carlos Sánchez Almeida, y tuvo lugar el dia 3 de Marzo de 2010, en la Escuela de Ingenieros de Telecomunicaciones de la Universidad Politécnica de Madrid. Recomiendo escucharla con atencion.

Por el momento es todo sobre este asunto. En breve el blog regresara a su temática habitual centrada en la cultura popular y sus expresiones, despues de este necesario paréntesis, para tratar un tema que creo que a todos nos concierne.

La censura que nos trae el futuro, segunda parte.

2010-03-19T08:39:00.001-07:00

Permítaseme apartarme por un momento de la temática habitual de este blog, para tratar un tema inquietante. Hace unos días abría también en este mismo blog un hilo para comentar la mal llamada Ley Sinde, una ley que, con la excusa de luchar contra lo que llaman la “lacra de la piratería”, pretendía crear una jurisdicción administrativa previa a los tribunales de justicia, de forma que las denuncias contra sitios web que proporcionaban enlaces a copias digitales compartidas de materiales audiovisuales pudiesen ser intervenidas “preventivamente”, sin mediar la autorización judicial obligatoria hasta el momento. La excusa es que la administración de justicia estaba colapsada y era demasiado lenta. La verdad es que dichos expedientes se estaban tramitando eficientemente y sin demoras dignas de mención, pero lo que pasaba es que lo habitual, por no decir lo normal, es que se resolviesen en contra de los intereses de la parte demandante, es decir, de los interesados en el cierre de dichos sitios.

Esta noche, en vísperas de un día festivo en muchas de las comunidades autónomas que componen España, se ha procedido a aprobar tan polémica medida. Casi de escondido, sin el necesario debate que medidas de tan gran calado exigen. Con nocturnidad y alevosía, como dirían los clásicos del genero policial. Cada vez nos estamos acostumbrando mas a disposiciones administrativas que modifican, recortan o derogan leyes de derechos fundamentales. La sociedad civil no puede quedarse de brazos cruzados ante estos abusos, o cualquier día nos despertaremos en una dictadura. Es por ello que quisiera invitar a los lectores españoles (dado que se trata de una ley española) de esta humilde bitácora a unirse a las acciones de protesta pacifica que, como ciudadanos libres amparados por las leyes, tenemos derecho de llevar a cabo. Particularmente, el que les escribe ya ha firmado el manifiesto de la Federación de Asociaciones de Consumidores y Usuarios denunciando esta medida legislativa. Pueden encontrar la posición de la citada asociación explicada en este enlace:

https://www.facua.org/es/noticia.php?Id=4922

y unirse al manifiesto en este otro:

https://www.facua.org/es/sieslegaleslegal/index.php

Cuando el poder pretende abusar del ciudadano es, no ya el derecho, sino la obligación de este último engrosar las filas de la desobediencia civil. Están en juego cosas mas importantes que escuchar música en Internet, aunque quieran convencernos de lo contrario.

Tambien añado el enlace al imagino que ya conocido Manifiesto en Defensa de los Derechos Fundamentales en Internet. En un dia como hoy, es obligado recordarlo.

http://www.enriquedans.com/2010/03/manifiesto-%E2%80%9Cen-defensa-de-los-derechos-fundamentales-en-internet%E2%80%9D-ii.html

Watchmen (el comic)

2010-03-11T11:35:00.000-08:00

Todo el mundo de rodillas, por favor…

Entre 1986 y 1987 se publicó el que esta considerado uno de los mejores comics de superhéroes que existen: Watchmen, una serie de 12 números con guión de Alan Moore y dibujo de Dave Gibbons, es cualquier cosa menos un tebeo de superhéroes corriente. La acción tiene lugar en una realidad alternativa, en la que Estados Unidos habría ganado la guerra de Vietnam y el escándalo Watergate no se habría llegado a producir, entre otras diferencias con el mundo real. En este mundo figurado, en un escenario que el autor sitúa en Nueva York y en 1985, en un ambiente pesimista, de crimen y miseria en las calles, y de voces anunciando la inminencia de la III Guerra Mundial en las noticias, trascurre la existencia crepuscular de un grupo de antiguos superhéroes.

Watcmen es una autentica obra maestra del genero. Ganadora de numerosos premios, entre ellos el premio Hugo de 1988 en la categoría de Otros formatos, la única novela gráfica que ha obtenido hasta el día de hoy este prestigioso galardón, Watcmen captura enseguida la atención del lector, sumergiéndole en un suspense que va en aumento hasta un final espectacular y sorprendente. Las pausas dramáticas al final de cada uno de los doce capítulos mantienen el suspense, y los personajes están definidos con maestría. Al final de cada uno de los capítulos hay un anexo, en el que se presenta al lector algún documento (articulo periodístico, ficha policial, etc.) al que se ha hecho referencia en la historia, y que permite ampliar la comprensión de la misma, al definir el marco en que tiene lugar con mayor precisión.

Los personajes.

En la historia aparecen dos grupos de superhéroes bien definidos, por su pertenencia a dos generaciones consecutivas. Como miembros de la primera generación, que actuaría entre las décadas de los 30 y los 40 encontramos a los siguientes personajes:

Buho Nocturno I. Su aspecto e indumentaria recuerdan claramente a un personaje clásico del genero: The Phantom (el Hombre Enmascarado) al igual que él, se hace acompañar de un perro, que lleva el nada equívoco nombre de Fantasma. Autor de un libro de memorias en el que desvela algunos de los aspectos más turbios de la vida privada de algunos héroes enmascarados.

Fantasma de Seda I. Mas a menudo referenciada en la historia por su nombre civil, Sally Jupiter, es una mujer con fama de casquivana. Con arranques de diva, utiliza su carrera de superheroína como medio de conseguir fama suficiente para dar el salto a Hollywood. Madre de una hija a la que instruirá en la carrera de heroína enmascarada.

Como miembros de una segunda generación, que actuaría durante los años 60 hasta mediados de los 70, cuando la actividad de héroe enmascarado quedaría prohibida por ley, encontramos a los siguientes personajes:

Rorschach. Personaje obsesivo y fanático, Rosrschach actúa en el mismo entorno y con métodos similares a los de los detectives más duros de la novela negra. También su indumentaria (gabardina y sombrero) recuerda a estos personajes. La única diferencia es la mascara, que le cubre completamente la cara no dejándonos ver ni siquiera los ojos del personaje, y que sigue un diseño de manchas negras simétricas sobre fondo blanco como las del test psicológico del que toma su nombre el personaje. El diseño de dichas manchas cambia según la situación, dando así un atisbo de expresividad al personaje, cuyo rostro permanece siempre oculto, y cuya identidad no se desvelará hasta muy avanzada la historia. Su situación es la de proscrito, ya que se negó a acatar la ley de prohibición de actividades heroicas, y continuo su carrera en la clandestinidad.

Buho Nocturno II. Si el primer Buho Nocturno era claramente El Fantasma que Camina, no cabe tampoco ninguna duda que el segundo es un clon de Batman: un traje de diseño similar, multitud de gadgets tecnológicos, un escondite secreto bajo los cimientos de su casa, obsesión con el mundo nocturno, dominación de su personalidad normal por su alter-ego enmascarado hasta el punto de afectar sus fantasías sexuales… forzado a retirarse por la ley de prohibición, añora sus días de gloria como superhéroe.

Doctor Manhattan. El único personaje de la historia que posee auténticos superpoderes, fruto del clásico accidente radiactivo en el laboratorio. Capaz de dominar la materia a niveles de la física cuantica, es prácticamente un dios todopoderoso. Sin embargo, ese mismo poder le hace perder toda capacidad de empatía emocional con la sociedad, ya que es capaz de ver pasado, presente y futuro como un todo, y esta convencido de que todo es pasajero, y en ultimo termino, inútil. Se le representa como un hombre calvo, de piel azul (color que hace resaltar aun más la frialdad de pensamiento del personaje) mirada casi siempre inexpresiva y que excepto en contadas ocasiones aparece completamente desnudo. Dado su gran poder, fue liberado de la obligación de retirarse a condición de poner sus poderes al servicio del Gobierno.

Fantasma de Seda II. Hija de la primera Fantasma de Seda y de un padre desconocido (el misterio de cuya identidad es una subtrama por derecho propio en el argumento), y compañera sentimental del Doctor Manhattan, fue entrenada por su madre desde niña para sucederla en el “negocio familiar”. Como consecuencia, es ahora una treintañera sin ningún oficio y sin mas amigos que antiguos superhéroes forzados a la retirada como ella misma, resentida por haber desperdiciado su adolescencia encerrada en un gimnasio entrenando para convertirse en una supermujer, y su juventud saltando por los tejados vestida de carnaval.

Ozimandias. Considerado el hombre más inteligente del mundo, previendo las dificultades sociales a las que inevitablemente se acabarían enfrentando los superhéroes, se retiro en la cúspide de su fama, antes de que la ley forzara a los superhéroes a la retirada, montando una empresa para explotar comercialmente su imagen de superhéroe. Hoy es un mecenas millonario.

Finalmente, haciendo de puente generacional entre ambos grupos, encontramos al personaje de El Comediante, él mas joven del primer grupo, y él mas veterano del segundo. El Comediante evita el retiro forzoso al acceder a trabajar a las ordenes de Washington, igual que el Dr. Manhattan. Su trabajo para ellos consiste en actuar como paramilitar mercenario en zonas conflictivas. Personaje cínico, amoral y completamente carente de escrúpulos, con una filosofía de vida completamente nihilista, ha encontrado en la violencia una forma de vida.

La historia.

Poco se puede contar del argumento sin destruir el suspense y desgraciar irremediablemente la lectura de la obra, así que seré muy breve: todo comienza con el asesinato del ultimo personaje del que habíamos hablado, El Comediante. La policía cree que fue obra de un ladrón, pero Rorschach duda que un simple ladrón pudiera asesinar a un profesional de la violencia como El comediante. Convencido de que hay algo más turbio detrás, comenzará a investigar por su cuenta. Para ello contactará con sus antiguos camaradas. A partir de aquí, la historia comienza a cobrar vida propia y a volverse cada vez más compleja.

El lenguaje narrativo hace uso de numerosos flashback para definir elementos del pasado que condicionan el presente, recursos aparentemente triviales en un capitulo pueden convertirse en una clave un par de capítulos mas adelante, la historia se ramifica en numerosas subtramas argumentales independientes, que sin embargo, poco a poco acaban encajando como un puzzle para dar una visión de conjunto final única. Y el final es espectacular y completamente inesperado.

En resumen, una autentica obra maestra del género.

Nota. Escribí originalmente este artículo en los dias previos al estreno de la película basada en el comic citado. Para aquellos que solo conozcan la película, no puedo menos que recomendar la lectura de la obra tal como fue originalmente concebida. Seguro que les aclarará bastantes puntos no demasiado claros del argumento.

¿Quién puede matar a un niño?

2010-03-02T11:09:00.000-08:00

Indudablemente, en España se conoce mas a Narciso “Chicho” Ibáñez Serrador en su faceta de productor de shows y concursos televisivos. Este personaje, sin embargo, tiene una segunda faceta, menos conocida quizá, pero sin duda mucho más interesante: la de director de cine de terror, con películas tan inquietantes como “¿Quién puede matar a un niño?”, autentica película de culto del género, estrenada en 1976. Pelicula polemica que en su dia fue censurada en numerosos paises, entre ellos, como no, la propia España, y que aun hoy sigue estando prohibida en sitios tan civilizados como Finlandia. Pero, ¿qué es lo que tiene esta película para causar tanto revuelo?

En ¿Quién puede matar a un niño? asistiremos a las desventuras de una pareja de turistas, ella en avanzado estado de gestación (detalle importante para una de las más truculentas escenas de la película) cuando sus vacaciones soñadas se conviertan en una verdadera pesadilla infantil. Nuestros turistas llegaran a una apartada isla de la costa del Mediterráneo, dispuestos a instalarse en un pequeño pueblo. La película nos muestra el típico pueblo de casitas blancas que aparece en las postales, con un sol radiante, (la acción de la película, interesante es señalarlo, trascurre a plena luz del día) mar en calma, etc. Vamos, el típico entorno paradisíaco si no fuera por el detalle de que no se ve un alma por parte alguna. El pueblo parece abandonado, y abandonado a toda prisa además. Pero pronto descubrirán que no es así.

Los niños del pueblo. Encantadores, ¿no es así?

En efecto, de repente empiezan a aparecer unos niños la mar de raros que no hablan, solo miran, se ríen por lo bajini y salen corriendo sin decir palabra. Los protas ya empiezan a ponerse moscas cuando aparece el primer adulto, un viejo con cara de estar cagado de miedo. Pero antes de poder decirles lo que pasa, uno de los críos aparece y lo muele a palos entre risas, como si fuera el juego mas divertido del mundo.

La famosa escena de la piñata, verdadero icono de esta película.

Los psicopatas infantiles rodean la casa donde se esconden los protagonistas.

A partir de aquí, los protagonistas empezaran a indagar y descubrirán que todos los niños del pueblo se han vuelto psychokillers y se han cargado a todos los adultos del pueblo. Memorable al respecto la escena de la piñata. Los protagonistas, evidentemente, trataran de escapar. Pero, huelga decirlo, los niños no les van a dejar huir así como así. Al final… pero mejor no te lo cuento. Mejor que la veas. Seguro que miraras de otra forma a los tiernos infantes después de verla.

Todos los niños a la carga: sangre, sangre

Basket Music

2010-02-26T17:51:00.000-08:00

El pez que salvo Pittsburgh es el alucinante título original de esta no menos alucinante y mitica película de 1979. ¿Que nunca hasta ahora habias oído hablar de ella? Amigo, tú no eres aficionado al baloncesto, ¿verdad? Basket Music era poco menos que una leyenda urbana entre la chavaleria que, a principios de los ochenta, en plena epoca del primer boom basquetbolistico en España, saltabamos en pos de la pelota en cualquier cancha callejera. Eran los tiempos de Magic Johnson, Larry Bird, los miticos duelos Lakers vs Celtics… y esta pelicula formaba parte de todo aquello.

Mitomanías aparte, nos hallamos delante de una comedia deportiva típica y tópica. Julius Erving, el mítico Dr. J, gran estrella del basket durante las decadas de los 70 y los 80, interpreta a Moses Guthrie, jugador franquicia del peor equipo del campeonato. Un comentario suyo al azar, sobre su mala estrella, dara a uno de los recogepelotas del equipo la clave sobre la mala marcha del mismo: sus jugadores no son astrologicamente compatibles entre si. El chico convencera primero a Moses, y luego al propietario del equipo, para rehacer el mismo con jugadores astrologicamente compatibles con Moses. Jugadores que han de ser todos del signo zodiacal piscis.

Dicho y hecho, enseguida se le da la carta de libertad al resto de la plantilla y, bajo la supervision de una astrologa, se convocan pruebas de seleccion de aspirantes a entrar en el equipo, a la que se presentan toda clase de estrafalarios personajes. Los astros decidiran que sean los mas raros entre los raros, dos gemelos identicos, un indio loco, un sordomudo aficionado a los juegos de magia, un reverendo que deja plantados a sus feligreses en plena misa para presentarse a las pruebas, un musulman que siempre juega con su pañuelo de beduino en la cabeza, un dj de una emisora local, un excombatiente del Vietnam chiflado… los elegidos para formar parte del equipo más estrafalario de la liga: los Pittsburgh Piscis.

Imagen: los Piscis de Pittsburgh en el vestuario, escuchando los consejos del cuerpo técnico.

Mención especial merece tambien el cuerpo tecnico: un preparador fisico que no se quita en ningun momento el cigarrillo de la boca, el entrenador que no tiene ni idea de que es eso del baloncesto, y al que el dueño del equipo eligio porque pasaba por alli, y sobre todo, la astrologa oficial, Mona Mondieu. Los estrafalarios personajes provocan la risión de sus adversarios al saltar a la cancha por primera vez… hasta que el balon se pone en movimiento.

Hablemos claro: es una pelicula hecha por fanáticos del baloncesto para fanáticos del baloncesto, asi que la mayor parte del metraje esta dedicado a jugadas de fantasía: mates de espaldas, pases picando contra tablero, fintas estilo globetrotters… la parafernalia clasica de cualquier partido de All Stars. Los Piscis revolucionaran el campeonato, y con su juego preciosista se plantaran en la final, en la que se enfrentaran al equipo de Los Angeles, que agrupa a la mayoria de jugadores descartados para construir el nuevo equipo, que vienen con animo de revancha. Y por si esto fuera poco, mas problemas: la final se va a disputar bajo una inusual conjuncion astral, una conjuncion nefasta para los nacidos bajo el signo de piscis. Y la astrologa del equipo ha desaparecido en tan decisivo momento. ¿Podran los Piscis sobreponerse a tanta adversidad y alzarse con el campeonato? Si quieres saberlo, tendras que ver la pelicula.

Algunos puntos a destacar:

La decoración de la cancha en la que se juega la gran final. Autentico monumento a la horterada setentera.

La banda sonora, pletórica de funky setentero. A destacar el numero de The Sylvers en el descanso de la gran final.

El equipo de Los Angeles, que realmente esta formado por destacados jugadores de Los Angeles Lakers de la época, con Kareem Abdul-Jabbar a la cabeza.

Los diversos jugadores de la NBA de la epoca, que aparecen a lo largo de la pelicula haciendo cameos.

En fin, una pelicula para pasar un rato entretenido, sin mas pretensiones. Sobre todo si te gusta eso del baloncesto.

P.D. Este articulo fué escrito originalmente un 25 de febrero, y repescado para su publicación en este blog un 27 de febrero, por un articulista nacido un 2 de marzo. Que no se diga que no estamos en onda con el argumento de la pelicula.

Articulo publicado originalmente en el sitio Mondofriki.com, el 25-02-2007

La Invasión de los Ladrones de Cuerpos

2010-02-23T19:08:00.001-08:00

Usted será el siguiente…

Los manuales de psiquiatría definen el Síndrome de Capgras como el trastorno psiquiátrico en el que el afectado cree que una persona conocida suya ha sido substituida por un doble idéntico en todo. El buen aficionado al cine de terror, al oír esta descripción de una patología médica existente en la realidad, sin duda no podrá evitar un escalofrío mientras en su mente se dibuja la imagen, en blanco y negro, de una vaina de habichuelas gigante que jugaba un papel estelar en una de las películas más inquietantes del género. Como sin duda has adivinado desde el mismo momento en que comenzamos a hablar de dobles, vamos a hablar de La invasión de los ladrones de cuerpos.

Como de costumbre, aquí toca avisar que vamos a desvelar detalles de la trama de la película.
La invasión de los ladrones de cuerpos, dirigida en 1956 por Don Siegel, se basa en una novela por entregas escrita por Jack Finney en 1954, Los ladrones de cuerpos. Kevin McCarthy interpreta al doctor Miles Bennell, médico de familia en Santa Mira, una pequeña ciudad de California, el típico lugar provinciano donde nunca pasa nada que tanto gusta a los autores del genero de terror. Recién llegado de un congreso, el doctor Bennell se encontrará con un aluvión de casos de personas que parecen sufrir el trastorno del que hablábamos al principio. En la pequeña ciudad, además, parece flotar un ambiente extraño. Sin embargo, no le da mas importancia, limitándose a desviar estos pacientes a un psiquiatra de confianza. Así la película transcurre sin demasiados sobresaltos, hasta que aparece el cadáver.

De rostro inexpresivo, con las huellas digitales borradas, el extraño cadáver aparece en la casa de un amigo del doctor, y marca un punto de inflexión en la película. A partir de su aparición, la tensión ira en aumento, especialmente desde el momento en que el cadáver revive, y más tarde el mismo doctor encuentra otro de estos cadáveres en los sótanos de la casa de su antigua novia. Parece que la acción se desata. Pero pronto aparece la figura del psiquiatra para poner orden. Todo ha sido un episodio de histeria. No había nada especialmente extraño en el primer cadáver, y en cuanto al segundo, solo existía en la mente de los testigos. Con la luz del día, efectivamente, todo parece retornar a la normalidad, e incluso los pacientes afectados por el extraño síndrome comienzan a recuperarse. Pero todo es apariencia, claro. Esta a punto de entrar en escena otro de los protagonistas, seguramente el icono más recordado de esta película: las vainas de semillas gigantes.

Un fuerte aplauso para nuestro invitado de honor, por favor.

En efecto, cuando el doctor y sus amigos están celebrando lo que parece el fin de sus problemas con una muy americana barbacoa en el jardín, el doctor, mientras busca algo de queroseno con que encender la barbacoa rebelde –por semejante pecado contra el paladar de sus invitados, el doctor sin duda se hace acreedor del justo castigo de ser asesinado y reemplazado por un doble- descubre las terroríficas hortalizas gigantes, y todos son testigos de cómo de ellas brotan los misteriosos cadáveres. El médico trata de dar la alerta, pero todos sus esfuerzos no pasan mas allá de la operadora de la central telefónica. Es ahí cuando se revela que la historia de los dobles no es un delirio paranoico, sino una aterradora realidad, y que estos misteriosos seres controlan la ciudad.

A partir de este momento es cuando la película se desborda en una apoteosis de paranoia pura. Nadie es de fiar. Todo el mundo puede ser parte de la conspiración. Los personajes se ven empujados a una constante huida, mientras son testigos como los dobles salidos de los vegetales se preparan para invadir los pueblos cercanos. Además, deberán luchar contra el sueño, ya que es precisamente durante este cuando las copias surgidos de las vainas copian la memoria de sus victimas y viven. Al final, solo quedará el doctor, perseguido por todo el pueblo. La película debía acabar con el doctor Benell en medio de la autopista, gritándole “usted será el siguiente” a los conductores que se negaban a detenerse, pero ese final resultaba demasiado pesimista para la productora, que impuso un final más esperanzador, en el que un fortuito accidente demuestra que la delirante historia que ha contado el loco que la policía ha recogido en medio de la autopista era real y puede darse a tiempo la voz de alerta.

Final del spoiler.

Mucha gente señala como un defecto de esta película el hecho de que en ningún momento se explica como consiguen los suplantadores deshacerse de los originales una vez completada la copia. Sin embargo, para mí esto no es un fallo, sino un acierto de la película. El intentar explicar este hecho podría desviar la tensión psicológica de la película a un escenario truculento y sin duda poco creíble. Y en el fondo, ¿qué nos importa si los dobles desintegran, devoran o simplemente entierran en el jardín a sus victimas? Bástenos el hecho de que las quitan de en medio discretamente, y sigamos con la historia.

Sin duda el punto fuerte de esta película es la sensación, el aura de paranoia pura en que envuelve al espectador. Una impresión que está muy lejos de ser un inocente divertimiento. No olvidemos que esta película se estrena en 1956, y el macartismo, aunque ya declinando poco a poco, aún estaba en el recuerdo. Así, no es difícil darse cuenta de que esos dobles exactos desprovistos de toda emoción, dispuestos a conquistar primero la ciudad, y después el mundo, son una metáfora evidente del quintacolumnista a las ordenes de Moscú, con el cerebro lavado, al que hay que descubrir a tiempo, antes de que te convierta en algo inhumano. Si, hay que estar alerta, desconfiar de tus vecinos, tus parientes… podrían ser zombis al servicio del Poder Rojo. De nuevo han llegado los comunistas del espacio exterior a arrancarnos un escalofrío.

De esta película se han hecho hasta el momento tres remakes, uno muy digno en 1977, a cargo de Philip Kauffman, otro olvidable en 1993, a cargo de Abel Ferrara, y el mas reciente de 2007, a cargo de Oliver Hirschbiegel. Pero sin duda es el original, con su blanco y negro y sus hortalizas gigantes de papel maché, el que más honda impresión ha dejado en el aficionado al género. Una película por la que no pasa el tiempo, y que, aún hoy, sigue dando miedo.

Nada más por hoy. Espero que se hayan entretenido, y recuerden, vigilen siempre a sus vecinos. Podrían no ser lo que parecen…

Este articulo fue escrito originalmente el 28-03-2007 para el sitio Mondofriki.com, y revisado y actualizado con nuevos datos para su publicación en este blog

Vampirella (la película)

2010-02-18T19:31:00.000-08:00

Hay momentos en la vida en el que uno siente la irreprimible tentación de meterse entre frontal y occipucio una película cuyo efecto sobre la propia salud solo es comparable a una puñalada en el hipotálamo. Auténticos despropósitos que te hacen pensar que hay directores que deberían ser encausados por crímenes contra la humanidad. Como por ejemplo esto:

Vampirella, mítico personaje de comic, famoso por ser la superheroina que más chicha enseñaba en esos tebeos de los 70 y los 80, es destrozada en esta esperpéntica producción del rey de la serie B, Roger Corman, dirigida por Jim Wynorski, en 1996. Una película tan cutre que hace que Xanadu a su lado parezca Ciudadano Kane.Antes que seguir, he de deciros que no me he equivocado cuando he puesto 1996. Si, ya sé que parece que sea de 1969, pero no. Esta bien escrito, os lo juro.

Sinopsis:

Nos encontramos en el planeta Drakulon (original el nombre, no me lo negareis) hace treinta siglos. En este planeta se ve que por los ríos corre una especie de sucedáneo de la sangre, del que se alimentan sus habitantes, todos ellos vampiros, pero pacíficos. Pero un delincuente malísimo, llamado, seguro que no lo adivinaríais nunca, Vlad, prefiere chupar la sangre de la yugular de sus conciudadanos. En el momento en que va a ser juzgado, sus amiguitos se presentan en el juicio y se cargan a todo el tribunal, presidido por el padre de la protagonista (Talisa Soto), y se dan el piro en una nave espacial que les lleva a la Tierra, hace 30 siglos.

En este punto la película da un salto en el tiempo hacia algo que se supone que es nuestro futuro inmediato, para presentarnos a una especie de hombres de Harrelson con crucifijos bordados en sus gorras que se supone que son una organización secreta de cazavampiros al mando del tataranieto del doctor Van Helsing (Richard Joseph Paul). Los cazavampiros atacan una especie de rancho mexicano donde trincan a uno de los amiguitos de Vlad, que en el intervalo se ha convertido en el Conde Drácula, vestido con un impactante mono de tela plástica que parece un chubasquero del todo a cien, y se lo llevan para que les diga donde se esconde el conde.

En estos momentos Vampirella, que venia detrás de Vlad, pero que por problemas técnicos ha tenido que hacer una paradita de 30 siglos de nada en Marte, hace su aparición en lo que sin duda es el momento más tragicómico de la película. Todos los que pasamos la adolescencia durante los 80 sabemos como era el traje de este personaje, ¿verdad? Bueno, para los que no lo sepan, ahí va una muestra.

¿A que te pone cachondo? Bueno, pues en la película… es así.

En este punto debemos hacernos una pregunta. ¿Quién se encargó del diseño de vestuario de esta película? ¿El primo eunuco de Escrivá de Balaguer? Juro que buscando esa foto he visto fotos de convenciones de frikis donde las pibas llevaban disfraces mejor confeccionados y con el doble de morbo que esa… ¿cosa?. Joder, ya sabíamos que la película era cutre (de Roger Corman no esperábamos menos) pero se suponía que lo compensaríamos viendo chicha en abundancia. Pero, aparte de un par de apariciones cortitas en topless de una de las malas, nada. Pero no se me vayan todavía, que aún nos quedan muchas risas que hacernos.

Bueno, pues Vampirella como quien no quiere la cosa se entera de que Vlad, el mismísimo Conde Drácula, esta de incógnito… como cantante cutre en Las Vegas. Impagable Roger Daltry en el papel del conde. Las lagrimas me caen de la pura risa cada vez que pienso en ello. Vampirella se presenta en su actuación, se lo camela, se lo lleva a un sitio tranquilo, pero cuando iba a cargárselo, aparecen los del crucifijo en la gorra y les trincan a los dos. Pero cuando les llevaban a su cuartel general, Vlad hipnotiza al conductor del furgón donde le llevan, haciendo que se pegue un piñazo, y escapa. Van Helsing junior aprovecha para tirarle los tejos a Vampirella mientras tanto.

Mas adelante los vampiros secuestran al tataranieto de Van Helsing, y proponen un cambio con el vampiro que los del crucifijo en la gorra tienen prisionero. Vampirella debe entregar el prisionero en el intercambio, pero los vampiros le dan el timo de la estampita y se piran. Vampirella les sigue hasta el rancho mexicano de antes, donde la pillan y la encierran en un calabozo con Van Helsing, después de quitarle un suero que lleva y que toma como substituto de la sangre. Sin el suero, Vampirella no podrá controlar su sed de sangre y le chupara la sangre a Van Helsing, eso espera Vlad. Para evitarlo, Vampirella se encadena con unos grilletes a la pared y, cuando empieza a notar la sed de sangre, empieza a retorcerse y chillar. Se supone que esta escena esta ahí para crear morbo, pero la verdad es que si no te arranca una sonora carcajada, es que no eres humano. El tataranieto de Van Helsing le deja que le chupe un poco de sangre (del brazo, manda huevos) para que recupere las fuerzas, y se escapan. Luego llegan los de las gorras con el crucifijo y entre todos logran evitar el maligno plan de Vlad de oscurecer el cielo con unos satélites que sueltan carbonilla, para que los vampiros puedan cazar alegremente sin miedo del sol. En la pelea final, a Vlad le cae encima un rayo mientras pelea con Vampirella, y se despeña ardiendo por una presa.
Fin del spoiler
Puntos fuertes de esta película:
Los efectos especiales: la transformación de los vampiros en murciélagos es… bueno, no hay palabras. El vampiro se convierte en una silueta sombreada pintada con rotulador sobre el fotograma, que se va haciendo pequeña hasta convertirse en una mancha que desaparece por un lateral de la pantalla. ¡Con dos cojones! ¿Para que gastarnos cuatro chavos en un murciélago de goma, cuando podemos emplear ese dinero en pegamento para esnifar?
Las escenas de pelea. ¡Que arte, dios mío, que arte! Esos movimientos… esta chica debe ser cinturón negro, por lo menos. Bueno, la pelea final esta ligeramente más currada. Pero es que ahí quien pelea es un doble (no una doble, no, un doble, fijaos, fijaos bien)
La secuencia del planeta Drakulon. No sabía que los vampiros vienen de un planeta que parece un aeropuerto.
En fin, un divertimento que sin duda hará que los fans del personaje monten en justa cólera, pero que a todos los demás nos preemitirá echarnos unas cuantas risas.
Este articulo fue publicado originalmente en el sitio Mondofriki.com el 20-04-2007 ... y no, todavia no me he recuperado de la impresion que me causo la película.

Juegos de Guerra

2010-02-16T18:29:00.000-08:00

No te apetece mejor una partidita de ajedrez…?

En 1983 La Guerra Fría estaba en todo su esplendor, y Ronald Reagan, por entonces presidente de los USA, se refería a la hoy desaparecida Unión Soviética como “el Imperio del Mal”. Expresiones como “guerra de las galaxias” se habían hecho populares, y reflejaban una preocupación por el desarrollo experimentado por la tecnología militar. La informática comenzaba a popularizarse gracias a máquinas como los entrañables Spectrum, aunque los ordenadores personales propiamente dichos aun eran una extravagancia exótica, y no acostumbraban a encontrarse en domicilios particulares, si no se trataba del de alguien relacionado profesionalmente con la computación. Internet era todavía un producto de la ciencia-ficción del que se empezaban a sentar las bases científicas. La misma ciencia-ficción, sin embargo, comenzaba a girar sus ojos hacia ese mundo esotérico, explorando las posibilidades que ofrecía. Juegos de guerra fue una de las primeras incursiones del género en el mismo.

Juegos de guerra, dirigida por John Badham, fue probablemente la primera película protagonizada por un hacker, y crearía el estereotipo por el que serían cortados en adelante dichos personajes en el celuloide. La película también bebe de la psicosis nuclear de la época. Matthew Broderick, en uno de sus primeros papeles como protagonista, interpreta a un adolescente tarambana, fanático de las computadoras y los videojuegos, que esta a punto de desencadenar la III Guerra Mundial.

Atención: a continuación se desvelan detalles de la trama.

La película comienza con una introducción, en la que vemos a dos oficiales del ejercito yankee que reciben la orden fatídica de lanzar los mísiles contra la Unión Soviética. Sin embargo, uno de ellos vacila ante la perspectiva de cometer un genocidio, y se niega a obedecer la orden. A continuación aparecen los créditos, mientras la imagen salta a una reunión de estado mayor. Nos enteramos que la escena anterior correspondía a una prueba sorpresa que ha resultado en un estrepitoso fracaso: gran parte de los oficiales encargados de ello se han negado a obedecer la orden de lanzamiento. La conclusión a que se llega es que el factor humano es un problema que ha de ser eliminado de la cadena de mando. Así pues, se decide sustituir a los oficiales a cargo del lanzamiento por un sistema de inteligencia artificial, que obedecerá las ordenes del Presidente y el Estado Mayor sin pararse a pensarlo. Nótese el detalle sibilino de que la película considera desprovistos de remordimientos de conciencia a estos últimos. La institución militar, dejémoslo claro desde el principio, no sale nada bien parada de esta película.

La acción salta para presentarnos al protagonista, David (Matthew Broderick) en el momento de recibir un suspenso en biología, algo que no parece preocuparle demasiado. En efecto, a continuación vemos como este delincuente juvenil falsea sus notas usando su computadora casera, y de paso impresiona a su chica con sus conocimientos y su desprecio a las leyes. Nuestro protagonista ve a continuación un anuncio de una empresa de videojuegos y, con la intención de verlos antes que nadie, programa un rastreo telefónico al azar de los números de teléfono de la zona, con la intención de localizar el computador de la compañía. Una de las máquinas que ha detectado en su barrido contesta con una lista de juegos, con lo que nuestro protagonista esta seguro de tener localizada su presa.

Para invadir el sistema, David averigua quien fue el programador del sistema, un tal profesor Falken y tras investigar detalles de su vida, adivina la contraseña. A continuación pide ejecutar un programa llamado “guerra termonuclear total”. El problema es que el ordenador con el que ha contactado no es el de una empresa de videojuegos, sino el sistema de inteligencia artificial que ahora controla los mísiles nucleares, y el programa que ha pedido ejecutar no es un juego de estrategia, sino el programa que calcula la respuesta militar más apropiada a un posible ataque soviético. David corta la conexión antes de que puedan localizarle. Al día siguiente ve en las noticias el marrón en el que se ha metido, pero cuando esta destruyendo las pruebas, el ordenador le devuelve la llamada para informarle de que el juego sigue, y seguirá hasta que haya un ganador.

Evidentemente, el FBI acaba pillando a David, y le llevan al complejo militar donde esta el ordenador de marras. Pero cuando el que fue ayudante del profesor Falken esta haciendo de poli bueno con él, David aprovecha un descuido para colarse en el ordenador de nuevo, y averiguar la dirección actual del profesor, a quien se daba oficialmente por muerto. Después se las arregla para escapar, camuflado en un grupo de turistas y más tarde, acompañado de su chica, se presenta en casa del profesor (John Wood) y logra convencerle de que les ayude.

El profesor Falken y David se presentan en el complejo de mando, y logran convencer a los militares de que todo es una fantasía cibernética y que no autoricen el contraataque. Pero en ese momento el computador toma la iniciativa, ejecutando un ataque de fuerza bruta contra el código de lanzamiento de los mísiles. En una carrera contrarreloj por detener a la máquina antes de que consiga el código, la fuerzan a jugar una partida de tres en raya consigo misma. La máquina empieza a probar combinaciones que acaban siempre en empate, entrando en un bucle. Cuando consigue el código, en vez de lanzar los mísiles, comienza a evaluar todos los escenarios de conflicto posibles en busca de una estrategia favorable, llegando siempre a un resultado final de “empate”. Finalmente, no encontrando ninguna solución favorable, aborta la ejecución del programa con una frase que se haría famosa gracias a esta película: “Curioso juego. La única forma de ganar es no jugar.”

Fin del spoiler.
Algunos detalles de esta película a considerar:
La forma en que el hacker interpretado por Matthew Broderick consigue colarse en los ordenadores. A diferencia de las fantasiosas técnicas usadas por otros piratas de la ficción, el personaje de Broderick en un caso consulta furtivamente un post-it en el que un usuario olvidadizo ha dejado anotada la password, y en otro prueba (y acierta) usando el nombre del hijo del usuario. Precisamente este tipo de imprudencias (dejar la contraseña escrita en lugar accesible, o usar una clave fácil de deducir por alguien al tanto de las intimidades del usuario) son responsables de gran cantidad de ataques maliciosos en la vida real.

Asimismo, la táctica de llamar al azar a los números de teléfono buscando una respuesta de un computador era usada por los hackers de la época anterior a Internet, en combinación con herramientas como la mítica “bluebox”. De hecho, la técnica descrita en la película paso a denominarse como “wardialing” en lo sucesivo, debido al impacto que produjo la misma.

La escena en la que el protagonista escapa camuflado entre un grupo de turistas en visita guiada por un bunker militar de alta seguridad puede parecer risible. Sin embargo, ese tipo de visitas guiadas para turistas del morbo existían realmente en la época de la película, aunque desconozco si siguen habiéndolas hoy día (no me extrañaría, la verdad).

Aunque la película nos pueda parecer incluso un tanto inocentona a día de hoy, realmente provocó bastante revuelo, e incluso un cierto pánico, en la época en que se estrenó. En resumen, una buena pelicula para comprobar de primera mano el miedo atómico vigente en tiempos de la Guerra Fria, y la desconfianza que entonces reinaba hacia algo que hoy dia se ha convertido en omnipresente, el mundo de las computadoras.
Esta artículo fue escrito originalmente para el sitio Mondofriki.com, y publicado el 24-04-2007

Kevin Spencer

2010-02-10T18:50:00.000-08:00

Cuidado con estos, que son peligrosos

Sin duda, algún día los aficionados españoles al arte de la animación deberíamos plantearnos el costear un monumento a los responsables de la citada área de la televisión autonómica de Catalunya, TV3, por su labor de difusión del género. No contentos con exponer los cerebros del público juvenil a ambrosías como Dr. Slump, Bobobo o Sinchan, TV3 también ha trabajado el sector de la animación adulta. Así, mientras el grueso del publico español descubría gracias al estreno en cines del largometraje y posterior emisión de la serie televisiva South Park, que hay vida mas allá de los Simpson, los habituales de las madrugadas de este canal ya explorábamos la siguiente etapa de esta ruta, la incalificable serie Kevin Spencer.

Kevin Spencer es una producción canadiense. Como buenos frikis adictos a los dibujos animados, habréis visto la mencionada South Park, y sabréis que se puede esperar del humor canadiense. Bien, pues permitidme avisaros que no os han dicho ni la mitad. Dejadme presentaros a la familia Spencer, los peores despojos humanos jamás dibujados.

Kevin Spencer es un adolescente hijo de una mas que desestructurada familia que sobrevive gracias a las ayudas gubernamentales y a algún que otro trapicheo de nada dudosa ilegalidad. Percy Spencer, padre de Kevin, cuando no esta en la cárcel, esta buscando algo con que emborracharse. En sus correrías alcohólicas le acompaña su amigo Charlie, siempre, claro esta, que no le haya sorprendido previamente encima de su también muy alcohólica esposa Anastasia, cosa que suele suceder cada vez que regresa al hogar tras una temporada entre rejas, momentos en los se dedica a perseguir a su mejor amigo con la sana intención de volarle la tapa de los sesos.

Percy Spencer es, desde luego, una joya de padre. A su lado, Homer Simpson es un prohombre de la sociedad. Habitualmente se refiere a su hijo como “el tarado”, y no duda en gorrearle el tabaco. No es extraño que padre e hijo compartan celda en la cárcel en más de un episodio.

Fumador empedernido, alcohólico, adicto al jarabe para la tos y a esnifar disolventes, diagnosticado como sociopata, Kevin no pronuncia una palabra jamás. Sabemos de sus pensamientos por la voz en off del narrador, y sobre todo, por Allen, el ganso magico, el amigo invisible de Kevin, que constantemente le incita al más ultraviolento vandalismo.

Junto a la familia Spencer, conviven varios secundarios. Ya hemos hablado de Charlie, amigo de Percy y amante de su esposa. También están Marty, el tendero que provee de bebidas alcohólicas a la familia, y Afroman y Pornoman, reputadas estrellas del cine porno, de las que Anastasia Spencer es una fervorosa fan.

Otro punto que merece un comentario es el dibujo en si: naïf, extremadamente minimalista, casi completamente estático, recuerda más a una animación en flash que a un dibujo animado tradicional. Ese estilo de dibujo tan infantil contrasta tremendamente con lo bruto de las historias narradas, y con el más que soez lenguaje de los protagonistas.

En suma, que si quieres disfrutar como un enano, ver todo lo que los de South Park no se atrevieron a contar y castiga severamente tus neuronas, no te lo puedes perder bajo ningún concepto.

Artículo publicado originalmente en el sitio Mondofriki.com, el 21-05-2006

La Odisea del Rock (Rock Odyssey)

2010-02-08T16:13:00.000-08:00

Difícil, casi imposible de encontrar hoy por hoy, este especial de los estudios Hanna Barbera para la ABC de 1987 contiene aproximadamente dos horas de las interpretaciones de los artistas de la famosa factoría de animación inspiradas en algunos de las mas famosas canciones de las décadas de los 50, 60, 70 y 80. Dos horas en las que los artistas de la famosa factoría encadenan videoclip tras videoclip de psicodélicas y espectaculares imágenes.

La música, creo que huelga decirlo, no es original. Son recreaciones, interpretadas por músicos de estudio, de legendarios éxitos de las décadas citadas. Interpretaciones, eso si, muy correctas y respetuosas con los originales. Pero lo más impresionante sin duda son las imágenes que acompañan a la música. Imágenes que te transportan a un mundo onírico, psicodélico, en el que la música, como insistentemente nos recuerda el narrador, una maquina rockola parlante, en la versión original con la voz de Scatman Crothers, lo expresa todo.

Este trabajo esta envuelto en leyenda. Según parece, la ABC, espantada por las turbadoras imágenes, no se atrevió a emitirlo, y desde entonces esta teóricamente pendiente de publicación. Es muy poca la información que en la Red se encuentra sobre el, y sin excepción lo catalogan como inédito para la venta al público. Sin embargo, ha sido emitida alguna que otra vez por televisiones de fuera de los USA. Televisión Española lo emitió en el 92 o el 93, no recuerdo ahora exactamente, y de aquella época es la grabación, en cinta de VHS, que conservo como oro en paño, y sobre la que me baso para escribir este articulo.

La verdad, no es extraño que escandalizase la moral yankee. Las sugerencias, apenas veladas, a las otras dos entidades que, junto con el rock, conforman la trinidad más famosa de nuestros tiempos, el sexo y sobre todo la droga, son continuas. Muchas de las animaciones que acompañan a la música, sobre todo en el capitulo dedicado a los 60, solo son comprensibles basándolas por el filtro de los psicotrópicos. Incluso en una escena se pueden ver dos “terrones de azúcar” navegando por el torrente sanguíneo de uno de los personajes, justo antes de una de las mas alucinantes secuencias de la película, la que acompaña a la interpretación de “Purple Haze”. Quien no se de cuenta en ese momento de que estamos hablando del LSD, sinceramente es que no se entera de que va la película. En resumen, una obra maestra que hasta ahora ha permanecido vedada al gran publico, excepto a aquel que tuviese la suerte, como a mi me ocurrió, de poder verla en alguna emisión televisiva apenas publicitada a horas intempestivas. Una verdadera lastima.

Este artículo se publico originalmente en la web Mondofriki el 10-12-2005. Las imágenes que acompañan son capturas de fotogramas de la emisión televisiva referida en el mismo.

El Último Recreo

2010-02-04T19:51:00.000-08:00

Indudablemente, los primeros años de la década de los 80 fueron años gloriosos para el sector del comic en España. Fueron años en los que vieron la luz revisticas míticas, en las que, junto con una nueva hornada de ilustradores locales, tambien se presentaba a los sorprendidos españolitos que recién salían de la negra noche de la censura franquista la flor y nata del comic underground y de autor de allende nuestras fronteras. Casi todas ellas cayeron con la crisis del sector que sobrevino en los 90. Una de las mas míticas cabeceras fue 1984, publicación dedicada a la ciencia-ficción de la mítica y ya desaparecida editorial Toutain. Fue en sus páginas, en 1982, en las que los argentinos Horacio Altuna, dibujante, y Carlos Trillo, guionista, presentaron una serie que se salía de todos los moldes: El último recreo.

Si nos pusieramos en plan pedante y gafapasta, tendríamos que comparar esta obra con la novela de Golding “El señor de las moscas”. El último recreo consta de doce historias autoconclusivas que transcurren en un escenario post-apocalíptico clásico. Un arma del juicio final, de la que no se dan más explicaciones que sus efectos, ha matado a toda persona que hubiese superado la pubertad. En el mundo solo quedan los niños, abandonados a su suerte. Unos niños que deberán madurar de golpe, si quieren sobrevivir.

Invariablemente, estos niños que siempre temerán crecer, pues mientras dure el efecto de la bomba, hacerse mayor significa morir, cometerán los mismos errores de sus mayores, sin escatimar en crueldad, en una ciudad en ruinas llena de los cadáveres de los que no han conseguido sobrevivir, y que finalmente se verán forzados a abandonar (abandonar un mundo muerto para construir uno nuevo, todo muy simbólico, si me permitis decirlo).

La historia esta narrada en un estricto blanco y negro, con mas negro que blanco, y Altuna se luce en las panoramicas urbanas, Presentando calles abandonadas, llenas de papeles volando y basuras desparramadas que crean un entorno opresivo que refuerza la sensacion de desamparo de los personajes que se mueven por ellas.

En resumidas cuentas, una obra maestra que dio a conocer a Altuna en nuestro país, y que todos los buenos aficionados al genero sin duda disfrutarán. La única pega es que, dado el argumento, el lector (sobre todo el de sexo masculino) no podrá disfrutar del legendario dominio del citado autor en lo que a dibujo de la anatomía femenina se refiere. Pero ya se sabe, no se puede tener todo en esta vida…

Artículo publicado originalmente en el sitio Mondofriki el 01-11-2006

La Tumba de la Luciernagas (tremendísimo dramón)

2010-02-03T18:03:00.000-08:00

Asegurate de tener los kleenex a mano antes de apretar el boton del play…

En mi condición de gusano antisocial y pancartero, defensor de ideas radicales incompatibles con nuestra siempre benevolente sociedad de consumo occidental (estoy siendo ironico, ¿se me nota mucho?) he tenido ocasion de ver diversos films de denuncia, de los que no dan concesiones al espectador, sobre esas miserias de nuestro mundo a las que preferimos girar la cara. Es por ello que me considere con el estómago suficiente como para enfrentarme con una de las películas que mas leyenda negra arrastran en el mundo del dibujo animado, La Tumba de las Luciernagas. Una gran película, sin duda, y tambien una de las que peor cuerpo te dejarán si logras aguantar hasta el final, cosa que poca gente consigue. Si eres de natural depresivo, mantente alejado de esta película, y sobre todo, bajo ningun concepto, si tienes niños pequeños, jamas les dejes verla. No es pelicula para todos los publicos, ni mucho menos…

La Tumba de las Luciernagas, del director Isao Takahata, de la prestigiosa factoria Ghibli, basada en una novela de Akiyuki Nosaka, estrenada en el año 1988, es sin duda la pelicula mas dura que he visto en mi vida. Si tienes suficiente edad para que tu padre te haya dicho alguna vez aquello de “una guerra es lo que os hacia falta pasar a vosotros, para que se os quitasen tantos caprichos y manias”, y quieres saber a que se referia, solo tienes que ver esta pelicula. 93 minutos de las peores miserias de la Humanidad, sin un minuto de respiro al espectador, y sin ahorrase escrupulos a la hora de mostrar imagenes y situaciones escabrosas.

Aviso: a contnuacion desvelo detalles de la trama.
Ya solo el comienzo de la pelicula te muestra lo que te espera en adelante. Vemos a un mendigo que muere tirado en una estacion de tren, ante la indiferencia de los barrederos, que apenas comentan “otro que se ha muerto” antes de seguir con su trabajo. A partir de aqui, la pelicula nos cuenta la vida de este anonimo mendigo. Nos enteramos que tenia un nombre, Seita, y que una vez tuvo una vida feliz, hasta que la guerra se lo arrebato todo. Asisitiremos a la muerte de su madre en un bombardeo, en el que ademas pierden su casa y todo lo que tenian. Veremos como con su hermana pequeña se marchan a vivir a casa de unos familiares, que desprecian a los jovenes huerfanos como una carga. Seremos testigos de las miserias de la guerra, del hambre, de la crueldad de hombre contra el hombre. Veremos como el protagonista se ve forzado a convertirse en vagabundo y en ladrón, como se entera de la muerte en combate de su padre militar, y finalmente como asiste a la muerte por hambre de su hermana pequeña, ya en plena postguerra, todo ello narrado sin ninguna piedad para con los protagonistas ni el espectador, que termina de ver este monumental drama pensando que el mundo es un cubo de mierda y la vida no tiene sentido. En resumen, una tremenda obra de denuncia que sin duda te hara pasar un mal rato, por muy curtido que creas que tienes el estomago.

A unos cuatos mandatarios de este perro mundo les pondria yo esta pelicula en sesion continua, debidamente amarrados al sillon aquel donde ponian al protagonista de La Naranja Mecanica, a ver si se enteraban asi de lo que vale un peine…

La censura que nos trae el futuro

2010-02-02T11:45:00.000-08:00

Primero vinieron a por los que se descargaban música y películas de Internet. Y como yo no me descargaba ni música ni películas de Internet, no dije nada.
Luego vinieron a por los que tenían sitios web y blogs con enlaces a descargas. Y como yo no tenía ningun sitio web ni ningun blog con enlaces a descargas, tampoco dije nada.
Luego vinieron a por los que tenían sitios web y blogs en los que se hablaba mal de Ramoncín, Teddy Bautista o la SGAE. Y como yo no hablaba mal de Ramoncín, Teddy Bautista ni la SGAE, tampoco dije nada.
Luego vinieron a por mi. Y entonces ya no quedaba nadie para decir nada.

En primer lugar, que Martin Niemöller me perdone por esta caricatura de sus famosas palabras. Y una vez pedidas las obligadas disculpas, ¿de que va esto? Bueno, si vives en España, como el autor de este blog, la cosa es clara, va de la mal llamada Ley Sinde. Mal llamada porque no es ley, sino un apartado colocado de rondón en otra ley mas amplia, la Ley de Economía Sostenible, cuya intencion teórica, ademas, no es proteger los derechos de propiedad intelectual, sino articular medidas para sacarnos de la crisis. Pero como abrir un debate sobre lo primero expresamente seria impopular, pues probamos así, y si cuela, cuela.

Si vives en cualquier otro país, da igual, pues si tu gobierno no pasó una iniciativa legislativa semejante recientemente, seguramente ya está pensando en hacerlo. A no ser que seas brasileño, claro, porque allí parece que este tema va por otros derroteros, mas acordes con el siglo en que vivimos. Que gran país, dicho sea de paso y a pesar de todos sus defectos y problemas, Brasil. Primero le plantaron cara a las farmacéuticas y lideraron el movimiento a favor de los medicamentos genéricos libres de patentes. El mundo corporativo les trato de piratas, pero ellos perseveraron y acabaron triunfando. Ahora le plantan cara abiertamente a las mafias que pretenden controlar la cultura y su distribución, justo cuando el resto del mundo intenta inútilmente seguir su dictado para proteger un mercado que la tecnología ya ha dejado obsoleto. En fin, al menos algunos se dan cuenta de en que siglo vivimos y actúan en consecuencia. Que si por gente como la Sinde fuera, aun viajaríamos en diligencias y usaríamos luz de gas para alumbrarnos.

Pero volviendo al tema que nos ocupa, y a la frase de Niemöller, el tema que esta en juego es mas serio que simplemente el acto inocente de bajarse una cancion de Internet escaqueandose de pagar un canon a un par de cantantes pasados de moda que han hecho de esto su único ingreso. Afecta, por el contrario, a nuestras libertades. Al derecho de no ser tratados como delincuentes por usar una tecnología. Luego podemos hablar de si es ético o no el intercambiar archivos sujetos a copyrigth. Personalmente, como aficionado a la cultura underground, cuando recuerdo los tiempos anteriores al P2P, las busquedas infructuosas en mercadillos y tiendas de segunda mano, no puedo mas que decir cosas buenas de eso que algunos llaman, demasiado a la ligera, pirateria. Pero no hablabamos aquí de eso, sino de como algunos nos tratan de colar la censura por la puerta de atras.

Porque de eso trata esta ley, de censura. De que sigamos consumiendo como borregos la cultura que las corporaciones nos empaquetan como moda: el best-seller de moda, el cantante de moda, la película de moda... así habia funcionado siempre, y así seguiria funcionando, si la tecnologia no hubiese puesto una potente herramienta en las manos del consumidor medio, posibilitandole explorar sin esfuerzo otros mercados, otras areas de la cultura. Eso, aparte obviamente de hacer perder mucho dinero a aquellos que cada temporada nos lanzan el producto de moda, asusta. Asusta a quienes quieren que la cultura transite por sendas seguras. Que no quieren que la plebe lea segun que cosas, vea segun que peliculas, escuche a segun que cantantes. Hasta ahora, esa contracultura era solo conocida por la minoria que prestaba atencion a canales minoritarios. Pero la tecnología ha posibilitado que la contracultura empiece a infiltralse sin control (porque otro dia deberiamos hablar de lo que pasa cuando la contracultura es domesticada por las corporaciones) en la corriente cultural mayoritaria. Y eso, no nos engañemos, asusta. Asusta mucho.

La ciencia ficción apocaliptica.

2010-01-26T03:08:00.000-08:00

Foto: ruinas del Gembaku Dome, declaradas patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, en la “zona 0″ de Hiroshima.

El día 6 de agosto de 1945 se produjo uno de esos acontecimientos que, como dice el tópico, cambiaría para siempre la historia de la Humanidad. Ese día la ciudad japonesa de Hiroshima fue arrasada por la primera arma nuclear usada en un conflicto bélico de la historia. Las escenas de devastación absoluta dejadas por aquel crimen de guerra que quedo impune impresionan aun hoy, mas de 60 años después, y dejaron una honda huella que inevitablemente influiría en todas las esferas del arte y la creatividad humanas. Con ellas nacería un nuevo subgénero en la ciencia ficción, dedicado a especular sobre los nuevos horizontes de destrucción que la ciencia dejaba al descubierto: el genero post-apocalíptico, comúnmente conocido como las historias del “día después”. Porque, aunque hay algunas de estas historias en la que la catástrofe tiene causas naturales, o en que los culpables son extraterrestres, son excepciones a la norma de que la guerra total entre superpotencias causara inevitablemente el derrumbe de la civilización.
creo obligado advertir que este articulito contiene unos cuantos spoilers de no te menees. Aunque casi todos se refieren a clásicos que todos hemos visto/leído (o deberíamos haber visto/leído) mas de una vez.

Ya tan pronto como en 1948, el escritor Aldous Huxley publicaba una de las primeras historias del genero: Mono y esencia. Huxley, que se lamentaba de no haber incluido en su famosa obra Un mundo feliz ninguna referencia a la energía atómica, nos presenta aquí a un mundo arrasado por la guerra nuclear. Desde Nueva Zelanda, única zona del planeta salvada de la contaminación, parte una expedición para buscar en lo que fue América supervivientes del desastre. Hallaran un pueblo de mutantes a los que la radiación ha afectado en su actividad sexual, que esta ahora sujeta a periodos de celo. Estos mutuantes adoran al diablo, ya que creen que la guerra que destruyo el planeta es una prueba evidente del triunfo del mal, y de que Satán es el único dios verdadero. La criatura había comenzado a dar sus primeros pasos, pero para empezar a caminar con firmeza, necesitaba otro acontecimiento histórico fundamental. Necesitaba la Guerra Fría.

Por supuesto, sin la necesidad de la guerra fria, tambien se han hecho grandes relatos apocalípticos. A título de ejemplo, mencionare las novelas El mundo sumergido, de George Ballard (1962), o Soy Leyenda, de Richard Mathesson (1954), en las que el apocalipsis acontece por causas puramente naturales. Pero indudablemente, son mucho mas sugestivas las historias que toman como punto de partida la autoaniquilación de la raza humana, debido a su propia locura y a la creencia de que todo vale a la hora de conseguir el poder absoluto. Sin duda debido al elemento de critica y de análisis de la psicología humana que contienen. Y también porque, jamas lo perdamos de vista, los métodos para conseguir ese apocalipsis estaban ya ahí (de hecho, siguen estando donde los dejamos hace apenas 15 años, esperándonos pacientemente, sabiendo que volveremos), esperando ser usados por alguien lo bastante loco como para ello. Había poco de ficción y mucho de ciencia en estos supuestos. Una vez dicho esto, podemos entender el porque la edad de oro del genero, exceptuando algunas precursoras y algunas obras crepusculares, abarcaría desde los 60 a finales de los 80.

Imagen: cartel de la pelicula La hora final (titulo original On the Beach) de 1959

En 1959 se estrena quizá la primera película que muestra todos los clichés del genero: La hora final (On the Beach), de Stanley Kramer, con dos grandes estrellas como pareja protagonista: Gregory Peck y Ava Gardner. La guerra nuclear ha arrasado el planeta, y los pocos supervivientes viven como refugiados en Australia, esperando el momento en que la contaminación finalmente alcance las antípodas y todos mueran de forma inevitable. Una de las escenas mas memorables de este opresivo drama es la de la ciudad de San Francisco completamente desierta, a donde el submarino capitaneado por Gregory Peck se había desplazado para rescatar a un presunto superviviente, que resulta ser una botella de Cocacola que, empujada contra un telegrafo por una cortina a la que el viento movía, ha enviado la señal por puro azar.

Charlton Heston, en 1968, interpretara en todo un clásico de la ciencia ficción, El planeta de los simios, dirigida por Franklin J. Schaffner, a un astronauta que después de una larga travesía llega a lo que cree un planeta extraterrestre, en el que por una curiosidad del destino la evolución ha funcionado al revés, y mientras los humanos no han superado el nivel intelectual de troglodita, los grandes simios han desarrollado su inteligencia hasta convertirse en especie dominante del planeta. Solo al final el protagonista se dará cuenta de que ha viajado en circulo, regresando a la misma Tierra en el futuro, y que la decadencia de la especie humana es fruto de la autoaniquilación. Para la historia del genero quedará la imagen de Charlton Heston maldiciendo a la humanidad frente a las ruinas de la estatua de la Libertad. Esta película dio origen a varias secuelas, a lo largo de la década de los 70, que abundaban en el mismo tema, pero que solo con mucha generosidad podríamos decir que llegan al nivel de la serie B.

la mítica escena final de El Planeta de los Simios (1968): “yo os maldigo…”

En 1971, Charlton Heston de nuevo, protagoniza El último hombre vivo (The omega man) , basada en la novela Soy leyenda, de Richard Mathesson, que ya había conocido una primera adaptación cinematográfica en 1964 con el titulo de El ultimo hombre en la tierra, protagonizada por el maestro de la serie B Vincent Price. Esta vez es un virus el que ha convertido a todos los habitantes del planeta en vampiros. En la novela, editada en 1954, la plaga, así como la inmunidad del protagonista, son de origen completamente natural, pero esa solución tan simple ya no vale en los 70. El origen a estas alturas no puede ser otro que la guerra bacteriológica, y la inmunidad del protagonista obra de una vacuna experimental propiedad del ejercito, que se inyecta a la desesperada. Además, los vampiros no solo odian al protagonista porque camina al sol y se enfrenta con ellos, sino porque además, usa la tecnología, que ellos consideran maligna, puesto que creo la plaga que destruyo el mundo. La película tiene algunos encantadores detalles de serie B que harán las delicias del espectador actual.

Imagen: Future Boy Conan (1978) Descubriendo el amor entre las ruinas de un mundo arrasado. Que tierno, no?
El tema apocalíptico se hará tan recurrente a lo largo de los años 70 que incluso llegan a producirse versiones destinadas al público infantil. En 1978 un por entonces principiante Hayao Miyazaki firma su segundo trabajo como director con Future Boy Conan. Esta serie de animación narra las aventuras de una pareja de preadolescentes en un mundo inundado debido a los cataclismos derivados del uso masivo de las armas de destrucción total, buscando al abuelo de ella, un famoso científico antes del apocalipsis, al que deben encontrar antes que lo haga un grupo que, refugiado en una antiguo complejo militar, planea usar sus conocimientos para volver a poner en marcha el armamento en él depositado, y así conquistar todo lo que las aguas aun no se han tragado, imponiendo una tiranía militar. Realmente, se necesitaba mucho talento para ensamblar de forma coherente esta extravagante mezcla de Tarzan, Robinson Crusoe, Marco y 1984, y además obtener un producto apto para el publico familiar, pero Miyazaki lo borda. La historia, eso si, vista mas de un cuarto de siglo mas tarde, nos hace reflexionar sobre a que extremos había llegado la desconfianza hacia el futuro cuando se usaba un argumento tan terrorífico para una serie destinada al público infantil.

En 1979, se produce un hito, al estrenarse la primera de las tres partes de la trilogía que marcara en adelante la estética del genero. Hablamos, por supuesto, de Mad Max, dirigida por George Miller, y protagonizada por Mel Gibson. Los desiertos australianos se tornaran en la pantalla los paramos de un mundo arrasado en el cual las nuevas tribus barbaras se disputaran los últimos restos del preciado carburante de la forma mas violenta posible. Mad Max, y sus dos secuelas (1981 y 1985, también a cargo del mismo dúo director-protagonista) serán imitadas hasta la saciedad, y durante toda la década de los 80 las pantallas de los cines se poblaran de bárbaros futuristas de estética heavy/punk, corriendo por desérticas carreteras secundarias a bordo de motocicletas customizadas, coches tuneados y toda clase de andróminas motorizadas, entregándose a los placeres de la velocidad y la violencia gratuita. Se abría un nuevo horizonte para la serie B.

Video promocional de Mad max (1979) Fanáticos del tuning ponganse de rodillas, por favor.

Con el cambio de década, algo también comienza a cambiar en el panorama político mundial. La estrategia del terror cada vez es mas cuestionada, y parece como si una nueva generación retomase las propuestas interrumpidas de la Primavera de Praga y el Mayo francés. En Occidente, los partidos verdes irrumpen en la política y comienzan a ganar parcelas de poder. En el Este, la contestación al poder soviético cada vez toma mas fuerza, con el sindicato polaco Solidaridad como punta de lanza. Este clima afectara al mismo genero, y las nuevas obras cada vez potencian mas el trasfondo critico en detrimento de la pura aventura.

Cartel de El dia despues (1983)En 1983 se estrena el mítico telefilm El día después, de Nicholas Meyer, la película que acabara dando nombre a todo el subgénero. El día después narra sin ningún tipo de concesiones, y con unos tremendamente realistas efectos especiales y de maquillaje, el dantesco panorama en los días inmediatamente posteriores a un hipotético ataque nuclear sobre los Estados Unidos. La película causo un fuerte impacto social, que propició su salto a la gran pantalla en numerosos países, a pesar de ser originalmente un producto concebido para la televisión, dando alas al emergente movimiento pacifista, y fue dúramente criticada por los sectores mas derechistas del mapa político tanto en los USA como en el resto del bolque occidental, que la consideraron poco menos que un acto de traición.

fotograma de la pelicula “Cuando sopla el viento”

En 1986 se estrena la cinta de animación Cuando sopla el viento, de Jimmy T. Murakami, basada en una novela del escritor Raymond Briggs, autor también del guión de la adaptación. Cuenta la historia de una pareja de jubilados britanicos en los dias previos a la guerra nuclear. Ingenuamente confiados por la propaganda gubernamental, y convencidos de que nada puede ser peor que los duros tiempos de la II Guerra Mundial, cuando quieran darse cuenta de su error sera demasiado tarde. La película, huelga decirlo, contiene una fuerte carga critica, acorde con los tiempos que corren.

En este punto, los acontecimientos históricos comienzan a marcar el crepúsculo del genero. En 1985 sube al poder en la Unión Soviética Mihail Gorbachov, quien trata de frenar la cada vez mas insistente contestación al poder dictatorial de Moscu tanto en la misma Unión como en sus territorios satélites con una serie de medidas aperturistas que en principio debían contentar a la población. Sin el saberlo, echará a rodar una bola de nieve por la pendiente, que al final acabara llevandoselo por delante. En 1987 se firma un tratado de desarme con los USA. En 19889, las tropas soviéticas se retiran de Afganistan. En 1989, es demolido el Muro de Berlin, lo que produce un efecto domino que hace caer uno tras otro los gobiernos comunistas de la Europa del Este. En 1990 se produce la reunificación de Alemania. Finalmente, en 1991, perdidos sus satélites neocoloniales, la misma Unión Soviética se desintegra y desaparece de los mapas. La Guerra Fría termina con la derrota de uno de los bloques por causas socioeconómicas y no militares. Con ella desaparecerá la fuente de inspiración para el género, que ya solo dará algunas obras crepusculares antes de apagarse definitivamente.

En 1995 se estrena Juez Dredd, adaptación de una serie de comic creada en 1977, un proyecto largo tiempo aplazado, sobre un mundo post-apocalíptico en el que la ley y el orden estan en manos de un cuerpo de elite que auna las funciones de policía, juez y verdugo. La película, dirigida por Danny Cannon y protagonizada por Sylvester Stallone, en cualquier caso, no hace justicia al comic original, eliminando todo elemento de sátira o crítica presente en el mismo, y convirtiendo a uno de los personajes mas fascistas y malnacidos de las viñetas en poco menos que un padrazo.

En ese mismo año, 1995, Kevin Costner asesinará miserablemente el genero al perpetrar la infame Waterworld, sin duda el mayor fiasco de la historia del séptimo arte. La película plantea una nueva vuelta de tuerca al argumento del mundo sumergido, aunque esta vez las causas de la catástrofe no son militares, sino debidas a la falta de respeto del hombre por la naturaleza. La película, planteada como un alegato ecologista (con detalles tan evidentes como el hecho de que los malos usen como base el pecio reflotado del Exxon Valdez, causante de una de las mayores mareas negras de la historia) fracasó en taquilla y recibió una crítica despiadada. Con ella se hundió el intento de intentar usar la creciente preocupación por la conservación del medio ambiente como argumento apocalíptico. No funciono, y aunque los nuevos terrores del cambio climático y la capa de ozono han resucitado el genero de catástrofes, la ciencia-ficción apocalíptica permanece desde entonces muda. Y quizá sera mejor así. Al fin y al cabo, estas películas y relatos son el testimonio de una época y unos terrores desaparecidos. Ahora vivimos otros tiempos, con sus propios terrores. Ni mejores ni peores, solamente diferentes.

P.D. Estoy seguro que me he dejado en el tintero gran cantidad de películas, novelas, comics, series de tv, etc. Si entre ellas la mala suerte hace que se encuentre la favorita del lector, solamente puedo pedirle disculpas. No podía ponerlas todas, espero que lo comprendais.

Los Cabecicubos

2010-01-25T14:16:00.000-08:00

La tirania de los cabezas cuadradas ya está aquí!!!

Si preguntásemos a los seguidores del dibujante de humor catalán Juan López, Jan, cual es en su opinión la obra mas conseguida de dicho autor, once de cada diez responderán que se trata sin duda de “Los Cabecicubos”. Y desde luego, tendrán razón. “Los Cabecicubos” es una obra maestra del comic humorístico. Pocas veces se puede conseguir decir tantas cosas en tan poco espacio, con un lenguaje tan simple, y sobre todo, sin perder jamás el tono jocoso que toda buena sátira exige.

“Los Cabecicubos” se publica en 1982, una época en que la situación política en España es particularmente efervescente, y ese hecho impregna toda la obra, llena de dobles sentidos. En esta historia, el personaje franquicia de Jan, el patoso superhéroe Superlópez, habrá de enfrentarse a una curiosa epidemia de cabezas cuadradas, en todos los sentidos de la expresión. La acción comienza cuando dos empresarios contratan los servicios de la agencia de publicidad donde trabaja de incógnito el protagonista, para la promoción de su curioso producto: unos huevos manipulados químicamente para que tengan forma cúbica. En el transcurso de una visita a la fábrica, el jefe de Superlópez queda expuesto por accidente a los productos químicos usados en el proceso. Como resultado, la cabeza se le deforma adquiriendo forma cúbica.

Lamentable accidente… A partir de aqui comienza todo

En este punto, el lector se da cuenta de que el consumo de esos huevos no puede ser bueno para la salud. A esta apreciación se une el hecho de que la fábrica que los produce siempre aparece envuelta en una densa nube de un molesto humo. Sin embargo, los huevos cuadrados pronto se convierten en un producto de moda, y al poco estalla una autentica epidemia de cabezas cuadradas.
En un principio, los cabecicubos son objeto de la burla y discriminación de sus conciudadanos. Sin embargo, conforme aumenta su número, comienzan a ser conscientes de su fuerza. Finalmente, organizados en un partido político fundado por el jefe de Superlópez, se harán con el gobierno de la nación. Es a partir de aquí cuando las cosas se ponen feas de verdad.

Discriminación: Los cabezicubos son objeto de rechazo en la pagina 7 del tercer capitulo…

…para pasar a ejercerlo ellos mismos en la pagina 8!

El jefe de Superlopez, rebautizado como Primer Hexaedro, encabezara un gobierno de estética y métodos claramente fascistas. Superlópez por su parte acabara uniéndose a la Guerrilla Urbana Anticabecicuba, grupo en el que es introducido por un personaje secundario clave, el “misterioso atracador”, personaje que, una vez desenmascarado, Jan volverá a utilizar en historias posteriores. Por su parte, el grupo guerrillero esta dirigido por otro secundario habitual de las historias de Superlópez, el despistado inspector de policía Holmez.

Estética fascista: el Primer Hexaedro arenga a las masas en una perfecta caricatura del nazismo

La acción (y el absurdo) ira aumentando progresivamente, hasta desembocar en una autentica guerra civil entre los cabecicubos y el GUA. En el transcurso de los enfrentamientos, la fábrica de huevos cuadrados será escenario de la batalla, y como consecuencia cesa la producción de huevos cuadrados, con lo que la intoxicación desaparece y los cabecicubos sanan espontáneamente, desmoronándose su ideología y su dictadura junto con su enfermedad.
Al final todo vuelve a una aburrida normalidad. El inspector Holmez aparece persiguiendo al mismo atracador que, sin el saberlo, había sido su compañero de aventuras unas paginas antes, la ciudad vuelve a estar contaminada, se preparan unas nuevas elecciones… en un guiño al lector, la historia se cierra sobre si misma en un bucle, cuando los mismos empresarios vuelven a presentarse en la misma agencia de publicidad donde comenzó todo para contratar la promoción de su nuevo producto: huevos perfectamente esféricos esta vez. ¿Qué cual es la ventaja? Simplemente no son cuadrados, sino todo lo contrario. El escenario esta preparado para que la historia vuelva a repetirse desde el principio. Si, el ser humano esta dispuesto siempre a repetir los mismos errores en cuanto se le presenta la más mínima oportunidad.

Corrupción: los fabricantes de los huevos cuadrados alardean de sus contactos para evitar ser sancionados…

“Los Cabecicubos” debe su prestigio entre los aficionados a la gran cantidad de lecturas entre líneas que se pueden hacer de su humor, aparentemente simple y de línea clara. Podemos verlo como una crítica en clave medioambiental (la plaga es desatada por la contaminación y la manipulación industrial de los alimentos, y la corrupción administrativa permite que siga comercializándose un producto dañino). Podemos hacer una lectura acerca del fenómeno del populismo en la política, y del pasotismo del ciudadano irresponsable ante un problema que el cree que no le afecta, hasta que se da de bruces con el. Si queremos podemos leerlo en clave de relativismo moral (el héroe es iniciado en la clandestinidad por el mismo delincuente al que había comenzando persiguiendo, el inspector de policía de pronto se dedica a planear sabotajes terroristas). Podemos hacer una lectura sobre el papel de las victimas y los verdugos (los cabecicubos, que habían comenzado siendo marginados socialmente, acaban convirtiéndose ellos mismos en represores de sus conciudadanos). Es por ello que, a pesar del tiempo transcurrido, el humor de esta obra sigue apareciendo actual, tremendamente lúcido y muy inteligente. Un autentico placer para la mente.
Humor inteligente: los personajes reflexionan sobre su papel en la Historia